The Hues Corporation ‎Love Corporation / He’s My Home

Etichetta: RCA PB 10200 RCA Victor ‎PB 10200 Serie: Soul Explosion Formato: Vinile, 7″, Single, 45 RPM Paese: Italia Uscita: 1975 Tracce: Lato A Love Corporation Lato B He’s My Home. Gli Hues Corporation erano un trio pop e soul americano , formatosi a Santa Monica , California nel 1969. Sono conosciuti soprattutto per il loro singolo del 1974 ” Rock the Boat “, che ha venduto oltre 2 milioni di copie. Prima di raggiungere il successo mainstream, furono un gruppo di apertura dei concerti di una lista di cantanti che includeva Frank Sinatra , Milton Berle , Nancy Sinatra e Glen Campbell . La band originale aveva una formazione di tre cantanti e tre sideman. I sidemen erano Joey Rivera dei Checkmates; Monti Lawston; e Bob “Bullet” Bailey, ex dei Leaves. Bailey, Rivera e Lawston lasciarono la band per formare Goodstuff. Il nome del gruppo era un gioco di parole sulla Howard Hughes Corporation , con la ‘tonalità’ (sinonimo di ‘ colore ‘). I membri della band all’epoca del loro primo album erano St. Clair Lee (nato Bernard St. Clair Lee, 24 aprile 1944, San Francisco , California; morto 8 marzo 2011), Fleming Williams (nato il 26 dicembre 1943, Flint , Michigan ; morto il 15 febbraio 1998) e Hubert Ann Kelley (nata il 24 aprile 1947 a Fairfield , Alabama ). La scelta originale per il nome del gruppo era The Children of Howard Hughes , che la loro etichetta discografica rifiutò. Il gruppo si è formato nel 1969. Il cantautore Wally Holmes ha fondato il gruppo con il suo amico Bernard St. Clair Lee. La cantante H. Ann Kelley è stata trovata ad un talent show a Los Angeles . In seguito agli avvisi affissi nei negozi di dischi della California meridionale, si presentò Karl Russell. Registrarono un singolo “Goodfootin'” / “We’re Keepin’ Our Business” che fu pubblicato dalla Liberty Records nel 1970. Non entrò nelle classifiche. Sempre con Karl Russell, la prima grande occasione del gruppo arrivò nel 1972, quando furono invitati ad apparire nel film blaxploitation , Blacula , con William Marshall . È stato anche chiesto loro di registrare tre canzoni per la colonna sonora del film : “There He Is Again”, “What The World Knows” e “I’m Gonna Catch You”. Dopo la loro partecipazione al progetto Blacula Karl Russell fu sostituito da Fleming Williams e il gruppo firmò con la RCA Records ; il loro secondo singolo per l’etichetta, “Freedom For The Stallion”, dall’album omonimo , divenne un successo moderato. Il terzo singolo estratto dall’album, ” Rock the Boat “, divenne la hit n. 1 nella classifica di Billboard e la canzone simbolo del gruppo . Il bassista della sessione di “Rock the Boat” era Wilton Felder, non James Jamerson come riportato in precedenza. “Rock the Boat” è stato scritto da Holmes, che ha scritto anche le canzoni di Blacula, ed è stato pubblicato negli Stati Uniti nel febbraio 1974 e nel Regno Unito nel luglio dello stesso anno. È arrivato al primo posto per una settimana negli Stati Uniti e al sesto per due settimane nel Regno Unito, rimanendo per 18 settimane nella classifica statunitense con un disco d’oro assegnato dalla RIAA il 24 giugno 1974. Il brano vendette oltre due milioni di copie. La ​​canzone è considerata una delle prime canzoni disco . Alcuni studiosi affermano che sia stata la prima canzone disco a raggiungere il primo posto, mentre altri attribuiscono questa distinzione a ” Love’s Theme ” della Love Unlimited Orchestra , in cima alle classifiche all’inizio del 1974. Dopo il successo di “Rock the Boat”, gli altri singoli della Hues Corporation entrati nelle classifiche della Billboard Hot 100 includevano “Rockin’ Soul” (1974, n. 18), “Love Corporation” (1975, n. 62) e “I Caught Your Act” (1977, n. 92). Il gruppo non fu in grado di duplicare il successo dei loro primi successi e si sciolse intorno al 1980. Mentre alcune fonti affermano che l’anno di scioglimento risale al 1978, filmati d’archivio di uno speciale televisivo per la TV cilena nel 1979 che promuoveva la loro esibizione alla Viña del Il Festival Internazionale della Canzone di Mar dimostra il contrario. Inoltre, nel 1980 la Hues Corporation pubblicò un ultimo singolo negli Stati Uniti e un sesto album almeno in Nuova Zelanda, Argentina e Sud Africa. Con la rinnovata popolarità della musica da discoteca negli anni ’90, il gruppo si riunì per date del tour ed eventi speciali, incluso lo speciale della PBS Get Down Tonight: The Disco Explosion . Karl Russell è stato sostituito da Fleming Williams che ha cantato la parte principale maschile di “Rock the Boat”. Williams se ne andò non molto tempo dopo la registrazione. Williams è stato inizialmente sostituito da Tommy Brown. In un’intervista con Gary James, St. Clair Lee disse che dopo qualche tempo Williams fu riportato nel gruppo e a sua volta sostituì Tommy Brown. Intorno al 1975, Karl Russell si unì alla band assumendo il ruolo di cantante dopo che Fleming Williams se ne era andato definitivamente. Intorno al 1979, Kenny James prese il posto di Karl Russell come cantante. James può essere visto nel filmato televisivo cileno del 1979 che promuove la loro esibizione al Festival Internazionale della Canzone di Viña del Mar ed è anche mostrato sulla copertina dell’ultimo album del gruppo Boogie Me, Move Me del 1980. Hubert Ann Kelley in seguito lasciò il gruppo per diventare ministro. Negli anni successivi, intorno agli anni ’90, St. Clair Lee fece rivivere il gruppo e reclutò Bruce Glover ed Elaine Woodard come nuovi membri. Fleming Williams morì negli anni ’90. Molte fonti affermano che la data della sua morte fu nel settembre 1992, ma altre fonti affermano che morì nel febbraio 1998. Secondo il Social Security Death Index, Fleming Williams morì il 15 febbraio 1998. La sua morte è stata attribuita ad una “lunga malattia”, anche se molti altri hanno alluso anche ad una lunga lotta con la droga. Secondo il New McCree Theatre di Flint , città natale di Williams, che nel 2011 ha messo in scena lo spettacolo “Rock The Boat: The Fleming Williams Story” co-scritto dalla madre di Williams, Fleming Williams si è effettivamente suicidato nel 1998. Il membro fondatore St. Clair Lee è morto l’8 marzo 2011 a Lake Elsinore, in California . Si dice che sia morto per cause naturali all’età di 66 anni, come scritto nei necrologi del Los Angeles Times a marzo. Gli sopravvissero la madre, i figli e la sorella. Questo 45 giri Love Corporation / He’s My Home prodotto dalla RCA e RCA Victor per il mercato Italiano era inserito in una serie che si chiama Soul Explosion. La Soul Explosion era una serie di vinili Funk, Soul, Disco commercializzati da RCA e RCA Victor in Francia, Italia e Paesi Bassi. La RCA Records è un’etichetta discografica statunitense, divisione della Sony Music Entertainment, lanciata dalla RCA Corporation. Fondata nel 1929 con il nome di RCA Victor, ma già erede della Victor Talking Machine Company, la RCA Records è la seconda etichetta discografica più antica nella storia degli Stati Uniti d’America. Nel 1901, Emile Berliner ed Eldrige R. Johnson fondarono la Victor Talking Machine Company, casa discografica con sede a Camden che nel corso di trent’anni divenne la principale azienda produttrice di grammofoni del mondo. Il 15 marzo 1929, la Victor Talking Machine Company venne acquistata dalla Radio Corporation of America e venne rinominata RCA Victor. Nel settembre 1931, la casa discografica distribuì il primo disco a 33 giri della storia, contenente la quinta sinfonia di Beethoven. Nel 1949, la RCA approdò in Italia con il nome di RCA Italiana; l’etichetta rimase attiva fino al 1988. Nel 1986, la RCA Corporation venne interamente acquistata dalla General Electric e venne rinominata BMG Music (Bertelsmann Music Group). Iniziò così un nuovo capitolo per la RCA Records, che dopo più di cinquant’anni di appartenenza alla RCA Corporation, venne gestita per la prima volta da un’altra società. Bob Buziak divenne il nuovo presidente dell’etichetta discografica, rimpiazzato nel 1990 da Joseph Galante. Oggi la RCA Records è una divisione della Sony Music Entertainment e gestisce contratti discografici con alcuni degli artisti più gettonati degli ultimi due decenni tra i quali Britney Spears, Justin Timberlake, Miley Cyrus, Christina Aguilera, ASAP Rocky, Chris Brown, Pitbull e fino al 2021 di Alicia Keys. La RCA Victor è stata una casa discografica statunitense nata dalla fusione della RCA (Radio Corporation of America) e della Victor. In Italia l’etichetta venne usata dalla RCA Italiana per la stampa nazionale di dischi d’oltreoceano, spesso modificando il titolo e, in alcuni casi, anche la copertina. Inoltre su RCA Victor vennero anche realizzati dischi di artisti stranieri espressamente per il mercato discografico italiano e, in alcuni casi (ad esempio la siciliana Farida) anche incisioni di cantanti italiani. Che dire di questo 45 giri ? sicuramente e meno famoso di Rock the Boat però molto bello peccato uscito nel momento in cui il gruppo a comiciato a perdere la fama ottenuta con Rock the Boat.

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Lato A

Lato B

Dr. Buzzard’s Original Savannah Band ‎Cherchez La Femme / I’ll Play The Fool

Etichetta: RCA ‎TPBO 7034, RCA Victor ‎TPBO 7034 Formato: Vinile, 7″, 45 RPM Paese: Italia Uscita: 1976 Tracce: Lato A Whispering/Cherchez La Femme/Se Si Bon Tracce: Lato B I’ll Play The Fool. Dr. Buzzard’s Original Savannah Band era una big band e una disco band influenzata dallo swing che si era formata nel Bronx, New York. La band è meglio conosciuta per il suo successo dance numero uno negli Stati Uniti ” Cherchez La Femme / C’est si bon”, dal suo album di debutto omonimo. La band è stata concepita dai fratelli Stony Browder Jr. (7 febbraio 1949 – 6 ottobre 2001) e Thomas Browder (noto anche come August Darnell, nato il 12 agosto 1950), con il primo che scrive musica e il secondo testi. Hanno fondato la band nel 1974 con la cantante Cory Daye (nata il 25 aprile 1952), il batterista Mickey Sevilla e il percussionista Andy Hernandez ( Coati Mundi ). Hanno pubblicato tre album tra il 1976 e il 1979. La loro musica fondeva ritmi disco con ritmi di generi tra cui calypso, rhumba, cha-cha-chá e compas. I Browders, che erano entrambi multirazziali, scrivevano canzoni che abbracciavano il multiculturalismo è su storie di tragici mulatti. Una formazione più piccola conosciuta come Dr. Buzzard’s Savannah Band (omettendo la parola “originale”) pubblicò anche un quarto album nel 1984. Erano artisti frequenti allo Studio 54. Darnell e Hernandez hanno continuato a formare Kid Creole and the Coconuts and Elbow Bones and the Racketeers. Cory Daye ha anche intrapreso una carriera da solista di successo. Nel 1979 pubblicò l’album Cory and Me. L’album ha prodotto un singolo, “Pow Wow” b / n Green Light “, che ha raggiunto il picco nella Billboard Hot 100 degli Stati Uniti al numero 76 nello stesso anno. Il brano “Wiggle and Giggle All Night” è diventato un successo nella Top 20 in Paesi Bassi. Stony Browder Jr. è morto nel 2001. Nel 2022, i cantautori L. Russell Brown e Sandy Linzer hanno intentato una causa per copyright contro Dua Lipa sostenendo che la sua canzone ” Levitating ” violava la loro canzone del 1979 “Wiggle and Giggle All Night”. ” Cherchez La Femme ” (Seek the woman) è una canzone che è stata scritta ed eseguita dalla Dr. Buzzard’s Original Savannah Band con la voce solista di Cory Daye nel 1976. La musica è stata scritta dal leader della band e pianista Stony Browder Jr. e John Schonberger, Richard Coburn (né Frank Reginald DeLong; 1886–1952) e Vincent Rose; con testi del fratello e bassista di Browder Jr. August Darnell. Il titolo completo della canzone è ” Whispering “/”Cherchez La Femme”/”Se Si Bon”. “Cherchez La Femme” è diventato il più grande successo del gruppo. Il testo di apertura della canzone si riferisce al dirigente discografico Tommy Mottola, che è stato determinante nel dare all’atto il contratto con la major. Insieme ai brani “Sour and Sweet” e “I’ll Play the Fool”, “Cherchez La Femme” è arrivato al primo posto nella classifica disco. “Cherchez La Femme” è anche entrato nelle classifiche pop, R&B e Adult Contemporary. ” Cherchez La Femme ” è stata interpretata dalla cantautrice cubana americana Gloria Estefan nel suo quarto album in studio, Hold Me, Thrill Me, Kiss Me . È stato pubblicato come quinto singolo dall’album negli Stati Uniti, in Australia e nel Benelux. La rivista paneuropea Music & Media ha commentato: “Nel 1977, le coppie romantiche perdevano la parola ogni volta che veniva suonata dalla Dr. Buzzard’s Original Savannah Band Ora un’altra” femme “sta cantando la canzone nostalgica della band swing con uguale gioia”. Phil Shanklin di ReviewsRevues ha scritto nella sua recensione dell’album Hold Me, Thrill Me, Kiss Me , che è “una mossa coraggiosa” fare una cover della canzone. Ha aggiunto: “La voce di Gloria manca della giocosa civetteria di Cory Daye , ma è bello ascoltarla di nuovo tra le sue selezioni di canzoni”. La registrazione originale di “Cherchez La Femme” faceva parte della colonna sonora del film del 1998, 54. Michael Tolliver, uno dei personaggi principali di ” Tales of the City ” di Armistead Maupin , balla al ritmo della canzone quando partecipa al concorso di ballo dei pantaloncini da fantino, che vince. ” Cherchez La Ghost “, il singolo del 1999 del rapper Ghostface Killah che remixa “Cherchez La Femme” ed è entrato nella classifica Billboard 100. Grande disco a 45 giri suonatissimo in discoteca da quasi tutti i DJ dell’ epoca disco che fa parte di una piccolo breve periodo della disco miusic chiamato Deco Disco dove loro sono stati il gruppo più famoso di questo breve periodo della disco miusic.

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Lato A

Lato B

Augusto Righetti Group / Donna Summer ‎Dimmi Se… / Try Me

Etichetta: Durium ‎Ld A 7926 Formato: Vinile, 7″, Jukebox Paese: Italia Uscita: 1976 Note: Vietata la Vendita Utilizzazione esclusiva per Juke-Box Tracce: Lato A Augusto Righetti Group Dimmi Se… Lato B Donna Summer Try Me. Augusto Righetti Group o semplicemente Augusto Righetti era negli anni ’60 un chitarrista virtuoso che ha iniziato sin da giovanissimo una carriera professionale sia nella musica leggera sia nella classica. Attivo soprattutto a Milano, con il suo gruppo Le Ombre era ospite fisso a metà degli anni ’60 del locale Charly Max, dove ha avuto modo di incontrare i Beatles nel loro tour italiano (era il 1965) partecipando anche al loro concerto nella città lombarda. Dopo questa esperienza incide nel 1966, con la complicità di Mogol, Calabrese e Beretta un intero LP con la Carosello con cover dei Beatles dal titolo “Righetti al Charly Max canta i Beatles in italiano” (disponibile per i curiosi anche su Onsale Music). A suonato in vari gruppi : Augusto Righetti And His Charly’s Team, Augusto Righetti E Le Sue Ombre, Augusto Righetti Group con loro a inciso questa canzone Dimmi Se… poi con I Vicini Di Casa, Orchestra Di Augusto Righetti e Bravo band. Sul lato B e presente la canzone Try Me, I Know We Can Make It di Donna Summer solo che su questo 45 giri hanno scritto semplicemente Try Me comunque Try Me, I Know We Can Make It è un singolo della cantautrice statunitense Donna Summer, il secondo estratto dall’album in studio A Love Trilogy, pubblicato il 17 maggio 1976 dall’etichetta Casablanca Records. Il trio Summer/Moroder/Bellotte aveva già pronto il seguito: Try Me, I Know We Can Make It, il quale è composto da coretti, incastri d’archi e un motivetto di xilofono. La canzone viene pubblicata nell’album A Love Trilogy sotto forma di suite della durata di 18 minuti, la quale fu realizzata in soli tre giorni. Occupava 4 melodie ben distinte in stile disco (Try me, I Know, We Can Make it e Try me, I Know We Can Make it). La canzone ripeté l’exploit commerciale dei singoli precedenti. Donna Summer era ormai diventata popolarissima grazie alla sua immagine sexy ed accattivante, ottenendo anche il titolo di “First Lady of Love” (“Primadonna dell’amore”). La svolta dell’estate era arrivata sotto forma della canzone disco ” Love to Love You Baby ” che nella sua interezza durò quasi diciassette minuti e occupò l’intero primo lato dell’omonimo album del 1975 . A causa del suo successo (e anche del suo successo come singolo da 12 pollici ) il formato è stato ripetuto con l’album successivo e con questa canzone che era più lunga di “Love to Love You Baby”, che durava diciotto minuti. Le versioni modificate sono state rilasciate anche nel formato singolo da 7 pollici. “Try Me, I Know We Can Make It” ha raggiunto la posizione numero 80 nella Billboard Hot 100 degli Stati Uniti e la numero 35 nella classifica dei singoli R&B. Tuttavia , era più popolare nei nightclub, diventando il secondo singolo numero uno della Summer nella classifica Dance Club Songs nel maggio 1976 e rimanendo in cima a quella classifica per tre settimane. Ha anche raggiunto il numero sei nelle classifiche dei singoli in Spagna e il numero 22 nella classifica delle radio spagnole. Questo 45 giri è stato prodotto dalla Durium. La Durium è stata una casa discografica italiana, attiva tra gli anni quaranta e il 1989. Parte del catalogo ed il marchio sono stati successivamente rilevati dalla Dischi Ricordi, che ne ha fatto uso per alcune riedizioni. Il suo marchio iniziale era costituito dalla scritta Durium in stampatello, sormontata dalla stilizzazione di tre trombe e un’aquila. Nell’immediato dopoguerra questo logo fu abbandonato in favore di un’immagine stilizzata di un disco con tre raggi interni, attraversato dalla scritta Durium in corsivo. È oggi un marchio non utilizzato. La Durium s.a. nasce nel 1935 a Milano (la denominazione originale è Durium La Voce dell’Impero) per opera di un gruppo di imprenditori milanesi tra cui Martinengo e Alberto Airoldi, che ne diventa presidente. La sede è in corso Garibaldi a Milano e la produzione riguarda sia i dischi che i fonoriproduttori. I primi dischi pubblicati sono favole per bambini recitate, e altre produzioni dedicate al mercato delle colonie e per le truppe all’estero. Negli anni 1935/1936 – mancando il materiale per la produzione – vengono anche pubblicati dischi su supporto di cartone, contenenti corsi di lingue, tecnici, e materiale di propaganda. Con lo scoppio della guerra gli uffici ed alcuni studi di registrazione vengono trasferiti da Milano a Erba, in via Trieste. Al termine della seconda guerra mondiale, il management decide di tornare a Milano – nella nuova sede in passaggio degli Osii 2 – solo per quanto riguarda gli uffici amministrativi e di rappresentanza, poi traslati in via Alessandro Manzoni 40/42. A Milano viene affittato un magazzino per i dischi finiti, mentre resta ad Erba la parte produttiva (masterizzazione e stampa). È un periodo di difficoltà economiche legate all’ancora immatura discografia italiana; la posizione finanziaria si stabilizza nel 1948 con l’ingresso nella società dell’imprenditore di origine armena Krikor Mintanjan (il cui cognome a volte è italianizzato in Mintangian) che nomina la moglie Elisabel direttrice responsabile e assume come direttore artistico il nipote del cofondatore Alberto, Aurelio Airoldi, che rimarrà in azienda fino al 1977, e il pianista, arrangiatore e compositore Franco Cassano, che rimarrà alla direzione fino al 1986. Oltre a dirigere la casa discografica, Cassano pubblica vari album per l’etichetta come pianista e scrive diversi successi per i loro artisti come Sei diventata nera per Los Marcellos Ferial, incisa anche in cinese, o come Melodia per Jimmy Fontana, portata al successo nel Regno Unito da Engelbert Humperdinck con il titolo The Way It Used to Be, e che verrà incisa nel mondo in diverse altre lingue. Gli anni Cinquanta costituiscono un periodo di notevoli investimenti finanziari per l’azienda : attraverso aumenti di capitale e prestiti obbligazionari, la base dell’azienda passa dai 30 milioni di lire del 1955 arrivando a 180 milioni di lire già nel 1959. Per poter sfruttare realtà industriali del settore già esistenti, la Durium incorpora per fusione realtà discografiche minori e in stasi quali la “Royal” s.p.a., la “Sprint” s.r.l., la “Duomo Edizioni Musicali” s.r.l, utilizzandole per espandersi. Sono soprattutto l’attività di ricerca di nuovi artisti, nonché lo sviluppo di nuove strategie di promozione e vendita, a rilanciare l’etichetta. Negli anni Cinquanta, mentre la discografia italiana trova una propria identità con la nascita di case discografiche quali la RCA Italiana e la CGD, vengono prodotti nuovi artisti quali Aurelio Fierro, Flo Sandon’s, Roberto Murolo e Marino Marini, dando un notevole impulso all’attività nella musica leggera. Negli anni Sessanta vengono promossi personaggi come Little Tony, Los Marcellos Ferial, Rocky Roberts, Mario Trevi, Bruno Venturini, Le Snobs, Wess, Dori Ghezzi, Fausto Papetti, Passengers, Camaleonti, Nini Rosso, I Vianella; artisti che godono di un forte supporto grazie al direttore dell’ufficio stampa della casa discografica Luciano Giacotto che negli stessi anni è anche direttore della rivista di musica giovanile Ciao Amici, oltre che produttore. La Durium intuì fin dagli anni cinquanta l’importanza di distribuire in licenza musica straniera utilizzando la propria sempre più avanzata fabbrica di Erba; ecco la distribuzione di artisti internazionali come Al Caiola, Don Costa, James Brown, Paul Anka, Mouth & MacNeal, Donna Summer, Ferrante & Teicher, Dee D. Jackson, Steve Lawrence, Eydie Gormé, Don McLean, Shirley Bassey, Plastic Bertrand, Telex e molti altri. Nel 1968 viene aperta una nuova sede a Roma, in via Montanelli 11, mentre nel 1975 vennero acquisite le società “Immobiliare Lidia s.p.a.” e “Equipe Dischi s.r.l. Nel 1977 la Durium raggiunse il proprio picco con un incremento di vendite netto del 35% rispetto all’anno precedente, per un totale di 6.25 milioni di dollari dell’epoca, mentre l’anno di massimo capitale sociale fu il 1982: 720 milioni di lire. Nel 1981 la Durium festeggia anticipatamente il proprio cinquantenario, ma le vendite, complici la diffusione delle audiocassette registrabili e la diffusione della musica attraverso le radio libere, sono già in netto calo: dalle 800 000 copie di qualche anno prima, una hit da numero uno non riesce a vendere più di 400 000 copie. La crisi peggiora nella seconda metà degli anni ottanta, in concomitanza con la diffusione dei costosi cd e in contemporanea con molte imprese discografiche: nel 1986 Krikor Mintanjan abbandona la società, rilevata da Luca Rinaldi, il quale successivamente la cede ad Enrico Rovelli (che nello stesso periodo ha anche acquistato la Ariston Records). Nonostante questo negli anni ottanta continua l’attività di ricerca di nuovi talenti portando al successo molti artisti, tra cui i Vanadium, uno dei primi gruppi heavy metal italiane, e una giovane Fiordaliso che lancia al Festival di Sanremo successi come Una sporca poesia, Oramai, Non voglio mica la luna, Il mio angelo e Fatti miei. Rovelli tenta quindi la ristrutturazione aziendale. Il primo ramo ad essere tagliato fu quello più costoso: la incisione, produzione e stampa dei prodotti finiti. Lo stabilimento di Erba, ormai troppo costoso, fu così abbandonato. A ruota, anche le attività di registrazione e mixaggio dei dischi vennero dismesse, lasciando quindi anche gli studi di viale Troya. In questo modo, la Durium si trovò a usufruire, solo quando necessario, di studi di registrazione e di stampa terzi come fornitori. Di fatto, dal 1984 i lavoratori vennero progressivamente posti in integrazione salariale straordinaria a causa della situazione di crisi aziendale. Le vendite, però, complice il catalogo non più competitivo e la carenza di nuovi artisti in grado di vendere a sufficienza, continuarono a declinare. Lo stesso Rovelli tentò quindi di costituire una società, la Kono Records, con l’intenzione di fondere i cataloghi di Durium ed Ariston, ma a causa del passivo accumulato dalle due aziende l’operazione non andò a buon fine. La Kono pertanto nascerà poi come casa discografica autonoma inglobando alcuni artisti della Ariston e della Durium, entrambe fuori da ogni attività operativa nel 1989. La Durium viene dichiarata fallita il 14 marzo del 1989; a quel punto, furono liberati anche gli uffici della sede legale, in via Manzoni, cessando la Durium di esistere anche formalmente. Due bellissime canzoni di due epoche diverse fra loro.

Lato A

Lato B

Greyhound Patrick Samson Moon River / Ballerai (Hey Yaba Hey)

Etichetta: Fonit Cetra International ‎JBF 618, Carosello ‎JBF 618 Formato: Vinile, 7″, 45 RPM, Jukebox Paese: Italia Uscita: 1972 Nota: Serie Speciale Juke Box. Vietata La Vendita Al Pubblico Disco partecipante alla manifestazione “Play Back”. Tracce: Lato A Greyhound Moon River Lato AA Patrick Samson Ballerai (Hey Yaba Hey). Le radici dei Greyhound possono essere fatte risalire agli anni ’60, quando il batterista Danny Bowen Smith formò la prima incarnazione della band che comprendeva il cantante Alfred Peters aka Freddie Notes, il tastierista Sonny Binns, Errol Denvers alla chitarra solista e il bassista Trevor Ardley White. Alla fine degli anni Sessanta, il gruppo registrava regolarmente per un certo numero di case discografiche specializzate in musica giamaicana con sede in Gran Bretagna, in particolare Pama, Melodisc e Trojan, lavorando in incognito o come gruppo per una varietà di produttori con sede a Londra, nella lista dei produttori con cui hanno collaborato figurano anche Joe Mansano, Graeme Goodall, Robert Thompson (alias Dandy) e Joe Sinclair. Singoli significativi di questo periodo includono “Blues”, “Guns Of Navarone”, “Chicken Inn”, “The Bull”, “Down On The Farm”, “Babylon” e una versione di “It Came Out Of the Sky” dei Creedence Clearwater Revival. Anche se è stata la loro cover del successo di Bobby Bloom, ‘Montego Bay’, che li ha portati all’attenzione del pubblico è degli acquirenti di dischi in generale, con il disco che ha trascorso due settimane nell’ottobre 1970 all’estremità inferiore della Top 50 del Regno Unito. Durante questo periodo, Freddie Notes & the Rudies vide anche l’uscita di due album Trojan dedicati ai loro lavori, “Unity” (109 TBL) e “Montego Bay” (152 TBL), ma alla fine del 1970 Freddie aveva deciso andare via dal gruppo lasciando il gruppo bisognoso di un nuovo frontman. Carl Douglas, meglio conosciuto per il suo successo internazionale, “Kung Fu Fighting”, ha sostituito temporaneamente Freddie unendosi a loro in una bella versione di “Patches” di Clarence Carter, ma subito dopo è tornato a lavorare per Pye Records. Lavorando con il nascente gruppo funk britannico, Gonzales. A maggio, i Rudies furono ingaggiati per suonare al ricevimento di nozze di Mick Jagger e Bianca Perez Marena De Macia a St Tropez, come successivamente raccontato dalla rivista Rolling Stone: ‘Al Cafe des Arts, un po’ squallido, dove si è tenuto il ricevimento, una band locale ha aperto lo spettacolo e ha fallito. Poi sono arrivati i Rudies, un gruppo reggae martellante grande nella loro stessa scena in Gran Bretagna. Hanno sollevato un sacco di anime pronte per un set di Terry Reid e della band. Ormai Glenroy Oakley si era unito al gruppo, che ha deciso di contrassegnare la nuova formazione con un cambio di nome, optando inizialmente per i Tillermen prima di stabilirsi sul più familiare Greyhound. Poco dopo, il nuovo gruppo ha iniziato a lavorare con Dave Bloxham, diventato produttore di Trojan plugger, e ha subito raggiunto il successo. Nel giugno 1971, Greyhound ha ottenuto un successo nella Top 10 con “Black And White”, un fervido appello per porre fine al fanatismo che ha raggiunto la posizione numero sei nella classifica pop del Regno Unito. Sfortunatamente, il seguito, “Follow The Leader”, non è riuscito a fare un crossover, ma convinto del loro potenziale di successo, Trojan ha pubblicato un vinile promo copia, un E.P. comprendente ‘High And Dry’, ‘Love Is Blue/I Can Sing A Rainbow’, ‘Peace And Love’ e una versione di ‘Moon River’ scritta da Henry Mancini, che è stata distribuita ai promotori e agli agitatori nel mondo della musica . Il “in folla” ha favorito “Moon River”, il loro feedback ha portato all’uscita di un maxi singolo che includeva la registrazione insieme a “I’ve Been Trying” e un assaggio di radici e cultura con “The Pressure Is Coming On”. Il gruppo ha anche intrapreso un tour nel Regno Unito per promuovere il loro album di debutto, opportunamente intitolato “Black And White” (TRL 27) e nel gennaio 1972, ha visto “Moon River” entrare nella Top 20 del Regno Unito, dove ha raggiunto la posizione numero 12. L’ultimo successo pop di Greyhound, “I Am What I Am”, è stato un appello per il riconoscimento in una società dominata dai bianchi, che è arrivato a 20 nel marzo del ’72. Questa è stata seguita da una cover di “Mother And Child Reunion” di Paul Simon, seguita da una versione altrettanto degna di nota di “Lonely For Your Love” di William Bell, con entrambi i dischi che combinano i talenti del gruppo con i compagni di etichetta, l’unione dei Pioneers. conosciuti come gli Unici. In questo periodo, Trojan pubblicò anche “Floating” di Greyhound b/n “I Troubles”, un singolo che purtroppo fallì e segnò la fine del loro rapporto con la compagnia. Non ci volle molto perché il manager e produttore del gruppo Dave Bloxham si assicurasse un accordo con la Island Records, che verso la fine del 1972 pubblicò l’eccellente, anche se alla fine fallimentare, versione di “Dream Lover” di Bobby Darin con “Wappadusa”. ‘ sulla filiale Blue Mountain dell’azienda. All’inizio dell’anno successivo, usci il singolo Blue Mountain 7 “di Greyhounds poco dopo che anche “Only Love Can Win” c / w “Jamaica Rum” ma non suscitò molto interesse, e passarono brevemente all’etichetta indipendente di Derek Lawrence, Retreat , che ad agosto pubblicarono il loro successivo 45 giri, ‘Wily’ c/w ‘The Circle’. L’anno successivo, per il gruppo era tutto finito. Sonny Binns si è unito ai Cimarons, mentre i membri rimanenti sono riemersi nella formazione dei Dansak, una band di sette elementi che si è esibita con successo di critica in tutto il Regno Unito nel 1974 come parte del Jimmy Cliff Extravaganza Tour , che comprendeva anche Dave Barker . Questo è stato seguito da sessioni in studio, avendo in particolare accompagnato il compianto Freddie McKay nella sua uscita Trojan, “Help Me”. Nel 1975 il loro ex collega, Sonny Binns, arruolò il gruppo per suonare nelle sue produzioni rilasciate attraverso la sussidiaria di Trojan’s Horse, con le sessioni risultanti in due singoli degni di nota: “Sounds Of A Good Song” e “How Could You Do This”, eseguiti da Clinton Taylor e Nora Dean, rispettivamente. Quello stesso anno, la Transatlantic Records pubblicò “Mango Rock”, una raccolta di parti Greyhound prodotte da Dave Bloxham che erano state tagliate due anni prima durante il soggiorno del gruppo con Island. Con i membri del gruppo che da tempo si erano separati, non sorprende che l’LP non sia riuscito a vendere e poco si è sentito parlare del gruppo individualmente o collettivamente fino al 1999, quando Trojan ha ristampato “Black And White” (CDTRL 419), con tracce bonus dal loro sessioni per l’azienda. La riedizione ha ispirato i produttori della serie TV della BBC “Never Mind The Buzzcocks” a invitare Glenroy Oakley ad apparire in una “formazione spot the celebrity”, la sua apparizione ha portato il cantante a riformare il gruppo come Glenroy Oakley & the Greyhound, che ha prontamente iniziato a fare tournée nel circuito del revival. Patrick Samson, nome d’arte di Sulaimi Khoury (Beirut, 17 giugno 1946), è un cantante libanese. La sua attività artistica, dopo alcuni periodi in francese, si è svolta principalmente in Italia. Nato in Libano, nel 1946 si trasferisce con la famiglia in Francia, paese in cui il padre, gestore di night club e discoteche, lo introduce nell’ambiente musicale: Patrick inizia l’attività di cantante, formando un proprio complesso insieme al fratello Soussou (chitarra solista) nel 1963, Patrick Samson & Les Pheniciens, incidendo alcuni 45 giri in francese ed esibendosi anche nel 1965 all’Olympia. Si trasferisce in Italia intorno al 1965, portato da un impresario sull’onda dei successi francesi. In breve tempo ottiene un contratto con la ARC, con cui pubblica il primo 45 giri; il genere che il Patrick Samson Set (così il gruppo cambia nome in Italia a partire dal 1967) propone è un Rhythm and blues con influssi beat. I componenti del complesso sono nove, quattro inglesi ed un francese che completano la band originale. La direzione artistica è di Roger Warwick (sax baritono, reclutato dal fratello di Patrick, Sandy, dal famoso gruppo anglo americano di R&B “Mack Sound”) c’e una sezione di fiati e l’immancabile organo Hammond; più tardi entrano nel gruppo anche musicisti italiani validi, all’inizio della loro carriera, come il batterista triestino Euro Cristiani (che sostituisce Nigel Pegrum, che anni dopo suonerà negli Steeleye Span, a sua volta sostituto di Gaby Lizmi, entrato nel gruppo Ferry, Franco, René, Danny e Gaby, nato dalle ceneri dei New Dada). Si uniscono al gruppo poi anche il saxofonista Claudio Pascoli e i torinesi Guido Guglielminetti al basso e Umberto Tozzi alla chitarra.
Nel 1970, solo per la tournée in Libano e il concerto di Torino, entra nel gruppo quale bassista Eugenio Sartini, di Roma. Negli anni successivi Patrick Samson incide per molte case discografiche: la Philips, la Fonit Cetra, la Carosello. Il primo successo è Chi può dirmi, cover di Keep on running dei The Spencer Davis Group, già inciso anche dai Pooh con il titolo Vieni fuori; l’anno successivo partecipano al Cantagiro con un’altra cover dei The Spencer Davis Group, Sono un uomo (Im a man). Il suo più grande successo è Soli si muore, versione italiana di Crimson and Clover di Tommy James and the Shondells, con testo italiano scritto da Mogol e Cristiano Minellono: con questa canzone è stato per molte settimane ai primi posti in hit parade (1969) ed è arrivato al secondo posto al Festivalbar.
Nel 1988 il gruppo veronese degli ACTH ne ha inciso una versione su 45 giri pubblicato dalla Attack Punk Records (su etichetta Totò alle prese coi dischi – Totò cerca moglie). Nello stesso periodo appare anche in alcune colonne sonore: nel 1969 in La Stagione dei Sensi di Massimo Franciosa, in cui canta Laila, Laila e Tell Me, Tell Me e nello stesso anno in Pelle di Bandito, in cui canta Morire Giorno per Giorno. Nel 1970 incide in italiano “Let it Be”, con il titolo “Dille Sì”; nel 1995 questa loro versione è stata inserita come brano di apertura nel disco Gli Italiani cantano i Beatles, pubblicato dalla Polygram e curato da Vincenzo Mollica (disco che contiene diciotto versioni di canzoni dei Fab Four in italiano eseguite da artisti come Patty Pravo, Gianni Morandi, Fred Bongusto, Peppino Di Capri, Ricky Gianco, i Camaleonti, i Ribelli, Fausto Leali, i Bit Nik, Dino, gli Shampoo, Claudio Villa e i Powerillusi). Nel 1973 la sua carriera conosce uno stop forzato, a causa di una malattia ai reni del fratello Soussou: Patrick si ritira per qualche tempo, dedicandosi al fratello, e quando riprende l’attività ormai il successo lo ha abbandonato. Nel 1976 Patrick viene scritturato da un impresario pugliese e si stabilisce in un primo tempo a Siponto. Qui conosce l’attuale moglie Anna dalla quale ha avuto tre figli. Qui rinasce forse per l’ultima volta il Patrick Samson Set, che vede ancora Gaby Robert Lizmi alla batteria e suo fratello Soussou alla chitarra, assieme ad Ettore Pannitti come solista, Enzo Melillo al basso, Angelo Palazzo alle tastiere ed il compianto Gino Sannoner al sax tenore. È di quell’anno anche l’incisione di “Rivoglio Lei”, cover italiana di “All by Myself” di Eric Carmen. Continua poi ad incidere dischi fino agli anni 80 e partecipa a programmi revival TV come Bandiera Gialla, Una Rotonda sul Mare e I Migliori Anni. Vive tuttora in Puglia, a Foggia, dedicandosi all’insegnamento nelle scuole medie, continuando ad effettuare occasionalmente qualche serata. La canzone del primo lato del disco e stata fatta uscire dalla Fonit Cetra la seconda dalla Carosello Records. La Fonit Cetra è stata una casa discografica italiana, attiva tra il 16 dicembre 1957 e il 19 ottobre 1998. La Fonit Cetra nasce ufficialmente il 16 dicembre 1957 dalla fusione di due case discografiche antecedenti: la Cetra, azienda di stato di proprietà della Rai (e prima ancora dell’EIAR), con sede a Torino (fino agli anni cinquanta in via Assarotti 6, poi in via Avogadro 30 e infine da settembre 1961 in via Bertola 34), e la milanese Fonit (l’acronimo è Fon. I.T., e significa Fonodisco Italiano Trevisan), nata nel 1911. Anche Cetra è un acronimo e significa Compagnia Editoriale Teatrale Radio Audizioni. Entrambe le etichette avevano una posizione di rilievo nel mercato discografico italiano del dopoguerra, la Cetra grazie ad artisti come Nilla Pizzi, Achille Togliani e, a partire dal 1957, Claudio Villa (e all’opera del suo direttore generale, Edgardo Trinelli), e la Fonit grazie a Natalino Otto e Domenico Modugno (che aveva strappato alla RCA Italiana nel 1956). Con la fusione, nel 1957 e fino agli anni settanta, le due aziende continuarono a pubblicare i dischi con le due diverse etichette. Inoltre mantennero le due sedi, con sede legale a Torino, magazzini e fabbrica a Milano e ufficio promozionale a Roma. Nel 1978 la sede di via Bertola 34 a Torino fu chiusa e l’attività concentrata tutta a Milano in via Meda 45. La sede di Torino aveva, inoltre, anche uno studio di registrazione dove furono incisi molti dei dischi della casa discografica; il direttore artistico era Mario Zanoletti, mentre il tecnico del suono era Edoardo Massucci, figlio di Riccardo Massucci, il regista della famosa trasmissione dell’EIAR I Quattro Moschettieri e con la chiusura della sede anche lo studio cessò le attività. È questo l’inizio di un periodo difficile per l’azienda, che entra in crisi al punto che, negli anni ottanta, non ha più una distribuzione autonoma e si deve appoggiare per quest’attività alla Dischi Ricordi. Con un atto datato 23 luglio 1987 la denominazione sociale cambia in Nuova Fonit Cetra; viene così rilanciata per un decennio l’attività, grazie al nuovo Amministratore Lucio Salvini. Nel 1997 entra in Rai Trade SpA, ma il 19 ottobre 1998 la società viene ceduta dalla Capogruppo RAI alla Warner Music che ne acquisisce il catalogo. Tra i molti artisti che hanno inciso per la Fonit Cetra ricordiamo Narciso Parigi, Claudio Villa, il Quartetto Cetra, Sergio Endrigo, Marisa Sannia, Marco Armani, i New Trolls, i Delirium, Patty Pravo, Milva, Bruno Venturini, Roberto Balocco, Otello Profazio, Gipo Farassino, Amedeo Minghi, Mietta, Mango, Loretta Goggi, Raffaella Carrà, Mia Martini, Ivano Fossati e Fausto Papetti, Luca Barbarossa, Manuel De Peppe, Michele Zarrillo, i Ricchi e Poveri, Gino Paoli, Gigi Finizio, gli Osanna, Renzo Arbore, Gigi D’Alessio, Nancy Cuomo, Anna Loddo, Rosa Balistreri, Maria Carta, Antonietta Laterza, l’attrice Dalila Di Lazzaro, e tanti altri. La Carosello Records è una casa discografica italiana fondata nel 1959. Le edizioni musicali Curci, fondate nel 1860 da Francesco Curci, erano diventate negli anni una delle più prestigiose e note, per cui, nel 1959, sulla falsariga di quello che avevano fatto altri editori (come la Ricordi con la Dischi Ricordi), il titolare Giuseppe Gramitto Ricci decise di aprire un’etichetta discografica; la denominazione originale fu Cemed (acronimo di Carosello Edizioni Musicali e Discografiche), mutata dapprima in Cemed-Carosello e poi in Carosello nel 1969. La sede dell’etichetta è in Galleria del Corso 4 a Milano. Sin dalla fondazione, stipulò un contratto per la distribuzione con altre piccole case discografiche, come la Italdisc o la Meazzi, e ben presto il padrone della Italdisc, Davide Matalon (storico scopritore di Mina) fu assunto come direttore artistico. Negli anni sessanta ebbe sotto contratto cantanti come Memo Remigi, Robertino, Elio Gandolfi, Renata Pacini, Annamaria Rame, Bruno Venturini, e Domenico Modugno. Negli anni settanta entrarono alla Carosello Giorgio Gaber e Nicola Di Bari, mentre nel decennio successivo avviene il lancio di Vasco Rossi. Per questi ultimi due decenni la Carosello Records è stata distribuita dalla Dischi Ricordi, dalla Polygram, dalla Universal e dalla Warner Music Italy. Oggi si autodistribuisce ed è diretta da Dario Giovannini. Carosello Records ha negli ultimi dieci anni distribuito alcuni lavori di noti artisti internazionali come Skunk Anansie, Björk, Aloe Blacc, Fitz & the Tantrums, Fool’s Garden, Noir Désir, Anggun, Jennifer Paige, Andreya Triana, Jarabe De Palo e Miguel Bosé. Tra gli artisti prodotti Carlotta, Pago, Lost, Max De Angelis, Omar Pedrini, Greta Manuzi, Verdiana, Mietta, Patty Pravo, Coez, Roby Facchinetti, Nesli, Bugo e Alessandro Martire. Tra gli artisti italiani distribuiti Paola & Chiara, Audio2, Irene Grandi con Stefano Bollani, Stylophonic. Nel 2018 il roster Carosello è composto da Emis Killa, i Thegiornalisti, Levante, Diodato, John De Leo, Wrongonyou, Maruego, Federica Abbate, Alessandro Casillo, i Santa Margaret e gli Yombe. Nel 2019 si aggiungono Angelica, Birthh, Coez, Delmoro, Ghemon, Gigante, Marïna e Sick Luke, Mike Lennon e Voodoo Kid. Due bellissimi pezzi da riascoltare il primo meno conosciuto forse però due gran bei pezzi.

Lato A

Lato B

Floorfilla ‎Anthem #5 (Enter The Arena)

Etichetta: DFC ‎ DFC1390 Formato: Vinile, 12″, Maxi-Single Paese: Italia Uscita: 2001 Tracce: Lato A Anthem #5 (DJ Cerla Floorfiller Mix) Lato B Anthem #5 (B-Blaze Remix). Gabriele Cerlini, conosciuto anche con gli alias Alter Ego, DJ Cerla, Dr. DJ Cerla, Floorfilla e Anthem (Reggio nell’Emilia, 4 settembre 1970), è un disc jockey e produttore discografico italiano. Inizia nel 1990 come DJ Resident nei club della sua città natale, Reggio Emilia, proponendo Hip-Hop, ma quasi subito passa alla musica acid house e alla nascente techno. Nel 1991 il DJ milanese Jeff lo “battezza” Doctor DJ Cerla durante una serata in discoteca, a seguito di un riuscito esame a Economia e Commercio, facoltà che all’epoca Gabriele frequentava. Nel 1991 inizia una collaborazione con la locale RadioReggio, proponendo settimanalmente il suo “MasterMix”, un mixato realizzato interamente al campionatore. Ed è proprio lavorando sui campionatori che Cerla incomincia ad avvicinarsi al mondo della produzione. Fa ascoltare alcuni provini al DJ Daniele Davoli (ex Black Box), che dà semaforo verde alla produzione di “Rotterdam ’93”. Il singolo, realizzato presso gli studi dei Black Box in collaborazione con Fabrizio Ferrari, diventa una hit: disco più ballato in Spagna nel 1993 e numero 1 di vendita, tra i più ballati in Italia, dove vende oltre 19000 copie. Cerla inizia così un lungo tour in Spagna, dal 1993 al 1994, spinto anche dal successo in terra iberica di “America” e Dance (If You Can Not) con la voce di Daisy Dee e i remix euro di Benny Benassi sotto lo pseudonimo Alter Ego. Daniele Davoli commissiona poi a Cerla i remix di We’re Bad On The Mike by PANKO!, Chiquetere Band “Chiquetere”, Underground Goodies “Let it be” e quello di Lucio Dalla Liberi, quest’ultimo inserito del primo album di remix del cantautore emiliano. Seguono i singoli “Mi Boca”, “Everybody Pom Pom”, “The DJ”. Nel 1995 pubblica Wonder, singolo dalle sonorità Eurodance realizzato insieme al musicista Elvio Moratto e alla cantante inglese Jo Smith, che va al n.1 della Deejay Parade di Albertino, al n.1 della classifica di vendita italiana e che riscuote degli ottimi riscontri all’estero, per un totale di oltre 100000 copie vendute. Il motivo della canzone è basato sulla melodia Wonderful Days, di Charly Lownoise & Mental Theo, uscita nello stesso anno, i quali a loro volta avevano preso il motivo della canzone di Tony Ronald “Help, Get Me Some Help” del 1971. Sull’onda del successo, Cerla remixa “Old Pop in an Oak” dei Rednex e brani di Fiorello e Adriano Celentano. Nel 1998, sempre in collaborazione con Moratto, Cerla dà vita al gruppo Floorfilla (che vede come frontman l’MC francese Momo B. e la ballerina tedesca Karin), con il singolo “Anthem #1”, che non viene particolarmente notato. Ma nel 1999, con l’uscita di “Anthem #2” arriva il grande successo di vendita in Francia: numero 3 nella classifica singoli francese, numero 1 nei club per tre mesi, oltre 260 000 copie vendute. Dalla Francia il singolo si diffonde in tutta Europa, ed entra in classifica in Germania, Austria e altri Paesi, portando il numero totale di copie vendute a 400 000. Anche il primo “Anthem #1” viene ristampato e diventa anch’esso una hit. Seguono gli anthem 3, 4, 5, 6, il “Megamix”, il “Gigamix”. Curiosamente, dopo l’uscita di Anthem #3 la classifica singoli francese conteneva tutti e 3 i primi Anthem, cosa mai riuscita a nessun artista in precedenza. Gli Anthem #2, #3, #4, #5 e il “Megamix” entrano nella top-ten di vendita francese. Seguono l’album “United Beatz of Floorfilla”, i singoli “Technoromance”, “Sister Golden Hair”, “Kosmiklove”, la hit “Komputermelody”. Nel 1999, nel club “DNA” di Carpi Cerla conosce il performer Momo B e gli propone di seguirlo nel tour; seguono anni di tournée in tutto il mondo, in Paesi come Messico, Indonesia, Singapore, Germania, Francia, Svizzera, Europa dell’Est, ed anche in Italia. Il tour di Floorfilla continua anche nel 2008, mentre DJ Cerla in versione “solista” si dedica principalmente a serate con musica dance anni novanta. Cerla è stato tra i pochi artisti italiani ad affermarsi nel genere Hands Up, e Jumpstyle e a collaborare costantemente con produttori tedeschi: Manian (producer di Cascada), Rob Mayth, ItaloBrothers, Basslovers United tra gli altri. Ha remixato a fine 2007 “Doktorspiele”, follow up della hit di Alex C. DJ Cerla fino a maggio/giugno 2006 è stato anche ospitato in “TRIBE”, una speciale trasmissione dedicata ai dj più famosi, sull’emittente italiana m2o. Sempre a partire dallo stesso periodo è anche giornalista musicale, in quanto scrive per “Computer Music & Project Studio”, rivista specializzate in tecniche di produzione musicale. Dal 2008 è resident della one-night “BOMBON3RA” di Reggio Emilia, in cui propone un mix innovativo di dance anni novanta e musica contemporanea. È laureato in Scienze della Comunicazione a Reggio Emilia (dicembre 2008) con una Tesi di Laurea sulla distribuzione digitale della musica su dispositivi wireless. Nel 2016 entra nelle classifiche di vari Paesi con On&ON (col featuring di Channing) e nel 2018 riconferma il successo con Work That Body, ai primi posti della classifica francese. In seguito è impegnato nel gruppo Bombon3ra, nome sotto il quale organizza eventi e serate nelle discoteche emiliane. Il vinile e stato prodotto dalla DFC DFC = Dance Floor Corporation Etichetta italiana Dance, House, Trance e Techno fondata nel 1987 Fa parte della etichetta Expanded Music. Serie di vinili stupenda per chi ama il genere Hands Up.

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Lato A

Lato B

Simonetti Pignatelli Morante ‎Colonna Sonora Originale Tenebre

Etichetta: Cinevox ‎MDF 33.157 Formato: Vinile, LP, Album Paese: Italia Uscita: 1982 Tracce: Lato A Tenebre Gemini Slow Cirkus Lesbo Lato B Flashing Tenebre (Reprise) Waiting Death Jane Mirror Theme. Tenebre è un album in studio dei musicisti italiani Claudio Simonetti, Fabio Pignatelli e Massimo Morante, pubblicato nel 1982. L’album contiene la colonna sonora del film omonimo diretto da Dario Argento. È realizzato dal gruppo rock-progressive dei Goblin (però senza Agostino Marangolo) che si firmano quindi coi loro veri nomi: Claudio Simonetti, Fabio Pignatelli e Massimo Morante. Il disco è stato ristampato dalla Cinevox Record in un’edizione speciale con l’aggiunta di diverse tracce bonus. Il tema del film è stato campionato dal duo francese Justice nel loro doppio brano intitolato Phantom, presente nell’album Cross del 2007. Cinevox Record è un’etichetta discografica italiana specializzata nella produzione di colonne sonore. La Cinevox Record venne fondata nel 1961 su iniziativa del Gruppo Editoriale Bixio, gestito dai due figli di Cesare Andrea Bixio, Franco e Carlo. Il primo LP dell’etichetta risale al 1966; ad oggi sono stati editi più di 200 dischi tra LP e singoli. Numerose sono le collaborazioni con registi premi oscar e grandi maestri del cinema come Bernardo Bertolucci, Franco Zeffirelli, Roberto Benigni, Roman Polański, Luchino Visconti, Michelangelo Antonioni, Mario Monicelli, Dino Risi, Luigi Comencini, Sergio Leone, Ettore Scola, Pier Paolo Pasolini, Nanni Loy, Pupi Avati, Dario Argento e Carlo Verdone. Fra le colonne sonore prodotte da Cinevox vi sono titoli oggi di culto: La Notte, Giù la testa, Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto, Metti, una sera a cena, Il Marchese del Grillo, L’uccello dalle piume di cristallo, Profondo Rosso e Suspiria. Nel corso della sua lunga storia, Cinevox ha prodotto molti fra i più famosi compositori di colonne sonore e musica da film: fra questi, ricordiamo i premi oscar Ennio Morricone, Nino Rota e Nicola Piovani insieme a pluripremiati compositori come Armando Trovajoli, Luis Bacalov, Riz Ortolani, Piero Piccioni, Piero Umiliani, Pino Donaggio, Keith Emerson, Bill Wyman, Goblin e Avion Travel. Fino agli anni ottanta la distribuzione italiana dell’etichetta è stata curata da Dischi Ricordi; attualmente l’etichetta è distribuita in Italia da Deltatrade. Cinevox ha spesso pubblicato album di artisti non legati al cinema: molte le produzioni di musica leggera come Achille Togliani, Orietta Berti, Adriano Pappalardo, Giò Di Tonno e Marco Armani. Bllissima colonna sonora di un bellissimo film thriller di Dario Argento che sicuramente tutti ricordiamo la scena del braccio della Veronica Lario tagliato che al tempo delle riprese non era ancora sposata con Silvio Berlusconi nel film la scena non venne tagliata ma a partire dai primi passaggi in televisione del film la scena fu tagliata. Comunque bellissima colonna sonora fatta dai Goblin (anche se non i formazione completa) con sonorita synth pop tipiche di quell’ epoca.

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Silver Convention ‎No, No, Joe / Another Girl

Etichetta: Midland International ‎MB-10723 Formato: Vinile, 7″, 45 RPM Paese: US Uscita: 1976 Note: Dall’album “Save Me” e Dall’ album “Silver Convention” Tracce: Lato A No, No, Joe Lato B Another Girl. Le Silver Convention sono state un gruppo musicale femminile tedesco attivo infatti nella seconda metà degli anni settanta. Erano conosciute altresì con i nomi Silver Bird Convention o Silver Bird. Tra le protagoniste del genere Euro disco, la loro canzone più famosa è Fly, Robin, Fly del 1975. Questo 45 giri è tratto dall’ album “Save Me”. Vi segnalo questo link per ulteriori informazioni sul gruppo : https://www.cianciodj.it/silver-convention.html . Questo 45 giri è stato prodotto dalla Midland International Records (in seguito Midsong International Records ) era un’etichetta discografica statunitense fondata nel 1974 da Eddie O’Loughlin e Bob Reno. L’etichetta era meglio conosciuta per i dischi di successo ” Doctor’s Orders ” di Carol Douglas , ” Fly, Robin, Fly ” e ” Get Up and Boogie ” di Silver Convention e ” Let Her In ” di John Travolta. Le pubblicazioni sull’etichetta furono prodotte e distribuite negli Stati Uniti dalla RCA Records dal 1974 al 1978. Nel 1977, un’azione legale di Midland Radio che commercializza elettronica utilizzando il nome Midland International costrinse l’etichetta discografica a cambiare il proprio nome in Midsong International. Midsong era anche il nome dell’unità editoriale musicale dell’etichetta. La distribuzione passò brevemente nel 1978 alla MCA Records prima di passare alla distribuzione indipendente nello stesso anno. L’etichetta ha cessato l’attività nel 1980, vittima del contraccolpo contro la musica da discoteca. Il co-fondatore O’Loughlin ha quindi fondato quella che oggi è Next Plateau Entertainment. Il catalogo è stato successivamente rilevato da Hot Productions, gestito dal veterano dell’industria musicale Henry Stone. Essential Media Group, con sede a Hallandale, Florida, ora gestisce il catalogo. Due bellissime tracce che chi andava a ballare negli anni 70 sicuramente le a ballate oggi sono considerate tracce da serate remember.

Lato A

Lato B

Datura ‎Will Be One

Etichetta: TIME TIME 290 Formato: Vinile, 12″ Paese: Italia Uscita: 2002 Tracce: Lato A Will Be One Todo En Todos Extended Will Be One Todo En Todos Radio Edit Lato B Will Be One Alternative Will Be One Instrumental. I Datura sono un gruppo musicale italiano dance nato nel 1991. Il gruppo comprendeva originariamente due DJ, Ricci e Cirillo, e due musicisti, Ciro Pagano (ex chitarrista dei Gaznevada) e Stefano Mazzavillani (già arrangiatore di alcuni brani di Patty Pravo, Ivan Cattaneo e dei Righeira); occasionalmente saranno poi ospiti diversi cantanti. Il nome del gruppo deriva dalla Datura, un genere di piante medicinali che, nel Messico del Nord, sono utilizzate dagli stregoni Yaqui durante alcuni rituali mistici allo scopo di avvicinarsi alla conoscenza. I membri del gruppo, da sempre affascinati dalla spiritualità mistica, tanto da renderla elemento ricorrente all’interno dei loro brani, vennero a conoscenza di tale pianta attraverso le letture di Carlos Castaneda e dei fumetti di Tex Willer. Il progetto Datura nasce al Coco Studio di Bologna nella primavera del 1991. A ottobre dello stesso anno il gruppo pubblica, con la Irma Records, sulla propria etichetta Trance Records, il singolo d’esordio Nu Style, in cui la voce di uno stregone preannuncia la musica mistica dei Datura; il brano ottiene molti consensi entrando in tutte le classifiche specializzate. Il successo del grande pubblico arriva invece nel tardo 1992 con il brano Yerba del Diablo, inciso già l’anno precedente, con cui la band ottiene il primo disco d’oro con oltre 100 000 copie vendute. Sull’onda di tale successo i Datura iniziano un tour nelle principali discoteche italiane, allestendo scenografie ricche di simbologie e ampi richiami al misticismo, inclusa la simulazione di una sorta di rito di iniziazione con l’uso di incensi e pitture. In questo periodo il gruppo affida le parti vocali alla cantante Amparo Fidalgo che, parlando in spagnolo, caratterizza molti successi del gruppo con semplici messaggi introduttivi. Nel 1993 esce il singolo Devotion, che si piazza tra i primi dieci nelle classifiche italiane di vendita e segna l’inizio di una fortunata collaborazione con Billie Ray Martin, ex cantante degli Electribe 101. Lo stesso anno viene pubblicato l’album Eternity, che oltre al già citato Devotion, include altri brani di successo quali Passion e Mystic Motion (questo estratto e lanciato come singolo nel 1996 in versione house): su tutti, la title track, autentico tormentone della stagione invernale 1993-94. All’inizio del 1994 il gruppo propone una versione dance di Fade to Grey dei Visage, con la collaborazione del cantante originale del brano Steve Strange; sullo stesso vinile viene pubblicato come lato B il brano El Sueño divenuto ben presto un vero tormentone nelle discoteche e un coro negli stadi. Lo stesso anno viene pubblicato The 7th Hallucination, mentre il gruppo viene premiato come miglior gruppo dance dell’anno. Nel 1995 i Datura lasciano la loro vecchia etichetta discografica per approdare alla Time Records; viene pubblicato Infinity, frutto della collaborazione con un altro gruppo dance, gli U.s.u.r.a., e successivamente il singolo Angeli Domini, cantato in latino da un coro con chiari richiami ai canti gregoriani. Agli inizi del 1996 viene lanciato come singolo Mystic Motion cantato da Billie Ray Martin, che si distingue dalle altre produzioni del gruppo per la sonorità essenzialmente house. Sempre sul filo dei richiami mistico-religiosi, nel 1996 il gruppo prende ispirazione dalle spiritualità buddista per il singolo Mantra, quella vudù per il brano Voo-Doo Believe?, in collaborazione con il cantante dei Double Dee, Danny Losito. Quest’ultima produzione entrerà anche nelle classifiche dance americane. Il successo continua ad arrivare nel 1997 The Sign e nel 1998 con I Will Pray. Nel 1999 viene pubblicato il singolo I Love to dance, cantata da Ben Volpeliere Pierrot, ex cantante dei Curiosity Killed the Cat. Nel 2001 viene pubblicata, su etichetta Saifam, Yerba del Diablo Part III in collaborazione con Dj Gius (aka Techno Boy). Nel 2002 i Datura tornano sulle scene con l’uscita del singolo Will Be One e nel 2004 vede la luce il brano Summer of Energy in collaborazione con Gigi D’Agostino. Nel 2004 partecipano alla nuova edizione del disco di Jerry Mantron con il loro remix di Supersonic Band che viene pubblicato anche come singolo in tre diverse versioni. Successivamente si dedicano dapprima al remix di loro pezzi storici, e alla fine del 2006 lanciano un loro nuovo progetto Pezzi da 90, volto alla riscoperta e alla rivalorizzazione del sound dance degli anni novanta; nell’ambito di tale progetto curano la realizzazione di una compilation con tutte le hit dance del periodo, e portano, per la prima volta in discoteca, una serie di serate a tema anni 90 e infine conducono un programma televisivo sulla rete satellitare Enjoy Television, dedicato alla dance anni novanta. Nel 2011, in collaborazione con personaggi della “movida milanese”, creano il format “We Love The 90s”: una serie di eventi con selezione musicale, live e dj set, interamente dedicati alla musica degli anni 90. Nel 2012 i Datura collaborano con il gruppo rap milanese dei Club Dogo per la realizzazione del brano Erba del diavolo. In un’intervista a Radio Deejay per il lancio del disco, i Club Dogo raccontano di come la collaborazione sia nata per caso durante un incontro in discoteca dove i Datura stavano eseguendo un live. I Datura si sono esibiti la notte di Capodanno 2020 in piazza a Forlì, in formazione ridotta. Will Be One è una canzone del 2002 composta dal gruppo musicale Datura rielaborando ed arrangiando in versione dance L’Intermezzo Sinfonico della Cavalleria Rusticana di Pietro Mascagni. Prodotto dalla Time Records arrivo al trentesimo posto in classifica in Italia famosa la copertina con il calendario maya sulla copertina. Time Records è una casa discografica indipendente italiana, fondata nel 1984 da Giacomo Maiolini. La sede operativa dell’azienda è sempre stata a Brescia, tranne che nel 2010, quando si è trasferita a Milano. Specializzata dapprima solo in musica dance, da diversi anni ha allargato il suo raggio d’azione alla musica pop rock. Le etichette sulle quali con cui escono le produzioni discografiche Time sono tre: la prima si chiama Time ed è riservata alle produzioni ed agli artisti pop o pop dance. Su Rise escono invece i dischi più vicini alla sonorità cosiddette house. La label nasce nel 1998. La terza label è Oxyd. Fondata nel 1999, è focalizzata su diversi generi musicali (dalla house alla pop dance). Brano oggetto di discussione su vari forum in giro su internet dove viene spesso criticato da alcuni per non essere alla altezza dei vecchi brani dei Datura io lo considero un bel pezzo pero non a livelli dei precedenti lavori a mio parere sempre prendendo in considerazione il periodo in cui e uscito.

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Lato A

Lato B

Jovanotti ‎Lorenzo 1994

Etichetta: Mercury ‎522 069-1 522 070-1, Soleluna ‎ 522 069-1 522 070-1 Formato: 2 × Vinile, LP, Album, Limited Edition Paese: Italia Uscita: 1994 Tracce: Lato A Attaccami La Spina Serenata Rap Penso Positivo I Giovani Si Va Via Lato B Piove Voglio Di + Io Ti Cercherò Il Ballerino India Lato C Parola Soleluna Dammi Spazio Barabba Lato D Dobbiamoinventarciqualcosa Il Futuro Del Mondo Mario Viene Sera. Lorenzo 1994 è il sesto album di Lorenzo Cherubini, in arte Jovanotti, pubblicato nel 1994. Da questo album sono stati estratti molti singoli fortunati fra cui Piove, Penso positivo e Serenata rap. Il disco ha venduto 600 000 copie. L’album è presente nella classifica dei 100 dischi italiani più belli di sempre secondo Rolling Stone Italia alla posizione numero 5, ed è considerato il miglior album di tutta la carriera del cantautore toscano. Sulla rivista hip hop rap la scena italiana 1988-2016 ne parlano cosi : Di questo disco, Jovanotti ha detto : “è una fortuna beccare subito un paio di singoli perchè poi il resto è divertimento puro ! Lorenzo 1994 era una bomba, da quel momento tutti i miei dischi se la sono dovuta vedere con lui. Cecchetto voleva Serenata rap come primo singlo perchè diceva che il suo potenziale pop radiofonico era maggiore di Penso positivo. Aveva ragione, ma Penso positivo era un manifesto. Alla fine accettai, ma la notte non chiusi occhio. All’ alba lo chiamai assumendomi tutte le resposabilità del rischio e invertii nuovamente l’ uscita dei due singoli : Penso positivo durava troppo per gli standard della radio, ma aveva i muscoli. Amo gli stop musicali, è una cosa che viene dalla dance. La forza di Serenata rap sta nelle parole senza idea di musica. La forza delle parole l’ avevo intuita sin dai cantautori che ascoltavano i miei fratelli. Furono i Public Enemy a farmi capire che la forza di un groove con i controcoglioni poteva solo beneficiare di un testo all’ altezza. Sulla rivista Rolling Stone Italiana dei 100 dischi italiani più belli di sempre è stato inserito al quinto posto della classifica commentato cosi : Probabilmente il precedente Lorenzo 1992 (contenente il rap, ho perso la direzione, non mi annoio, ragazzo fortunato, puttane e spose) era più carico. Comprensibilmente : Lorenzo stesso fremeva dalla gran voglia di dimostrare il proprio valore, dopo che gli esordi da beastie boy tricolore gli avevano procurato l’ odio furibondo dei rocker ma anche degli intellettuali (Michele Serra, nobilmente assiso sulla sua amaca di seta, gli aveva dato, nero su bianco, del cretino). Nè va dimenticato che l’ angosciosa partecipazione alla Domenica in di Pippo Baudo ne aveva intristito l’ immagine (e le vendite). Per converso, nel 1994 il 28enne Cherubini era in grado di sedersi al tavolo da gioco con molte più carte in mano. E se le gioco tutte, creando le basi della popstar curiosa, del cantautore che balla, sospeso tra riflessione e vitalismo (in una parola : SoleLuna) che è anche in questo decennio. Proveniente da un acclamatissimo tour con Luca Carboni, seguito da un altro ( ciclopico, ma forse meno memorabile) con Pino Daniele ed Eros Ramazzotti, l’ ex deejay del Veleno di Roma costrui l’ album della definitiva consacrazione usando come fondamenta brani del calibro di Penso positivo, la nuova filosofia che cancellava definitamente gli slogan degli esordi; Piove, che diverti anche i meno giovani, e la fatidica Serenata rap, che consenti al rap italiano un salto di qualità verso il tema del sentimento, e che lo fece conoscere anche in Europa. Mai contrario a fare l’ opinion leader generazionale (a suo modo, lo era anche ai tempi di è qui la festa?), Lorenzo sali in cima alla montagna e inizio a predicare – con intuazioni più efficaci in Si va via e I giovani, e più blande (in realtà oggi le chiameremmo : buoniste) in Barabba e Il futuro del mondo; altrove si ritrovò a cercare con palese insistenza la chiave della poesia (India, Mario, Il ballerino). Ma una certa dispersione è sempre da mettere in conto quando la qualità di materiale è più che generosa: 18 pezzi, sostanzialmente un album doppio. Coerentemente con la sua tendenza allo slancio, alla incontenibile proprensione, ieri come oggi, a imboccare tutte le strade che vede. Il disco è stato prodotto dalla Soleluna e dalla Mercury records. La Soleluna casa discografica di Jovanotti la Mercury Records è una delle maggiori case discografiche del ‘900, fondata nel 1945 nella metropoli americana di Chicago (Illinois) dai discografici Irving Green, Berle Adams e Arthur Talmadge. Fin dagli inizi l’azienda volle dotarsi di presse con un impianto automatizzato funzionante 24 ore su 24, per contrastare la concorrenza di Columbia, RCA Victor e della britannica Decca Records. Tra i primi artisti ingaggiati ricordiamo Frankie Laine, Vic Damone e Patti Page. Nel 1947 il musicista e manager Jack Rael propose a Patti Page un brano originariamente destinato a Vic Damone. Questo brano, intitolato Confess, prevedeva un controcanto maschile (un’altra versione era stata infatti eseguita da Doris Day e Buddy Clark). All’epoca la Mercury non disponeva di mezzi economici per pagare il compenso ad un secondo cantante e Rael decise che la Page avrebbe registrato entrambe le voci. Nasce così, quasi per caso, la sovraincisione (overdubbing), tecnica che in seguito verrà largamente usata da altri artisti, ma la Page diventa celebre e passa alla storia come la prima ad essersi servita di questo effetto. La Mercury non si limiterà a scoprire e ingaggiare nuovi talenti, ma opererà anche come distributrice di musica indipendente, e pubblicherà negli anni un enorme numero di titoli anche sotto l’etichetta EmArcy, che si caratterizzerà come etichetta di musica jazz, e la Living Presence che pubblicherà titoli di musica classica. Negli anni del dopoguerra l’unico supporto sonoro era il 78 giri. Bisognerà attendere i primi anni cinquanta per lo sviluppo del long playing e ancora qualche anno per il microsolco 33 giri. La Mercury ha portato importanti innovazioni tecniche nel campo della registrazione sonora. Nel 1951 lancia la “living presence”, una tecnica di registrazione con un solo microfono multidirezionale, grazie al quale l’ascoltatore percepisce di essere in presenza dell’orchestra (il primo disco inciso con questa tecnica fu nel 1951 Quadri di un’esposizione di Mussorgsky, eseguita dalla Chicago Symphony Orchestra diretta da Rafael Kubelík); nel 1955 si passa all’utilizzo di tre microfoni, di cui uno disposto al centro dell’orchestra e gli altri ai due lati, per ottenere l’ampiezza e la profondità dell’effetto stereofonico. Un’altra innovazione è l’utilizzo di nastri magnetici da 35 mm anziché da mezzo pollice, che consentivano una migliore risposta in frequenza. Tra gli artisti prodotti nei primi anni dalla Mercury ricordiamo The Platters, Dinah Washington, Jerry Lee Lewis, Sarah Vaughan, Johnny Cash, Carl Perkins e Chuck Berry. Nel 1961 la casa discografica olandese Philips firma un accordo con la Mercury per curarne la distribuzione fuori dagli Stati Uniti, e successivamente la acquista. Nel 1972 Philips, Polydor e Deutsche Grammophon si uniscono coniando l’etichetta PolyGram. Nel 1982 passa sotto il controllo PolyGram anche la Casablanca Records, etichetta famosa per i successi incisi dai Kiss, da Donna Summer e dai Village People. Nel 1998 la PolyGram viene acquisita dal gruppo Seagram, che fonda la Universal Music Group, una delle quattro major che attualmente si contendono il mercato discografico mondiale. Dal 2000 la Universal è di proprietà della francese Vivendi e della Mercury conserva ancora il catalogo per alcuni grandi artisti come U2, The Killers o Arcade Fire. Nel 2011 la Mercury ha deciso di non pubblicare più singoli (in cd e in vinile, anche se per quest’ultimo supporto, la produzione era già sospesa da anni) ma solo in formato digitale, considerando anche che la maggior parte della musica degli ultimi anni veniva acquistata attraverso il download dal web, mezzo economicamente più vantaggioso sia per i clienti che per il produttore. In Italia l’etichetta apre la sua sede nel 1965 dopo l’accordo con la Philips, ed entra a far parte del gruppo Phonogram. Dall’anno successivo, inizia le sue prime pubblicazioni discografiche che raggiungeranno la massima distribuzione nel biennio 1969-70. L’ufficio italiano della Mercury Records si trova a Milano; tra gli artisti pubblicati ricordiamo Nancy Cuomo, Pilade, il gruppo progressive De De Lind e, in seguito, Franco Battiato e Fabio Concato. L’etichetta ha distribuito, inoltre, numerose edizioni italiane di artisti stranieri (come i greci Aphrodite’s Child). Un grandioso album di Jovanotti che di recente a compiuto 25 anni dalla uscita assolutamente da avere nelle vostre collezioni di LP.

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Busta disco

Lato A

Lato B

Lato C

Lato D

Earth, Wind & Fire ‎Sing A Song

Etichetta: Columbia ‎3-10251 Formato: Vinile, 7″, Singolo, 45 RPM Paese: US Uscita: 1975 Tracce: Lato A Sing A Song Lato B Sing A Song (Instrumental Version). ” Sing a Song ” è una canzone registrata dalla band R&B/funk Earth, Wind & Fire , pubblicata come singolo nel novembre 1975 dalla Columbia Records . La canzone ha raggiunto il numero 1 nella classifica Billboard Hot Soul Singles e il numero 5 nella Billboard Hot 100. “Sing a Song” ha trascorso due settimane in cima alla classifica Billboard Hot Soul Songs. La canzone è stata composta da Maurice White con Al McKay e prodotta da White e Charles Stepney. Una versione strumentale di Sing a Song era il lato b del singolo. Sing a Song è uno singolo estratto dall’album del 1975 della band, Gratitude. Record World ha detto che “Con parlay vocali che ricordano i primi Sly & the Family Stone e una sezione di fiati che è compatta come quella di Chicago , il gruppo dovrebbe presto tornare al top”. “Sing a Song” è stata coverizzata dal gruppo gospel Point of Grace nel loro album del 1996, e dalle Life Love & Other Mysteries e dal chitarrista jazz Richard Smith nel suo album del 2003 SOuLIDIFIED. I Take 6 hanno anche interpretato la canzone nel loro album del 1996, Brothers. “Sing a Song” è stato campionata da Beyoncé nel brano “Hey Goldmember” dalla colonna sonora del film del 2002 Austin Powers in Goldmember. “Sing a Song” è apparsa nella colonna sonora del film del 2000 The Color of Friendship . La canzone è stata anche inclusa nella colonna sonora del film del 2003 Something ‘s Gotta Give. La Columbia Records è la più antica etichetta discografica statunitense ancora in attività. Fondata nel 1888, fu la prima casa discografica ad utilizzare come supporto audio il disco preregistrato in concorrenza con i cilindri audiofonici di Edison. La Columbia fu originariamente una compagnia locale fondata da Edward Easton, che distribuiva e vendeva i fonografi e i cilindri fonografici di Thomas Alva Edison nella città di Washington, in Maryland e nel Delaware, e il suo nome deriva dal Distretto di Columbia, dove aveva la sede. Produsse innumerevoli cilindri commerciali di propria produzione, e già nel 1891 aveva un catalogo lungo 10 pagine. Quando la società ruppe con Edison nel 1894 iniziò a vendere solo registrazioni di propria manifattura. Nel 1902, Columbia introdusse il disco “XP” record, un cilindro marrone, da usare sui vecchi fonografi. A partire dal 1901, per competere con la Victor Talking Machines, iniziò a produrre anche dischi piatti a 78 giri in addizione ai cilindri fonografici. Nel 1908, lanciò il primo disco a doppia faccia, dotato di un lato A e di un lato B : “due canzoni su un solo disco!” come esclama con enfasi il disco promozionale distribuito per l’occasione. Nel luglio del 1912, la Columbia decise di concentrarsi esclusivamente sulle registrazione su disco e abbandonò la produzione di cilindri, benché continuasse a vendere per un altro paio di anni vecchi cilindri del loro catalogo. Dal 1961 al 1990, le sue registrazioni furono realizzate al di fuori degli Stati Uniti e in Canada sotto l’etichetta CBS Records International (al fine di evitare la sovrapposizione con il marchio “Columbia” della britannica Columbia Graphophone Company facente capo alla EMI) prima di adottare il nome Columbia nella maggior parte del mondo. Oggi è la prima etichetta sussidiaria della Sony BMG Music Entertainment. Steve Barnett e Rick Rubin sono direttori della Columbia Records. Fino al 1988, la Columbia Records non ha avuto alcuna connessione con la Columbia Pictures, tranne il nome simile; oggi è connessa ad essa in quanto parte del gruppo Sony. Una bella canzone da riascoltare ancora oggi.

Lato A

Lato B

First Choice ‎Smarty Pants / Armed And Extremely Dangerous

Etichetta: Bell Records ‎2008 217 Serie: Discoteque Special Formato: Vinile, 7″, 45 RPM Paese: Italia Uscita: 1973 Tracce: Lato A Smarty Pants Lato B Armed And Extremely Dangerous. First Choice è un gruppo femminile americano di Filadelfia. I loro successi R&B e disco includevano ” Armed and Extremely Dangerous “, “Smarty Pants”, “The Player (Part 1)”, “Guilty”, “Love Thang” e “Doctor Love”. Hanno firmato un contratto con l’etichetta soul Philly Groove Records e con l’etichetta disco Gold Mind oltre a Warner Bros. Records e Salsoul. The First Choice ha iniziato a cantare al liceo come Debonettes. Il gruppo era composto dalla cantante Rochelle Fleming, Annette Guest, Wardell Piper e Malanie McSears. Si sono esibiti nei club dopo la scuola a Filadelfia e dintorni. Sono state presentate al discografico Norman Harris dal DJ radiofonico Georgie Woods. Harris ha prodotto il loro primo singolo “This Is the House Where Love Died”. Il singolo non è riuscito a classificarsi a livello nazionale, ma è stato suonato a Filadelfia e nei dance club negli Stati Uniti. La loro uscita successiva è stata “Armed and Extremely Dangerous”. Il singolo divenne rapidamente una delle prime 11 hit R&B all’inizio del 1973 e entrò nella top 20 del Regno Unito Wardell Piper ha lasciato il gruppo per iniziare una carriera da solista prima che il loro primo album fosse pubblicato, e non è raffigurata sulla copertina sebbene abbia cantato nell’album. È stata sostituita dalla cantante Joyce Jones. Il loro nuovo successo ha permesso al gruppo di ottenere visibilità nazionale in programmi televisivi come Dinah , Soul Train e American Bandstand. Seguirono altri successi R&B. “Smarty Pants” è arrivato al numero 25 nella classifica R&B americana ed è diventato il più grande singolo del gruppo nel Regno Unito raggiungendo il numero 9 nella UK Singles Chart , “Newsy Neighbors” e “The Player” che sono diventati i ​​loro più grandi successi R&B raggiungendo il numero 7. La band ha cambiato etichetta nel 1976 per la Warner Brothers Records. La Jones ha lasciato il gruppo ed è stato sostituita da Ursula Herring. Alla Warner’s hanno registrato altri successi da pista da ballo tra cui “Gotta Get Away From You Baby”, “Ain’t He Bad” e la canzone che da il titolo dell’album, “So Let Us Entertain You”. Nel 1977, il trio cambiò nuovamente etichetta questa volta registrando per l’etichetta del loro produttore Norman Harris, la Goldmine Records, dove ottennero il loro più grande singolo dance, il contagioso “Doctor Love”. Il singolo era tratto dal loro album, Delusions , che il critico di AllMusic Ed Hogan considerava il miglior LP del trio. La versione successiva arrivò nel marzo 1979 chiamata Hold Your Horses . Ursula Herring se ne andò e fu sostituita da Debbie Martin. LP conteneva i successi dance “Love Thang”, “Double Cross” e la title track “Hold Your Horses”. Il trio si sciolse ufficialmente nel 1980, tuttavia, nel 1983, la SalSoul Records pubblicò “Let No Man Put Asunder” dal loro album del 1977, Delusions . Quel singolo è salito al numero 13 della classifica dance di Billboard ed è diventato la canzone simbolo del gruppo e ancora uno dei preferiti nella scena della musica house. Rochelle Fleming ha continuato a registrare e ad esibirsi a livello internazionale come artista solista. Annette Guest è diventata una cantautrice di successo scrivendo per artisti come Stephanie Mills. I membri ufficiali Annette Guest e Ursula Herring, insieme ad Andre Jackson, si esibiscono di nuovo come The First Choice. Il gruppo è stato influente per la prima parte della musica house e techno , a causa del campionamento di molti artisti, tra cui Todd Terry e The Jungle Brothers , principalmente dal brano dei First Choice del 1977, “Let No Man Put Asunder”. Quella traccia è stata anche interpretata da Mary J. Blige nel suo album del 1999, Mary. Il 6 agosto 2014, i First Choice si sono esibiti in un concerto di reunion all’East River Bandshell, New York City, con i membri originali: Rochelle Fleming, Annette Guest, Wardell Piper e Ursula Herring. Il concerto ha visto la partecipazione di molti ex compagni di etichetta del gruppo della Salsoul Records. Il gruppo si esibisce ancora, ma senza Rochelle Fleming. Nel 2019, il rapper J. Cole ha campionato la loro canzone “Wake Up to Me” nella sua canzone ” Middle Child “. Il mio 45 Giri della Bell Records pubblicato per il mercato Italiano contiente le due tracce : Smarty Pants e Armed and Extremely Dangerous. Della prima traccia non ci sono Particolari informazioni se non che fa parte dello stesso LP. Di ” Armed and Extremely Dangerous “si può dire che è una canzone del 1973 del gruppo femminile americano First Choice dal loro album Armed and Extremely Dangerous . È il loro singolo più alto nelle classifiche negli Stati Uniti ed è probabilmente la canzone più famosa della band. La canzone è diventata una delle prime 20 hit nel Regno Unito. Ha raggiunto la Top 40 negli Stati Uniti. Il mio 45 Giri fa anche parte della serie Discoteque Special una Serie prodotta in Italia negli anni ’70 dalla casa discografica Phonogram S.P.A.. Bell Records era un’etichetta discografica americana fondata nel 1952 a New York City da Arthur Shimkin, il proprietario dell’etichetta discografica per bambini Golden Records , e inizialmente un’unità di Pocket Books , dopo che i diritti sul nome furono acquisiti da Benny Bell che ha usato il nome Bell per pubblicare dischi di novità osé. Negli anni ’60 e ’70 era attiva anche una filiale britannica. La Bell Records fu chiusa alla fine del 1974 e le sue risorse furono trasferite alla nuova etichetta della Columbia Pictures , la Arista Records . Al suo inizio nel 1952, Bell si specializzò in musica pop generica economica, con lo slogan “musica per milioni”. Originariamente ha venduto su dischi da sette pollici a 78 giri e 45 giri per 39 centesimi (USA), questo stile musicale è passato di moda quando il rock and roll è diventato più diffuso. Versioni di cover di dischi di successo sono state pubblicate anche su dischi a 78 giri e 45 giri al prezzo di 49 centesimi. Uno di questi dischi era di “Tom & Jerry” che in seguito sarebbero diventati noti usando i loro veri cognomi, Simon & Garfunkel . Invece di essere stampati su vinile come un normale disco da 7 pollici, questi dischi sono stati stampati a iniezione da Bestway Products utilizzando polistirolo , che aveva etichette incollate o le informazioni dell’etichetta erano stampate direttamente sul polistirolo, rendendo molte copie quasi illeggibili anni dopo. . La maggior parte (ma non tutti) i dischi 45 giri della Bell e dell’etichetta associata furono stampati a iniezione in modo simile fino agli anni ’70. Poiché Al Massler, il capo del produttore discografico Bestway Products, era diventato capo della Bell Records nel 1959, Mala Records fu quindi costituita come etichetta sussidiaria di Bell, specializzata in rock and roll insieme a rhythm and blues . Nel 1960, Amy Records è stata costituita come un’altra etichetta sussidiaria, concentrandosi su spettacoli soul e / o soul dagli occhi azzurri . L’anno successivo, Larry Uttal ha inserito la sua etichetta Madison Records in Bell dopo aver acquistato l’etichetta, insieme alle sue etichette sussidiarie Amy e Mala. Concentrando i suoi sforzi sulle etichette Amy e Mala, Uttal rese dormiente l’etichetta madre Bell fino al 1964, quando l’etichetta fu ripresa, presentando un logo che utilizzava un marchio stilizzato “BELL” a forma di campana. Nel 1966, l’etichetta Bell fu espansa a livello internazionale e la compagnia decise di pubblicare tutti i loro album, anche per gli artisti di Amy e Mala, sull’etichetta Bell, e continuò a pubblicare diversi singoli di successo, tra cui: “Little Girl” di Syndicate of Sound (#5 CB/#8 BB), ” I’m Your Puppet ” di James e Bobby Purify nel 1966, ” The Letter ” dei Box Tops (il singolo su Mala, l’album su Bell) nel 1967, ” Angel of the Morning ” di Merrilee Rush & the Turnabouts nel 1968, e ” Gimme Gimme Good Lovin’ ” di Crazy Elephant nel 1969. Nel marzo 1969, la Columbia Pictures Industries (CPI) acquistò Bell per 3,5 milioni di dollari (principalmente in azioni CPI), mantenendo Larry Uttal come presidente dell’etichetta. Nello stesso anno, le etichette Mala, Amy e Bell furono fuse in un’unica unità, mantenendo il soprannome di Bell. Entro la metà del 1971, la Columbia Pictures possedeva intera etichetta Bell, ma la RCA Records distribuiva, e la Colgems Records fu integrata nell’etichetta. Uttal è stato determinante nel firmare molti artisti che presto diventeranno famosi come la famiglia Partridge , David Cassidy , Ricky Segall , la 5a dimensione , Barry Manilow , Melissa Manchester e Tony Orlando & Dawn, oltre ad adottare un nuovo logo “a strisce spesse”. Nel 1970, l’etichetta Bell ebbe più successo con i singoli di musica pop e meno successo con LP pop più redditizi . Dopo un anno di entrate in calo, Uttal si dimise da Bell alla fine di maggio 1974 per fondare la sua etichetta, Private Stock , finanziata e distribuita al di fuori del Nord America dalla EMI . Uttal è stato sostituito come presidente una settimana dopo da Clive Davis , che era stato originariamente assunto come consulente discografico e musicale dalla Columbia Pictures. Il vero obiettivo di Davis era riorganizzare e rivitalizzare la divisione musicale della Columbia Pictures. Con un investimento di 10 milioni di dollari da parte di CPI e una riorganizzazione delle varie etichette legacy della Columbia Pictures ( Colpix , Colgems, e Bell), Davis introdusse la nuova divisione discografica della Columbia Pictures, Arista Records , nel novembre 1974 con lo stesso Davis che possedeva il 20% della nuova impresa. Bell ha avuto il suo ultimo successo n. 1 nel gennaio 1975 con ” Mandy ” di Barry Manilow ( Bell 45.613 ), seguito a breve dal successo finale dell’etichetta, così come dal suo singolo finale, ” Look in My Eyes Pretty Woman ” di Tony Orlando e Dawn (Bell 45,620 — US # 11), dopo di che gli album Bell di maggior successo furono ristampati su Arista. Le ultime pubblicazioni che utilizzano l’impronta Bell hanno la designazione “Bell Records, Distributed by Arista Records, 1776 Broadway, New York City 10019” attorno al bordo dell’etichetta. La Bell Records aveva anche una divisione in Giappone che si distinse per la ristampa delle registrazioni originali di Colgem, in particolare i Monkees, che ebbero un notevole successo nel paese fino agli anni ’70. Nel 1974, mentre l’etichetta americana Bell pubblicava Re-Focus (una raccolta di grandi successi che fu successivamente ripubblicata più volte dall’etichetta Arista come “The Monkees Greatest Hits”), l’etichetta giapponese Bell ripubblicò l’intero LP originale di Colgems catalogo insieme a EP, cofanetti e diverse raccolte di Greatest Hits (incluso Re-Focus). Sebbene Bell Japan abbia ignorato le uscite dei singoli originali dei Colgems, hanno comunque pubblicato l’ultimo singolo registrato da Davy Jones e Micky Dolenz (” Do It in the Name of Love”/”Lady Jane”) come “The Monkees” a differenza di Bell negli Stati Uniti e nel Regno Unito, che scelse di usare i loro nomi individuali. Nel 1973, Bell Japan utilizzò anche l’etichetta sussidiaria “Gold Disc” per pubblicare il 45 singolo from) The Monkees”/”Daydream Believer” (pubblicato negli Stati Uniti dall’etichetta Arista). Il terzo e ultimo Monkees 45 pubblicato nel 1973 conteneva le canzoni “I Wanna Be Free”/”Take A Giant Step”. La filiale britannica è stata fondata nel 1967. Le precedenti versioni britanniche delle registrazioni di Bell sono state pubblicate dalla EMI ‘s Stateside Records . L’associazione di Bell/Amy/Mala con la EMI risale al 1964. La Bell Records UK è stata aperta come etichetta indipendente il 1 gennaio 1972 a Londra, guidata da Dick Leahy (direttore generale della filiale britannica l’anno precedente), proseguendo un accordo triennale di pressatura e distribuzione con EMI. (In altri paesi, a parte gli Stati Uniti, Polydor si è occupata della distribuzione che in seguito ha acquisito la distribuzione britannica.) Gli artisti che hanno firmato per loro includevano i Bay City Rollers , Showaddywaddy ,The Glitter Band , e gli artisti americani Reparata and the Delrons e The Partridge Family con David Cassidy . Altri artisti dell’etichetta includevano Gary Glitter , Edison Lighthouse (che, insieme a Glitter, firmò per Bell UK grazie a un accordo con Gem Records di Laurence Myers,) Barry Blue , Barry Manilow , Terry Jacks , Hello , The Piglets , The Pearls e Harley Quinne, The Drifters e le versioni britanniche di The Box Tops . Bell UK inizialmente mantenne la sua identità quando l’etichetta americana fu riorganizzata in Arista nel 1974, ma un anno dopo l’etichetta britannica adottò il nome Arista, sebbene le pubblicazioni continuarono sull’etichetta britannica Bell fino al 1976. Showaddywaddy pubblicò l’ultimo Il singolo di Bell, “Under the Moon of Love”, che raggiunse il numero 1 nel dicembre 1976, prima che Arista UK rianimasse brevemente l’etichetta nel 1981. Il logo Bell è apparso occasionalmente sulle giacche e sulle etichette di Arista Rilasci nel Regno Unito. L’ex catalogo della Bell Records e delle sue etichette correlate è ora di proprietà di Sony Music Entertainment (ora una consociata della Columbia Pictures) e gestito da Legacy Recordings . Un bel 45 Giri contenente due gran bellissime tracce.

Lato A

Lato B

The Disco Sound Of Andre Gagnon Wow / Samba

Etichetta: Decca JBS 83 ZXDR 58585 Formato: Vinile, 7″ Paese: Italia Uscita: 1975 Nota: Disco promozionale partecipante a Discomare 1976 Tracce: Lato A Wow Lato B Samba. André Gagnon OC OQ (2 agosto 1936-3 dicembre 2020) è stato un pianista, compositore, direttore d’orchestra, arrangiatore e attore canadese, noto per la sua fusione di stili classici e pop, comprese le composizioni Neiges , Smash , Chevauchée , Surprise , Donna e Mouvements nel campo della disco e del pop. Gagnon ha anche composto per la televisione, tra cui La Souris Verte , Vivre en ce Pays , Format 60 , Format 30 , Techno-Flash eLes Forges de Saint-Maurice così come per il teatro con produzioni come La Poudre aux Yeux , Doña Rosita , Terre d’Aube , La Dame de Chez Maxim’s e Wouf-Wouf . Alcune delle sue canzoni più importanti sono “Pour les Amants”, “Turluteries” e “Mes Quatre Saisons”. Gagnon è nato a Saint-Pacôme , Quebec , Canada. Il più giovane di diciannove figli, Gagnon iniziò a comporre all’età di sei anni e secondo la Canadian Encyclopedia, “Prese lezioni di teoria con Léon Destroismaisons a Ste. Anne-de-la-Pocatière dal 1952 al 1953 e ha studiato al Conservatoire de musique à Montréal con Germaine Malépart (pianoforte), Clermont Pépin (composizione) e Gilberte Martin (solfège) dal 1957 al 1961.” Secondo il sito ufficiale di Gagnon, “Nel 1974, André Gagnon pubblicò Saga , il suo primo album, composto esclusivamente da brani strumentali originali”. Nel 1975, l’album Neiges rimase nella Top 10 della Billboard americana per ventiquattro settimane e vendette 700.000 copie in tutto il mondo. Nel maggio 1976, Gagnon tenne quattro concerti in Messico e nel settembre dello stesso anno, Neiges fu pubblicato a New York con il titolo Driven Snow . Nel 1977, Neiges ha vinto un premio Juno per l’album più acquistato in Canada mentre l’album di Gagnon Le Saint-Laurent raggiunse rapidamente le 100.000 copie vendute. Nel 1978, André Gagnon è stato nominato ufficiale dell’Ordine del Canada. Nell’autunno del 1979, Gagnon ricevette il suo primo Félix, un premio creato dall’industria musicale del Quebec nella categoria strumentale per l’album Le Saint-Laurent . Ha anche iniziato ad aggiungere colonne sonore al suo repertorio, tra cui le colonne sonore di Running (1979), il film di John Huston Phobia (1980) e The Hot Touch (1981), diretto da Roger Vadim . Gagnon è andato in tournée mondiale nel 1981 negli Stati Uniti, Venezuela, Messico, Grecia e Romania. Durante quest’anno ha anche composto la musica originale per il film Tell Me That You Love Me, una produzione di Astral Films. In ottobre, ha registrato Impressions nel famoso studio di Abbey Road. Nel febbraio 1990 fu pubblicata l’opera Nelligan , per la quale Gagnon scrisse la musica. L’opera è stata presentata prima al Grand Theatre del Quebec e poi al Place of the Arts di Montreal e infine al National Center of the Arts di Ottawa. Dopo l’uscita canadese dell’opera è stata l’uscita del doppio album registrato in studio, Nelligan . Nel gennaio 1992 Gagnon ha composto la musica per il film Il pianista . Nel 1999 è stato pubblicato l’album Juliette Pomerleau . Nel 2011, l’album Les chemins ombragés è stato certificato disco d’oro avendo venduto 40.000 copie. Gagnon ha anche composto musica per molti artisti, come Diane Dufresne ( Le 304 ), Renée Claude ( Je suis une femme d’aujourd’hui , Ballade pour mes vieux jours ) e Nicole Martin ( Mannequin ). Gagnon è morto il 3 dicembre 2020, all’età di 84 anni. Aveva sofferto di malattia da corpi di Lewy. Prodotto dalla nota etichetta discografica Decca Records per Italia dalla Decca Dischi Italia S.p.A. Disco Promozionale Partecipante A Discomare 1976 Discomare è stata una manifestazione canora radiotelevisiva italiana svoltasi ininterrottamente dal 1976 al 1983. Due bellissime tracce strumentali discomiusic.

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M.A.D.R.A.S. ‎Woodoorave

Etichetta: New Music International ‎NMX 2130 Formato: Vinile, 12″ Paese: Italia Uscita: 2000 Tracce: Lato A Woodoorave Gork Edit Woodoorave Corale Woodoorave Peipus Edit Lato B Woodoorave Gork Extended Woodoorave Peipus Club. M.A.D.R.A.S. Alias Maurizio Capaldi Produttore italiano di musica dance a prodotto questa traccia e anche la traccia che si chiama Tokakrash. Disco prodotto dalla New Music International Etichetta milanese di house e dance italiana presieduta da Pippo Landro. Il disco e molto famoso per le citazioni a Rocky 4 un gran bel disco riempi piste da ballo dei primi anni 2000.

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Lato B

Alpha Blondy And The Wailers ‎Jérusalem

Etichetta: Stern’s Africa ‎STERNS 1019 Formato: Vinile, LP, Album Paese: UK Uscita: 1987 Note: Sembra ci sia un errore di stampa sul titolo della seconda traccia infatti e stata scritta in modi diversi sul disco e scritto Politiqui e sul retro della copertina dove è scritto ordine delle tracce la seconda traccia e scritta Politique. Tracce: Lato A Jérusalem Politiqui / Politique Bloodshed In Africa I Love Paris Lato B Kalachnikov Love Travailler C’Est Trop Dur Miwa Boulevard De La Mort Dji. Alpha Blondy, nome d’arte di Seydou Koné (Dimbokro, 1º gennaio 1953), è un cantante ivoriano, cantante reggae molto popolare a livelli mondiali. Canta principalmente in dioula, francese ed in inglese. Fa parte del gruppo Solar System e ha collaborato anche con il rinomato gruppo The Wailers. Primogenito di nove figli, Seydou Konè nacque a Dimbokro nel 1953. Seydou Kone fondò già da ragazzo il suo primo gruppo musicale: l’Atomic Vibration. Dopo il suo trasferimento in Liberia cantò prevalentemente in inglese. Nel 1976 si trasferì negli Stati Uniti d’America dove studiò economia e commercio ed inglese alla New Yorker Columbia University. Egli fece la sua prima esibizione a New York con il gruppo reggae Monyaka. Successivamente, alla fine degli anni settanta egli produsse con un giamaicano sei titoli, ma quest’ultimo scomparve con i suoi nastri e Seydou ebbe un esaurimento nervoso. Dopo il suo ritorno ad Abidjan nel 1981 venne internato dai suoi genitori in un istituto di igiene mentale per due anni. Nel 1982 incise insieme ad alcuni musicisti del Ghana il suo primo album, Jah Glory, grazie al quale vinse tre dischi d’oro. Nel 1985 si esibì per la prima volta in Europa. La sua musica può essere definita appartenente al genere Afro-Reggae, con evidenti influenze africane, europee e caraibiche. I suoi nuovi lavori si orientano verso un genere Roots-Reggae. L’album Jerusalem rappresenta una pietra miliare della sua carriera musicale, prodotto con il gruppo The Wailers da Tuff Gong (Bob Marleys Studios). Alpha Blondy canta i suoi testi in ebraico, inglese, francese, arabo e in alcuni dialetti dell’Africa Occidentale (come ad esempio il baolé ed il dioula). Si distingue per il suo impegno religioso ed umanitario e promuove l’unità dei tre monoteismi: ebraismo, cristianesimo ed islam. Degno di nota è che durante i suoi tour egli porta con sé la stella di Davide, una Bibbia e il Corano. The Wailers sono stati un gruppo reggae/rocksteady giamaicano, capitanato da Bob Marley. Il primo nome della band era “The Wailing Wailers”, quand’ancora suonavano ska e rocksteady, agli albori della musica giamaicana, traendo ispirazione dagli Skatalites, orchestra skajazz di Kingston dove spiccava la figura del trombonista Don Drummond. Successivamente hanno portato al successo la musica reggae. Gli Wailers lavorarono coi maggiori produttori dell’isola, da Coxsone Dodd a Lee Scratch Perry, con cui raffinarono il loro stile. Si narra che la prima canzone incisa con il nome di The Wailers fu registrata al mattino, incisa al pomeriggio e “pompata” la sera nei sound system di Mr. Dodd: la canzone era Simmer Down, un invito alla calma e alla tranquillità in un ambiente come la Giamaica post-indipendentista, tutt’altro che calma e tranquilla. Sempre la leggenda vuole gli Wailers a minacciare i gestori di una radio giamaicana perché i britannici, che gestivano comunque ancora tutto l’apparato radiofonico sull’isola, consideravano i Wailers pericolosi perché le loro canzoni risvegliavano l’anima rivoluzionaria della gente del ghetto. Quando gli Wailers incontrarono Lee “Scratch” Perry avevano già cambiato ritmo, convertendosi al reggae, ritmo anch’esso di derivazione ska, ma molto più lento, secondo la leggenda proposto per la prima volta da Toots & the Maytals con la canzone Do the reggay. Dalla collaborazione tra Perry e gli Wailers nacquero canzoni come la mitica Soul Rebel. In questo periodo iniziano a far parte della band musicisti del calibro dei fratelli Carlton Barret e Aston “Family Man” Barrett, già rispettivamente batterista e bassista degli Upsetters. Il primo straniero ad investire su di loro fu Chris Blackwell, proprietario della Island Records, che li scritturò come rock band giamaicana e che “sporcò” il loro sound, inserendo organi e chitarre elettriche vagamente distorte, elementi che adesso sono diventati tipici del reggae. Insomma modificò qualcosa per poterli inserire nel mercato internazionale del rock, l’unico che sarebbe stato in grado di “accettarli”. Il primo album prodotto dalla Island è Catch a Fire e infatti l’inizio di Concrete Jungle, la prima canzone dell’album, è un tipico inizio rock anni settanta, con chitarre o organi che si intersecano fino al passaggio di Carlton Barrett alla batteria che ci introduce in una nuova epopea della musica. Il successo di questo album fu modesto. Per questo Blackwell mandò in Giamaica un’inviata della Island per seguirli da vicino nella stesura del loro nuovo album. Non volevano sprecare tale potenziale. L’album che uscì fu poi Burnin’, disco di discreto successo. Dopo quest’album il trio Marley-Tosh-Livingston (Bunny Wailer) si separò: c’è chi sostiene che fosse per via della troppa importanza data dal pubblico a Bob Marley, c’è chi dice che sia stato per divergenza di obiettivi, chi per paura da parte di Tosh e Livingston di uscire dall’isola. Da quel momento si comincia a parlare di nuovo di Bob Marley & The Wailers. Il primo album è Natty Dread, contenente No Woman, No Cry, primo disco con le I-Threes, gruppo femminile fondato da Rita Marley, che facevano da band di supporto ai Wailers ed allo stesso tempo ne erano un sottoinsieme. Col passare del tempo il nome Wailers viene “declassato” e nel pronunciarlo si pensa a quei musicisti che lavorarono con Marley da lì alla fine dei suoi giorni. Tutt’oggi i Wailers continuano a suonare in memoria del loro leader scomparso prematuramente, grazie all’eterna energia di Aston Barrett, bassista e ultimo rimasto attivo della band. Barrett ha anche collaborato con alcuni dei maggiori artisti reggae odierni, come per esempio Alpha Blondy, ma ha anche suonato negli album di Peter Tosh e di tanti suoi colleghi giamaicani. La mia copia è stata stampata dalla Stern’s Africa che fa parte della Stern’s Music. La Stern’s Africa è il Primo distributore mondiale di word music in Gran Bretagna, in Europa e nelle Americhe. La Stern’s Music è la prima etichetta discografica britannica Specialistica della musica africana e mondiale dal 1983. A pubblicato registrazioni di Salif Keita, Youssou N’Dour e Franco & OK Jazz. Bellissimo vinile da ricercare.

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David Christie ‎Falling In Love In Summertime (Is Dynomite)

Etichetta: Harmony ‎H 6016 Formato: Vinile, 7″, 45 RPM, Promo Paese: Italia Uscita: 1976 Note: Disco Promozionale vietata la vendita al pubblico Tracce: Lato A Falling In Love In Summertime (Is Dynomite) Lato B Falling In Love In Summertime (Is Dynomite). David Christie pseudonimo di Jacques Pépino nato il 1 gennaio 1948 a Tarare , Francia ; morto suicida 11 maggio 1997 a Capbreton , dipartimento delle Landes , Francia è stato un cantautore francese , che ha lavorato anche sotto gli pseudonimi di James Bolden , Napoleon Jones e Philippe Tarare. Il suo più grande successo come cantante è stato il singolo del 1982 Saddle Up . David Christie si stabilisce a Parigi nel 1965 . Ha imparato a suonare la chitarra , il basso e il pianoforte . si è fatto un nome come cantautore. I successi di Tina Charles (1976 I Love to Love , Love Me Like a Lover ), Grace Jones (1978 Do or Die ) e Gloria Gaynor (1975 (If You Want It) Do It Yourself ) provengono dal sua mano. Christie ha avuto un breve successo come solista e cantante di canzoni pop accattivanti nel 1982 e nel 1983 . Il singolo Saddle Up ha raggiunto il numero dodici delle classifiche tedesche , il numero quattro delle classifiche svizzere e il numero nove delle classifiche britanniche. Our Time Has Come è ancora entrato nella top 50 in Germania. Christie ha avuto una figlia con la cantante francese Nina Morato. Dopo la morte della figlia all’età di 11 anni, Christie si è tolto la vita. Questo disco promo e stato prodotto dalla Harmony Etichetta italiana Disco & Funk, fondata nel 1975, ora non esiste più. Faceva parte della etichetta Saar s.r.l. Casa discografica italiana fondata da Walter Gürtler nel 1958. che oggi e la SAAR Records. SAAR sta per Società Articoli Acustici Riprodotti. Nel dicembre 1960 avvengono i cambiamenti societari e tutte le attività convergono sotto un unico nome, Saar Srl. All’inizio degli anni ’60 Gürtler aprì a Pero, in Italia, un centro di produzione discografica indipendente; costituito da uffici, studio di registrazione, centro informatico e un impianto per la stampa di vinili e musicassette; che impiegava oltre 100 persone. Un decennio più tardi furono aperti i magazzini a Corsico. Negli anni ’80 iniziò lo smantellamento dello stabilimento di Pero. Arrivano a Vercellina gli uffici, la grafica e la mastering room. Un bel 45 Giri promozionale un canzone carina molto estiva che forse e stata dimenticata nel tempo complice il fatto che allora uscivano molte produzioni di gran successo.

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Lato B

M.A.D.R.A.S. ‎Tokakrash

Etichetta: New Music International ‎NMX 2280 Formato: Vinile, 12″ Paese: Italia Uscita: 2001 Tracce: Lato A Toka Radio Version Mirò Club Version Lato B Toka Extended Club Version. M.A.D.R.A.S. Alias Maurizio Capaldi Produttore italiano di musica dance che vive a Bergamo. Prodotto dalla New Music International Etichetta milanese di house e dance italiana presieduta da Pippo Landro. Un particolare della canzone è che avete presente durante il brano la voce maschile che dice delle frasi in russo? quelle parole sono state prese dal film rocky 4 durante l’incontro tra rocky e ivan drago nell scena dove c’e l’arbitro che presenta l’incontro tra i due sfidanti. Una canzone che all’ epoca non piaceva a tutti ma pero il progetto M.A.D.R.A.S. è stato un progetto musicale interessante peccato la breve durata.

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Queen ‎Innuendo

Etichetta: Parlophone ‎64 7958871 Formato: Vinile, LP, Album Paese: Italia Uscita: 1991 Nota: Le tracce A2, B4, B5 e B6 sono contrassegnate come versioni modificate per il vinile. Include una manica interna stampata. Tracce: Lato A Innuendo I’m Going Slightly Mad Headlong I Can’t Live With You Ride The Wild Wind Lato B All God’s People These Are The Days Of Our Lives Delilah Don’t Try So Hard The Hitman Bijou The Show Must Go On. Innuendo è il quattordicesimo album in studio del gruppo musicale britannico Queen, pubblicato il 4 febbraio 1991 dalla Parlophone. Composto da dodici brani, si tratta dell’ultima pubblicazione del gruppo con il frontman Freddie Mercury prima della sua morte avvenuta nello stesso anno. La copertina è ispirata alle illustrazioni di J.J. Grandville. Nel 2006 Innuendo è stato votato come il 94º miglior album di tutti i tempi attraverso un sondaggio effettuato dalla BBC. Le registrazioni del disco ebbero inizio nel mese di marzo del 1989: appena terminate le sessioni per l’album precedente, Freddie Mercury tornò subito in sala di registrazione, per incidere qualche demo (tra cui anche una al momento inedita di Delilah). Nei mesi tra aprile e novembre, il gruppo non ebbe molto tempo da dedicare al lavoro in studio, in quanto ancora impegnato a promuovere The Miracle, e così il lavoro proseguì a rilento. Proprio in quell’anno, la sieropositività di Mercury al virus HIV (scoperta nella primavera del 1987) si trasformò in AIDS conclamato e il cantante fu costretto a rivelare le sue condizioni di salute almeno agli altri tre membri della band nel tardo novembre, quando le sessioni di registrazione per Innuendo ricominciarono. Sebbene fosse appena terminata la promozione di The Miracle, i Queen rientrarono immediatamente in sala d’incisione per realizzare il quattordicesimo album in studio, passando gran parte del 1990 a continuare il lavoro. Mercury era nella fase conclusiva della malattia, la quale non fu resa ancora pubblica, ma nonostante ciò poté continuare il lavoro con gli altri componenti del gruppo, negando il reale stato delle sue condizioni fisiche ai mass media. In particolare, l’argomento fu messo in primo piano dalle testate britanniche in occasione dell’apparizione dei Queen ai BRIT Awards 1990 per il ritiro di un premio speciale inerente al fondamentale contributo del gruppo alla musica inglese, dove il cantante apparve visibilmente magro e sofferente. La band e i produttori miravano inizialmente a pubblicare il disco entro novembre o dicembre di quell’anno, ma il declino della salute di Mercury costrinse a rimandarne l’uscita fino al febbraio del 1991. La particolare situazione che stava affrontando il gruppo si riflette anche nei testi e nelle melodie dell’album, il cui tema principale può essere senza dubbio considerato «il timore dell’arrivo della morte imminente». Si spazia dagli episodi più duri (The Hitman, Headlong) a quelli più cupi come The Show Must Go On, erroneamente considerata come una sorta di testamento di Mercury, ma scritta in realtà da Brian May anche se accreditata, come uso per tutte le canzoni dall’album The Miracle, all’intera band. L’omonimo Innuendo è considerato «la Bohemian Rhapsody degli anni novanta» a causa delle molte analogie che presenta con quest’ultima. Nel 2011 l’album è stato rimasterizzato in digitale dalla Island/Universal ed è stato distribuito in edizione standard contenente l’album originale e deluxe con l’aggiunta di un EP bonus. Sul libro il grande libro dell’ heavy metal ne parlano cosi : Un album che diventa il testamento di Freddy Mercury e pare realmente percorso da un senso di addio. L’ispirazione è alle stelle e canzoni intense come Innuendo, Don’t Try So Hard, Headlong e le profetiche These Are The Days Of Our Lives e The Show Must Go On sembrano appartenere all’ epoca d’ oro di quando i quattro lottavano per emergere nella caotica scena rock britanica dei primi anni 70. Un bellissimo vinile che ormai a raggiunto i 30 anni di età e ancora oggi rimane un bellissimo vinile.

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S.S.O. Tonight’s The Night

Etichetta: Durium Marche Estere ‎DE. 2848 Formato: Vinile, 7″, 45 RPM, Stereo, Mono Paese: Italia Uscita: 1976 Tracce: Lato A Tonight’s The Night Lato B Tonight’s The Night (Disco Version). Acronimo di The Soul Sensation Orchestra, sono una band Funk/Soul composta da musicisti belgi e americani che si stabilirono in Belgio all’inizio degli anni ’70. La maggior parte dei musicisti di questo album ha suonato in “Born To Be Alive” di Patrick Hernandez. La voce maschile era Douglas Lucas Trombettista statunitense originario dell’Arkansas che si stabilì in Europa alla fine degli anni ’60. Le voci femminili erano le The Sugar Sisters composte da Barbara Hodges, Dona Jordan, Patricia Maessen. Patricia Maessen Cantante e cantautrice olandese, viveva in Belgio dal 1972. Morta il 15 maggio 1996 (all’età di 44 anni) a Mortsel. Era sposata con Luc Smets. Luc Smets il suo nome è Luc Jan Frans Smets Cantante, cantautore, compositore, arrangiatore e direttore d’orchestra belga, noto soprattutto per essere stato il cantante dei Pebbles (1966-1971). sposato con Patricia Maessen. Il singolo è stato pubblicato da Durium Marche Estere in Italia sotto etichetta della Durium. La Durium Marche Estere ha rilasciato principalmente registrazioni su licenza di artisti stranieri. le due tracce sono estratte dal loro primo LP che si chiama The S.S.O. Orchestra Featuring Douglas Lucas & The Sugar Sisters Tonight’s The Night. Una bella traccia disco miusic anni 70.

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Lato B

Unconditional ‎Russian Groove

Etichetta: Spotsound Records ‎SSR 201005 Formato: Vinile, 12″, 33 ⅓ RPM, 45 RPM Paese: Italia Uscita: 2001 Tracce: Lato A Russian Groove Original Mix Lato B Russian Groove Radio Edit Russian Groove Instrumental Mix. Unconditional sono progetto italiano i membri erano Antonio Romeo, Maurizio Zoffoli conosciuti con molti altri nomi : Dek 31, Dek 32, Dek 33, Nari & Milani, Nerio’s Dubwork, Psycosomatic, Q-Zar, Rob R, Roberto Righi, Stylus Robb, Tabu’, Zydra. Roberto Righi non faceva parte del gruppo ma ha realizzato alcuni mix persenti nei dischi dei Unconditional. Antonio Romeo DJ e produttore discografico italiano conosciuto con il nome Ronnie Milani a prodotto tantissimi dischi tra gli anni 90 e gli anni 2000 e oltre. Maurizio Zoffoli conosciuto come Maurizio Nari anche lui DJ e produttore italiano produttore di tanti dischi tra gli anni 90 e gli anni 2000 e oltre. Il disco e stato stampato dalla Spotsound Records Etichetta commerciale/Trance con sede in Italia e Paesi Bassi. La parte italiana è una controllata di Ala Bianca Group S.r.l., la parte olandese di Ala Bianca Benelux B.V.. Che dire di questo disco ? be e una bella traccia non a livelli di Computer Love e di magic feet suonata da poche radio non a fatto impazzire molti a quei tempi le darei la sufficenza per il fatto che stata prodotta da uno dei tanti gruppi degli anni 90 famosi nel mondo.

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Renato Zero ‎La Coscienza Di Zero

Etichetta: RCA Italiana ‎PL 75220 Formato: 2 × Vinile, LP, Album Paese: Italia Uscita: 1991 Tracce: Lato A Civiltà Nafta È La Pioggia Che Va L’Assassino Regalati Una Sera Lato B No Mamma No Mamma Al Mercato Dell’Usato Lezione Di Vita Due Lato C O Dino O Sauro Al Cinema Eden L’Aquilone Piero Psicomania Il Toro Lato D Sipario Tiratura Tiritera Buon Compleanno Più Insieme. La coscienza di Zero è il sedicesimo album in studio di Renato Zero, pubblicato nel 1991. Con questo album Zero pubblica una raccolta (doppia in vinile, singola in CD) di inediti, scritti tra il 1977 e il 1990, alcuni dei quali rielaborati e riarrangiati. Tra questi, alcune registrazioni di inizio carriera rimaste negli archivi della RCA, la sua prima etichetta discografica: tra le altre, una cover del successo dei Rokes intitolato “È la pioggia che va”, una versione della celeberrima “Mamma” di Cherubini e Bixio, introdotta dalla sua “No! Mamma, no!”, “Al mercato dell’usato”, scritta per Loredana Bertè, che già nel 1982 era stata pubblicata nell’album Lorinedita, concepito alla stessa maniera di questo. “L’aquilone Piero” è dedicata a Piero Ciampi, scritta con Stefano Senesi nel 1990 e presentata dal vivo per la prima volta al Teatro Argentina di Roma in un concerto tributo a Ciampi a dieci anni dalla sua scomparsa. “Buon compleanno”, scritta da Zero e da Roberto Conrado per il «Reuccio» che la incise nel 1982, è qui riproposta in duetto con l’identico arrangiamento originario. L’album, il cui titolo si rifà al romanzo di Italo Svevo La coscienza di Zeno, viene promosso dal singolo “Più insieme”, nella versione breve, priva dell’introduzione parlata che compare invece nel long playing, abbinata a un lato B che non figura sul disco, costituito dalla versione studio, “Chi più chi meno”, fino allora apparso solamente, in versione live, su Icaro nel 1981. Di seguito, la descrizione di ogni brano con i relativi anni di realizzazione: Civiltà (1979): brano che doveva far parte dell’album EroZero, ma che fu poi scartato. Venne proposto durante la tournée La favola di EroZero e, successivamente, durante gli spettacoli Estate a Zerolandia tenuti a Bussoladomani nell’estate 1981. Il titolo iniziale della canzone era Civilità, ovvero l’unione tra le parole “civiltà” e “virilità”; Nafta (1978): doveva far parte dell’album Zerolandia, ma fu poi scartato (probabilmente, per motivi di spazio). Nel 1980, Zero provò ad inserirla nel doppio album Tregua, ma il nastro con la registrazione, che si trovava a casa del Maestro Piero Pintucci, venne rubato e la canzone circolò tra i fan su cassette pirata; È la pioggia che va (1986): cover del brano dei The Rokes incisa da Zero; L’assassino (1977): brano che venne proposto in alcune date del tour Zerofobia e che doveva essere inserito nell’album Zerolandia; Regalati una sera (1985): brano che doveva essere inserito nell’album Soggetti smarriti, pubblicato nel 1986, e che fu poi estromesso; No! Mamma, no!/Mamma (1986): mix tra il brano di Zero e il brano popolare di Beniamino Gigli. Fu eseguito durante una puntata del varietà televisivo condotto da Pippo Baudo Fantastico 7 del 1986; Al mercato dell’usato (1979): brano che doveva essere inserito nell’album EroZero e, successivamente, nel doppio album Tregua. Alla fine, fu inciso da Loredana Bertè e inserito nell’album Lorinedita, pubblicato nel 1983; Lezione di vita (1987): brano che doveva essere inserito nel doppio album Zero e che fu poi scartato; Due (1989): brano che doveva essere inserito nell’album Voyeur, ma che fu poi estromesso (probabilmente, per motivi di spazio); O Dino o Sauro (1987): brano che doveva far parte del doppio album Zero, ma che fu estromesso per motivi di durata; Al cinema (1983): brano inedito inciso e, fino al 1991, mai pubblicato; Eden (1985): brano che doveva far parte dell’album Soggetti smarriti, ma che fu poi scartato; L’aquilone Piero (1990): brano eseguito solo piano e voce dedicato a Piero Ciampi. Fu presentato in una serata dedicata al cantautore livornese al Teatro Argentina di Roma; Psicomania (1977): brano inedito eseguito durante il tour Zerofobia. Doveva essere incluso in Zerolandia, ma fu estromesso per motivi di spazio; Il toro (1985): doveva far parte dell’album Soggetti smarriti, ma fu poi estromesso; Sipario (1983): doveva far parte, probabilmente, del doppio album Via Tagliamento 1965/1970, dato che tra gli autori del brano figura Vili Lakatos, ma fu poi scartato; Tiratura tiritera (1981): brano che doveva essere incluso nel doppio album Artide Antartide, ma che fu poi estromesso; Buon compleanno (1982): brano composto da Zero e da Roberto Conrado per Claudio Villa e dedicato alla figlia di quest’ultimo. Venne inciso dal Reuccio per un 45 giri. Nel 1991, si realizzò un duetto postumo al quale venne aggiunta la voce di Zero; Più insieme (1985): brano che doveva far parte dell’album Soggetti smarriti, ma che poi venne scartato. Il 15 marzo 2019, l’album è stato pubblicato, in versione rimasterizzata, su tutte le piattaforme digitali ed è stato ristampato in versione CD per la collana Mille e uno Zero, edita con TV Sorrisi e Canzoni. nella doppia edizione in vinile, il primo disco contiene i brani 1-10, mentre il secondo include quelli da 11 a 19. Sul sito orrore a 33 giri parla della canzone Al cinema contenuta in questo album che omaggia la città di Roma in maniera scanzonata e divertita. (qui link al articolo sul sito https://www.orrorea33giri.com/renato-zero-al-cinema/) Un disco da avere e da ricercare solo per il fatto che praticamente solo inediti e poi Renato Zero e un artista unico.

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Lato C

Lato D

Carole King ‎You Light Up My Life / Believe In Humanity

Etichetta: A&M Records ‎AM 45048 Formato: Vinile, 7″, 45 RPM Paese: Italia Uscita: 1973 Tracce: Lato A You Light Up My Life Lato B Believe In Humanity. Carole King, nome d’arte di Carol Joan Klein (New York, 9 febbraio 1942), è una cantautrice e compositrice statunitense. Avendo scritto 118 canzoni entrate nella Billboard Hot 100, è la cantautrice di maggior successo della seconda metà del XX secolo. Sessantuno suoi successi sono inoltre entrati nella classifica inglese, rendendola l’artista più presente nell’elenco dei singoli del Regno Unito. Nata da una famiglia ebrea, Carole all’età di 12 anni iniziò a suonare il pianoforte e nella sua scuola, la James Madison High School, formò un quartetto vocale chiamato Co-Sines. Frequentò il Queens College, dove conobbe Neil Sedaka, al quale ispirò Oh, Carol, brano che divenne il suo primo grande successo. Carole King rispose componendo Oh, Neil. Sempre al college ebbe una relazione con Paul Simon, e poi con Gerry Goffin. Con Gerry Goffin si sposò nel 1959 ed ebbe due figlie, anche loro cantanti, Louise Goffin e Sherry Goffin Kondor. I due lavorarono insieme come autori di canzoni, che affidarono principalmente all’interpretazione di gruppi vocali emergenti, come gli Everly Brothers, i Drifters, i Byrds; insieme alla coppia Bacharach – David costituirono il binomio di autori di maggior successo negli anni sessanta, a partire da Will You Love Me Tomorrow, scritta per il gruppo The Shirelles, che arrivò nel 1961 in cima alle classifiche. La costruzione musicale dei successi di Goffin e King si discostava dagli stereotipi dell’epoca. Lo stesso Paul McCartney ha raccontato in più occasioni che i Beatles, agli albori della loro carriera, si ispirarono per il loro stile alle armonizzazioni, tra gli altri, proprio degli Everly brothers. Dopo il divorzio da Goffin nel 1968, e il successivo matrimonio con il bassista Charles Larkey, iniziò un periodo di crisi e di insuccessi per la sua carriera, fino al 1971, anno della pubblicazione di Tapestry. L’album ebbe un immediato successo sia tra il pubblico che tra la critica e fu riconosciuto come uno dei simboli della musica cantautorale statunitense degli anni settanta; con numerosi singoli tratti dall’album, Tapestry rimase nelle classifiche per più di sei anni; solo in America vendette più di 10 milioni di copie e nel mondo circa 22 milioni. Vinse quattro Grammy Awards, e fu posizionato dalla rivista Rolling Stone al 36º posto nella classifica dei 500 migliori album. All’album collaborarono Joni Mitchell e James Taylor, suo grande amico, per il quale scrisse You’ve Got a Friend, il suo primo grande successo. Il singolo It’s Too Late con testo di Toni Stern raggiunge la prima posizione nella Billboard Hot 100 per cinque settimane nel 1971 e vince il Grammy Award alla registrazione dell’anno nel 1972. In seguito pubblicò Music (1971), Rhymes and Reasons (1972) e Wrap Around Joy (1974) che ebbero grande successo anche se mai come Tapestry. Nel 1973 tenne un concerto gratuito al Central Park di New York davanti a circa 100 000 spettatori. Dal 1983 si è impegnata come ambientalista e sostiene il Partito Democratico. Nel 1994 pubblica “In Concert” il primo album dal vivo della sua carriera con ospiti Slash, David Crosby e Graham Nash. Nel 1996 è stato realizzato un film ispirato alla sua vita, Grace of my heart. Ha riscritto la canzone Where You Lead (I Will Follow) per adattarla al telefilm Una mamma per amica, cantandola con la figlia Louise Goffin. È anche apparsa in qualche episodio, nel ruolo della proprietaria del negozio di musica. Nel 2004 ha lanciato il suo tour The Living Room Tour. Nel 2021 è stata inclusa nella Rock and Roll Hall of Fame di Cleveland. Nel 1990, la King fu inserita con Goffin, nella “Rock and Roll Hall of Fame” nella categoria non-esecutori per il suo successo come autrice musicale. Nel 2007, la King fu inserita nella “Long Island Music Hall of Fame”. Nel 2012 è stata inserita la stella col suo nome nella “Hollywood Walk of Fame”. Alla fine degli anni 60 Eumir Deodato compose un brano intitolato Carlota y Carolina dedicato a lei ed a Carly Simon; lo stesso brano con il titolo Carly and Carole veniva poi inserito in una nuova versione leggermente più veloce nell’album Prelude pubblicato dallo stesso nel 1972. Nel 2013 il Presidente Barack Obama le ha conferito il Library of Congress Gershwin Prize for Popular Song. Nel 2015, la King ha ricevuto insieme a George Lucas, Rita Moreno, Seiji Ozawa e Cicely Tyson il 38º premio del Kennedy Center Honors. Nel 2014 a Broadway debutta Beautiful: The Carole King Musical, musical basato sulla vita dell’artista, impersonata da Jessie Mueller. Fantasy è un album in studio della cantautrice statunitense Carole King, pubblicato nel giugno del 1973. Album dove provengono queste due tracce uscite come singoli nello stesso anno. Album si posiziono sesta posizione nella classifica di Billboard 200 nel 1973 in Italia nella classifica Hit Parade Italia del 1973 si posiziono al ventesimo posto. Il singolo You Light Up My Life presente in questo 45 giri nel lato A si posiziono nelle classifiche Adult Contemporary e Billboard Hot 100 del 1973 nella prima al sesto posto e nella seconda al ventottesimo posto. Due bellissimi brani uno lento e uno più ritmato veramente bellissimi.

Lato A

Lato B

Rexanthony ‎Memorabylia The Greatest Hits 1992 – 2008

Etichetta: Hitland ‎SHTL 058 LP Formato: 2 × Vinile, LP, Limited Edition, Compilation Paese: Italia Uscita: 10 Dicembre 2007 Tracce: Lato A Futureshock Capturing Matrix (Rexanthony Technochoir Mix 2003) Infected Krimesquad Cocorico Digital Bach Lato B Kannabis Free For You Marlene This Is A Trip Triturator Triumph Pyramid Power Cocoacceleration Lato C The System Human Decodification The Rapture X Elisa Polaris Dream Switch On Power Lato D Universe Key Technoshock Six Ecstasypills Shock Up The Symbol Morphinespeed. Rexanthony, pseudonimo di Anthony Bartoccetti (Fabriano, 1º settembre 1977), è un musicista e produttore discografico italiano. Rexanthony (Anthony Bartoccetti) nasce in Italia nel 1977 ed è un artista internazionale e produttore discografico. Sin da bambino viene attratto dagli strumenti analogici e nel 1990 inizia a studiare pianoforte classico. La sua prima produzione techno intitolata “Gas Mask” esordisce sul mercato discografico nel 1991 e viene presentata live in esclusiva al Cocoricò di Riccione (all’età di soli 13 anni). Dopo questo disco si susseguono altre produzioni che raggiungono le vette di charts internazionali: i singoli “An.Tho.Ny” e “Gener-Action” (1992/1993) diventano vere e proprie hits in Giappone arrivando ai primi posti delle classifiche nipponiche nazionali (tramite la giapponese Avex Trax) rendendo Rexanthony uno tra gli artisti italiani più popolari in Giappone. Nel 1992 l’artista produce “For You Marlene” (uscita su S.O.B. Records): brano che entra a far parte della storia della scena hard ed uno tra i più suonati in assoluto dai dj’s hardcore di tutto il mondo. “For You Marlene” viene selezionato e inserito in decine di compilation internazionali tra cui quelle della prestigiosa serie “Thunderdome” (gruppo ID&T). Nel 1994 Rexanthony diventa il rappresentante e produttore unico della serie di albums “Techno Shock” (dal vol.4 al vol.10). Le sonorità sperimentali e all’avanguardia di questi album (dall’hardtrance alla jungle, dall’hardcore all’ambient elettronico) hanno contribuito ad far aumentare la visibililtà artistica di Rexanthony in vari Paesi del mondo. L’intera collana “Techno Shock” (tra cd, vinili e musicassette) supera le 200 000 copie vendute e sul territorio italiano diventa di fatto uno tra i progetti techno-sperimentali più popolari a livello di massa. Sempre nel 1994 Rexanthony entra a far parte del team produttivo legato al club Cocoricò di Riccione (senza dubbio il tempio della techno più noto al mondo): grazie a questa collaborazione Rexanthony, con il suo team di produzione Musik Research, realizza gli albums “Cocoricò Two” e “Cocoricò Three”. Quest’ultimo (di genere hard-techno e hardcore) entra nella Top20 ufficiale italiana (fonte TV Sorrisi e Canzoni e FIMI) superando in pochi giorni le 50 000 copie vendute. Dall’album “Cocoricò Three” vengono estratti alcuni singoli quali “The Symbol” (caratterizzato dalla voce di dj Ricci che pronuncia ‘Co-Co-Ri-Cò’), “Cocoacceleration” e “Capturing Matrix”, quest’ultimo diventato uno tra i più grandi successi della storia di Rexanthony: ancora oggi è il brano più suonato nelle playlist remember-memorabilia e sempre presente nelle performance dell’artista… brano che tuttora fa da riempipista in tutte le dancefloor. “Capturing Matrix” entra in almeno 100 compilation mondiali e in Italia raggiunge per diverse settimane il 1ºposto assoluto della Dj Parade di Albertino (Radio Deejay) e di Los Quarenta (Radio Italia Network). Il brano, diventato anche uno tra i più cantati sotto alla piramide del Cocoricò, viene seguito nel 1995 da un follow up (techno/trance) che porta ancora più in alto la popolarità di Rexanthony: “Polaris Dream”. Di questo singolo viene realizzato anche un videoclip con immagini a suo tempo spettacolari realizzate con tecnica 3D, grazie a una joint-venture con la casa produttrice americana del film “Il Tagliaerbe”. Per la prima volta Rexanthony viene trasmesso in heavy rotation anche da MTV Europe e in Italia viene ospitato in quasi tutte le trasmissioni musicali nazionali (gruppo RAI e Mediaset). Nel capodanno 1995 Rexanthony si esibisce in diretta nazionale su Italia 1 in occasione della festa di Radio Deejay, avvenuta al Mediolanum Forum di Assago davanti a 15.000 persone. Negli anni successivi Rexanthony continua a produrre nuovi albums senza seguire un genere musicale ben preciso, ma affidandosi al suo istinto compositivo: “Fine Pleasure” (1997) un album progressive e ambient, “Audax” (1998) di genere elettronico sperimentale con contaminazioni big beat, rock e punk in cui Rexanthony fa largo utilizzo della sua voce. Poi arriva “Hardcorized” (2001): un album tematico rivolto a un pubblico esclusivamente hardcore. “War Robots” (2008) si tratta di un ulteriore progetto sperimentale in cui vengono toccati generi alternativi che vanno dalla psycho/trance, alla minimal-electro. Nel 2010 Rexanthony viene attratto dalle sonorità hardstyle e decide di produrre l’album tematico “Drag Me To Hard”: un ritorno al sound hard che ha riportato il nome di Rexanthony nelle vette delle più autorevoli charts di tendenza, tra cui quella di Hardstyle.com, dove Rexanthony entra con 6 brani in contemporanea nella Top20. Continua il percorso produttivo di Rexanthony nel 2013 con l’uscita di nuovi singoli sempre in area elettronica ma più orientati verso sonorità più mainstream (electro/progressive): “Electronic Generation” (2013), “Introducing Chromosome” (2014) e “Colors” (2015): quest’ultimo caratterizzato da un vocal molto coinvolgente che ha riportato di nuovo Rexanthony ad essere uno tra gli artisti di tendenza più trasmessi in radio: infatti “Colors” raggiunge il 1º posto di diverse emittenti radiofoniche italiane e radioweb internazionali. Nel 2018 iniziano le collaborazioni con altri producers e a inaugurare questa fase sarà il brano “E.D.N.”, un’autentica bomba di genere reverse bass che raggiunge la posizione n.12 della classifica hard-dance di Beatport. Dopo una pausa produttiva di 2 anni in cui Rexanthony è impegnato sia per il rinnovo totale del suo Musik Research Studio (ora denominato 2.0) che per la partecipazione di un intenso club-tour (2018/2019), arriva la fase della pandemia che inevitabilmente stravolge il mondo della movida. Nel 2020 Rexanthony decide di approfittare di questo “reset mondiale” per rientrare in studio e mettere in piedi (insieme al suo manager Valerio Cardone) diversi progetti: primo tra tutti una serie di remix ufficiali della traccia storica “Capturing Matrix” affidando il compito a dj-producer italiani di spessore internazionale tra cui Andrea Ribeca e Joy Kitikonti. Dopo questa release Rexanthony decide di tornare a produrre il sound che lo ha sempre contraddistinto e che i suoi fans hanno amato più di ogni altro: la trance. Sempre nel 2020 esce il singolo “Mission To Mars” e l’anno 2021 viene inaugurato con l’uscita del singolo “Rise Again”, subito amatissimo da tutti i suoi fans nonché supportato dai big italiani e internazionali della trance (tra cui Giuseppe Ottaviani e Mario Più). “Rise Again” è anche il brano che inaugura l’etichetta Resilienza (sub-label della Ozono Records), nata per immetere sul mercato esclusivamente brani trance di alta qualità, label di cui Rexanthony diventa direttore artistico. Nell’Aprile 2021 Rexanthony presenta il nuovo nuovo singolo trance dal titolo “Run For Freedom”, caratterizzato da un beat potente e da sonorità riprese dalla musica classica, decisamente molto coinvolgenti. Io lo sentito più volte suonare in varie discoteche ed e un grande il fatto che in primis sia un musicista lo mette su un gradino più alto rispetto al classico DJ é una persona che a fatto la storia del Cocoricò insieme a gli altri DJ dell’ epoca. Per quanto riguarda questa raccolta di suoi successi unica pecca e il fatto che manchino i suoi primissimi successi per il resto e una bellissima raccolta che oltre tutto e in edizione limitata su LP.

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Pitura Freska ‎’Na Bruta Banda

Etichetta: Psycho Records ZL 75108 Formato: Vinile, LP, Album Paese: Italia Uscita: 1991 Tracce: Lato A ‘Na Bruta Banda The Boss Doc Pin Floi Lato B Marghera Bateo Bea Fia Bienal So Mato Par La Mona. ‘Na bruta banda è il primo album in studio ufficiale del gruppo reggae italiano Pitura Freska, pubblicato nel 1991. Doc fa riferimento all’omonimo programma televisivo, trasmesso in quel periodo dalla Rai 3, condotto da Renzo Arbore, dove gli ospiti si esibivano dal vivo. Il testo denuncia il mancato invito alla trasmissione, dovuto alla loro matrice dialettale. Pin Floi, primo grande successo dei Pitura Freska, è un brano che parla del grande e discusso concerto dei Pink Floyd a Venezia che si tenne durante la festa del Redentore del 1989. La canzone, divenuta una pietra miliare della canzone dialettale veneziana, racconta l’esperienza diretta del cantante Sir Oliver Skardy che non riuscì a raggiungere l’area del concerto a causa della grande confusione e dello sciopero dei trasporti pubblici locali indetto proprio il giorno del concerto. Marghera affronta il tema della liberalizzazione delle droghe leggere (che sarà ripreso da Skardy in Ah mi no so miga nell’album solista Grande Bidello): l’originalità sta nel intersecare questa problematica con quella di tipo ambientale di Marghera, località veneziana di terraferma, sede di un grande petrolchimico; chiaro e riassuntivo il ritornello: Marghera sensa fabriche saria più sana / na giungla de panoce pomodori e marijuana. (trad. “Marghera senza fabbriche sarebbe più sana / una giungla di pannocchie, pomodori e marijuana”) So mato par ea mona è una cover parodistica della canzone di Jovanotti La mia moto; il rapper (ancora legato al cliché disimpegnato dei suoi primi dischi) è visto così come un simbolo piuttosto privo di una certa virilità, come spiega anche l’incipit dove viene citato espressamente: Co sento odor de mona / vado via co la testa / mi no so Jovanoti / so Pitura Freska. Malgrado la grande licenziosità del testo, questo brano risulta essere musicalmente uno degli apici dell’album, con un pregevole assolo di sassofono. Il disco, a sorpresa, riscuote grande successo, vendendo oltre 200 000 copie in Italia. Grande gruppo reggae Italiano oltre il vinile possiedo anche la cassettina di questo album album bellissimo della scena reggae italiana. Vi allego il link al articolo del sito orrore a 33 giri che aggiunge altre informazioni sul gruppo. https://www.orrorea33giri.com/pitura-freska-na-bruta-banda-1991/

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Sam & Dave ‎Don’t Pull Your Love / Jody Ryder Got Killed

Etichetta: Atlantic ‎K 10087 Formato: Vinile, 7″, 45 RPM Paese: Italia Uscita: 1972 Tracce: Lato A Don’t Pull Your Love Lato B Jody Ryder Got Killed. ” Don’t Pull Your Love ” è una canzone scritta da Brian Potter e Dennis Lambert che divenne una delle prime dieci hit nel 1971 per Hamilton, Joe Frank e Reynolds . Si dice che sia stato scritto pensando a Elvis Presley, e registrato per la prima volta (come “Don’t Pull Your Love Out”) nel 1970 da Country Store, un oscuro gruppo prodotto dagli autori della canzone Lambert e Potter, “Don’ t Pull Your Love” era stato opzionato dal vicepresidente A&R della ABC-Dunhill Records Steve Barri per essere registrato dai Grass Roots che Barri produceva da cinque anni: tuttavia i Grass Roots trasmisero la canzone, che Barri ricorda che il gruppo considerava “un po’ leggero”. Joe Frank Carollo ricorderà come lui e i suoi compagni membri della band Dan Hamilton e Tommy Reynolds stavano eseguendo un medley dei Creedence Clearwater Revival all’audizione per la ABC-Dunhill quando Steve Barri fermò il trio per suonare loro il demo di “Don’t Pull Your Love” due o tre volte finché il trio stesso non riuscì a cantarlo per Barri, che di conseguenza arrangiava per Hamilton, Joe Frank e Reynolds per essere firmato per ABC-Dunhill lo stesso giorno. Secondo Steve Barri, Hamilton, Joe Frank e Reynolds stessi hanno suonato sulle tracce di base per le loro sessioni di registrazione, su cui gli arrangiamenti di fiati e archi di Jimmie Haskell sono stati successivamente sovraincisi. I crediti per il loro debutto, che includevano “Don’t Pull Your Love”, intitolato Hamilton, Joe Frank & Reynolds , elenca i membri del gruppo come musicisti ( Dan Hamilton alla voce solista e alla chitarra, Joe Frank Carollo al basso e Tom Reynolds alle tastiere) con crediti aggiuntivi per il batterista Joe Correro Jr. – ex Paul Revere & the Raiders – e il tastierista Larry Knechtel. Sia Correro (cugino di secondo grado di Carollo) che Knechtel erano musicisti di sessione prolifici con Knechtel – che suonava anche il basso – essendo un membro regolare dell’iconica session band di Los Angeles The Wrecking Crew : è stato affermato che la strumentazione di “Don’t Pull Your Love ” era esclusivamente un’opera della Wrecking Crew con il trio relegato solo alla voce, un’accusa che Carollo ha confutato (“eravamo autosufficienti quindi abbiamo praticamente suonato su tutto”), concludendo che solo Knechtel e Correro, come musicisti di sessione, hanno suonato nella sessione “Don’t Pull Your Love Out”. Uno strumentale intitolato “Funk-in-Wagnal”, accreditato ai membri del gruppo, di “Don’t Pull Your Love”. Registrato nel dicembre 1970, “Don’t Pull Your Love” fu pubblicato nell’aprile 1971 e raggiunse il numero 4 della Billboard Hot 100 del 31 luglio 1971, mese per il quale il singolo era stato certificato disco d’oro per un milione di unità vendute ( Billboard ha anche concesso a “Don’t Pull Your Love” il quarto posto nella classifica Easy Listening della rivista). Nella classifica dei primi 100 singoli in Cash Box del 31 luglio 1971, “Don’t Pull Your Love” è stato classificato al numero 1 In Canada, “Don’t Pull Your Love” ha trascorso una settimana al numero uno . La canzone è stata registrata da Sam & Dave nel 1971. La loro versione è stata pubblicata su Atlantic Records nell’ottobre 1971 e ha raggiunto il numero 36 della classifica R&B di Billboard. Può essere trovato su varie raccolte “best of” Sam & Dave attualmente disponibili. Il singolo principale dell’album Bloodline del 1976 di Glen Campbell – prodotto da Dennis Lambert e Brian Potter – era un medley di “Don’t Pull Your Love” con la composizione di John D. Loudermilk ” Then You Can Tell Me Goodbye “. Lambert e Potter erano stati in precedenza responsabili dell’imponente album di ritorno di Campbell nel 1975, Rhinestone Cowboy . “Don’t Pull Your Love” / “Then You Can Tell Me Goodbye” ha avuto molto meno successo di uno dei singoli di Rhinestone Cowboy , il medley ha appena raggiunto la top 30 della Hot 100 di Billboard , ottenendo risultati molto migliori sulla rivista ‘e grafici di facile ascolto . “Don’t Pull Your Love” / “Then You Can Tell Me Goodbye” è stato un grande successo in Canada, raggiungendo il numero 2 della classifica nazionale e il numero 1 della classifica pop. Campbell ha eseguito il medley nel 1977 con Cher al Sonny & Cher Show sulla CBS . Nel 1996, la canzone è stata interpretata dall’attore/cantante inglese Sean Maguire e pubblicata come settimo singolo. E ‘stato il quarto e ultimo singolo dal suo secondo album Spirit e ha raggiunto il numero 14 della UK Singles Chart . “Don’t Pull Your Love” è stato interpretato da Rob Paulsen nel film d’animazione Batman e Harley Quinn ; Paulsen l’ha cantata nei panni degli scagnozzi gemelli Min e Max, che lavorano per Due Facce, in una taverna di scagnozzi che Harley visita con Batman e Nightwing, in cerca di informazioni su Poison Ivy. I Grass Roots che hanno trasmesso la canzone la stavano eseguendo in concerto nel 1996, con la loro versione live intitolata “Don’t Pull Your Love Out on Me Baby” inclusa nell’album del concerto del gruppo del 2000 Live at Last . La canzone è stata registrata anche dai Lettermen (album Love Book / 1971), Sammy Babitzin (come “Kuin Tuhka Tuuleen” album Sammy / 1973): anche un singolo del 1972) e Guys ‘n’ Dolls (album The Good Times / 1976), l’ultimo che ha modificato la canzone in un duetto con la voce solista divisa tra Dominic Grant e Martine Howard. Jimmy Helms ha pubblicato un singolo nel 1975 di “Don’t Pull Your Love”. La seconda traccia e stata inserita in una raccolta che si chiama Sweat ‘n’ Soul: Anthology (1965-1971) di Sam & Dave uscita il 20 luglio 1993 di questa canzone attualmente non esistono informazioni più precise. Due belle canzoni una lenta e una più ritmata da ballare.

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Bob Moore Und Sein Orchester Mexico / Hot Spot

Etichetta: London Records ‎DL 20 452 Formato: Vinile, 7″, 45 RPM, Singolo Paese: Germania Uscita: 1961 Tracce: Lato A Bob Moore And His Orchestra Mexico Lato B Bob Moore His Orchestra And Chorus Hot Spot. Bob Moore ( Nashville , 30 novembre 1932 Nashville , 22 settembre 2021 ) è stato un musicista, direttore d’orchestra e bassista statunitense. Bob Moore è uno dei turnisti più importanti della musica country. Già il 14 ottobre 1949, all’età di diciassette anni, prendeva parte a sessioni di registrazione con il cantante country Little Jimmy Dickens , dal 1 giugno 1955 accompagnava Patsy Cline come contrabbassista in studio di registrazione . Nel 1959 Bob Foster lo assunse come direttore musicale per la sua etichetta discografica Monument Records . Lì, Moore ha creato il suono per i successi di Roy Orbison . Dal 3 giugno 1959 al febbraio 1966 ha anche suonato con loro ed è stato indicato come produttore, capo dell’etichetta Foster come produttore esecutivo. Tra il 1959 e il 1961, Bob Moore poteva essere ascoltato nei migliori successi El Paso ( Marty Robbins ),Teen Angel ( Mark Dinning ), The Three Bells ( The Browns ), I’m Sorry, I Want to Be Wanted (entrambi Brenda Lee), Running Scared (Roy Orbison) e Wooden Heart ( Joe Dowell). È stato anche ascoltato nell’album After the Riot at Newport , che ha pubblicato nel 1960 per la RCA con The Nashville All-Stars (tra cui Boots Randolph , Gary Burton , Hank Garland , Chet Atkins , Brenton Banks , Floyd Cramer.) aveva registrato. È stato anche coinvolto in oltre cento registrazioni di Elvis Presley tra il 10 giugno 1958 e il 19 marzo 1962 , tra cui A Big Hunk O’Love , Stuck on You , It’s Now or Never , Are You Lonesome Tonight? e Surrender . In tutto, Bob Moore è stato coinvolto in oltre 18.000 sessioni di registrazione negli ultimi 30 anni. Altri famosi musicisti di sessione come Chet Atkins (chitarra) o Boots Randolph (sassofono) avevano già pubblicato dischi a proprio nome. Ecco perché Moore decise alla fine degli anni ’60 di reclutare la propria orchestra tra famosi musicisti di sessione country. Ha formato la Bob Moore Orchestra , composta da musicisti di sessione altamente qualificati Harold Bradley e Hank Garland (chitarra), il compositore Boudleaux Bryant (chitarra ritmica), Bob Moore (contrabbasso), Howard Carenter, Lilian Van Hunt e Brenton Banks (violino). per creare il Nashville Sound Floyd Cramer (piano), Marvin Hughes (marimba), Boots Randolph (maracca), Carl Garvin (tromba/clarinetto), William McElhiney (tromba), Buddy Harman (batteria) e Anita Kerr Singers come coro di supporto. Il giorno della registrazione, il 19 giugno 1961, la prima di tre registrazioni fu in Messico , che fu pubblicata come singolo nel luglio 1961. Con questo, Moore ha avuto un successo numero uno anche in Germania. Il singolo ha raggiunto la posizione numero 7 nelle classifiche pop statunitensi. Il disco, composto dall’autore country di successo Boudleaux Bryant , ha venduto due milioni di copie in tutto il mondo, di cui 500.000 solo in Germania, per le quali l’etichetta musicale gli ha assegnato un disco d’oro . Di conseguenza, ha raggiunto la vetta delle classifiche con altri due brani strumentali, Goodbye Marlene e Auf meine Kleinen Hacienda. Nel 1962 ricevette anche il leone di bronzo da Radio Luxembourg e nella classifica annuale BRAVO del 1962 raggiunse il 3° posto. Il suono dei mariachi dell’orchestra è stato successivamente copiato da Herb Alpert e dalla sua Tijuana Brass Band. Fino al settembre 1967, Moore era ancora diverse volte con la sua orchestra in studio di registrazione, ma non poteva ripetere il successo della sua One-Hit-Wonders negli Stati Uniti; in Germania raggiunse nuovamente il numero 29 nel 1964 con Hooten Trumpet . Successivamente Moore ha lavorato di nuovo come musicista in studio z. B. con Carl Perkins , The Four Freshmen , Hank Garland , J.J. Cale , Kenny Rogers , Don McLean o Bob Dylan . Si è anche esibito al Newport Jazz Festival e ha registrato con la Boston Pops Orchestra . La rivista Life lo ha nominato “Il bassista country numero 1 di tutti i tempi” nel numero del 1 settembre 1994. A questo punto si era ritirato da tempo dall’attivo business della musica. R. Stevie Moore , figlio di Bob Moore, è un noto cantante e cantautore negli Stati Uniti , sua figlia Linda Fay Moore era “Miss Tennessee” nel 1977 ed era nella top 10 del “Miss America Pageant”. Era anche un membro di una band country-pop femminile nei primi anni ’80. Prima opera di Bob Moore due tracce interessanti da riscoprire.

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Sandy Coast Blackboard Jungle Lady / Slade My Friend Stan

Etichetta: Polydor ‎AS 250 Formato: Vinile, 7″, 45 RPM, Promo Paese: Italia Uscita: 1973 Tracce: Lato A Sandy Coast Blackboard Jungle Lady Lato AA Slade My Friend Stan. Sandy Coast era un gruppo rock olandese guidato da Hans Vermeulen (1947-2017); ebbero successo alla fine degli anni ’60 e all’inizio degli anni ’70. I più grandi successi della band includono “Just a Friend” e “True Love (That’s a Wonder)” nei Paesi Bassi. Vermeulen formò la band nel 1961 come Sandy Coast Skiffle Group; suo fratello bassista Jan (1945-1999) si unì e su sua insistenza divennero i Sandy Coast Rockers. Il nome fu infine abbreviato in Sandy Coast. Si sono esibiti in centri comunitari e concorsi per talenti; nel 1965 vinsero un contratto discografico con la Negram e pubblicarono il loro singolo di debutto “Being in love”. Il loro quarto singolo, una cover del 1966 di ” We’ll Meet Again ” di Vera Lynn (completamente basato su voci, armonie e arrangiamenti di strumenti nella versione The Byrds del 1965) diede loro il primo assaggio di successo nelle classifiche. ” I see your face again ” dal loro album di debutto And their name is… entro nella top 20 nella primavera del 1968, e presto Sandy Coast scambiò il beat con il rock psichedelico. “Capital punishment”, registrato quando Vermeulen soffrì di un raffreddore, divenne un altro dei primi 20 successi all’inizio del 1969. Lo stesso anno Sandy Coast firmò per Page One ; registrarono tre singoli più il loro terzo album Shipwreck che non ebbe lo stesso successo del suo predecessore From the workshop . L’etichetta si è divisa dopo una lite tra Larry Page e Dick James ; il contratto era ancora valido e Sandy Coast non è stata in grado di pubblicare nuovo materiale per due anni. Nel 1971 firmarono per la Polydor e ha pubblicato “True Love (That’s a Wonder)” e “Just a Friend”. Durante questo periodo la band era composta da cinque elementi completati dal pianista Ron Westerbeek, dal batterista di lunga data Onno Bevoort e dall’ex bassista dei Livin’ Blues Henk Smitskamp (Jan Vermeulen passò temporaneamente alla chitarra ritmica); quest’ultimo partì presto per unirsi a Shocking Blue. Il successo nelle classifiche è continuato con “Just two little creatures” e “Summertrain” nel 1972 e “Blackboard jungle lady” nell’album del 1973. Sarebbe stato il loro ultimo successo per i prossimi due anni quando Sandy Coast si sciolse nel 1974. Bevoort e Westerbeek formarono la band Water ; Vermeulen e suo fratello continuarono in Rainbow Train per il resto del decennio. Ha collaborato con l’allieva Anita Meyer nel suo singolo di debutto da solista nel 1976 “The Alternative Way”, che è diventato un successo numero uno nella classifica olandese Top 40 . Vermeulen continuò a scrivere e produrre per altri artisti. Sandy Coast si sono riuniti il 13 giugno 1980 per l’ Haagse Beatnach , uno spettacolo revival degli anni Sessanta con band dell’Aia e dei luoghi circostanti. Eseguirono una nuova canzone, ” The eyes of Jenny “, che li riportò nelle classifiche nel 1981. Un album, Terreno , seguì con l’inclusione di una versione dal sapore reggae di “Capital Punishment”. Altri successi furono registrati nuovamente per Rendez-vous del 1988 ; la band si esibiva occasionalmente in spettacoli d’oro senza Bevoort. I trionfi di Vermeulen come produttore e cantautore sono continuati fino all’inizio degli anni ’90. Si è trasferito in Thailandia per ricominciare da capo sul retro di “The eyes of Jenny”; è morto improvvisamente nel novembre 2017. Febbraio 2018 ha visto l’uscita di Subject of my thoughts , un cd-box contenente tutti gli album di Sandy Coast e Rainbow Train più tracce non album e gli sforzi solisti di Vermeulen. ” My Friend Stan ” (stilizzata come ” MY FRIEИD STAИ “) è una canzone del gruppo rock britannico Slade , pubblicata nel 1973 come primo singolo dal quarto album in studio della band Old New Borrowed and Blue . È stato scritto dal cantante Noddy Holder e dal bassista Jim Lea e prodotto da Chas Chandler . Ha raggiunto il numero 2 nel Regno Unito, trascorrendo otto settimane in classifica. Il singolo è stato certificato UK Silver da BPI nell’ottobre 1973. “My Friend Stan”, insieme alla compilation Sladest , fu la prima uscita di Slade dopo l’incidente automobilistico quasi fatale del batterista Don Powell nel luglio 1973. L’incidente mise in dubbio il futuro della band, tuttavia Powell sopravvisse e fu presto in grado di unirsi alla band in materiale di registrazione per il loro nuovo album Old New Borrowed and Blue . Una delle prime canzoni ad essere registrate, “My Friend Stan” vedeva Powell ancora camminare con l’aiuto di un bastone. Durante la registrazione doveva essere sollevato sullo sgabello della batteria. “My Friend Stan” è stato rilasciato nel settembre 1973 e ha raggiunto il numero 2 nel Regno Unito. Prima della sua uscita, Polydor ha dovuto importare 100.000 copie del singolo nel Regno Unito a causa dell’elevata richiesta di preordini. Dopo che Lea ebbe inventato la melodia della canzone, il manager della band Chas Chandler lo convinse a completarla dopo aver sentito Lea suonare la melodia sul suo pianoforte di casa. “My Friend Stan” è stato pubblicato su vinile 7″ dalla Polydor Records nel Regno Unito, Irlanda, Europa, Australia, Nuova Zelanda, Sud Africa e Giappone. Il lato B, “My Town”, sarebbe in seguito appare come traccia dell’album su Old New Borrowed e Blue . Un video musicale è stato girato per promuovere il singolo, che è stato registrato agli Olympic Studios di Barnes. Il video ritrae la band che registra la canzone e presenta il chitarrista Dave Hill che usa la sua chitarra Superyob. Nel Regno Unito, la band ha eseguito la canzone nel programma musicale Top of the Pops . In Francia, l’hanno eseguita nello show televisivo Dimanche Salvador . In America, la band ha eseguito la canzone nel programma televisivo Midnight Special nel 1974. Al momento del rilascio, Record Mirror ha detto che la canzone era “un’offerta di Slade molto più lenta” e “davvero piuttosto sommessa”. Hanno concluso che la canzone era un “ovvio numero uno” e “in qualche modo più memorabile di alcuni dei primi furiosi”. Nel 1973, la cantante finlandese Muska registrò una versione della canzone per il suo album omonimo. La canzone si intitola “Ystävättäret”. Nel 1993, la band belga The Romans ha registrato una versione della canzone per il loro album Major Panic . La mia versione e il 45 giri uscito in Italia nel 1973 un 45 giri promozionale che contiene queste due tracce diverse ma bellissime.

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Uriah Heep ‎Stealin’ /Sunshine

Etichetta: Island Records ‎WIP 26172 Formato: Vinile, 7″, 45 RPM Paese: Italia Uscita: 1973 Tracce: Lato A Stealin’ Lato B Sunshine. “Stealin‘” è una canzone del gruppo hard rock britannico Uriah Heep , dal concept album Sweet Freedom . La canzone è stata scritta da Ken Hensley e ha raggiunto lo status di disco d’oro in Nuova Zelanda . Il lato B della canzone è “Sunshine”. La canzone Stealin arrivo su Billboard Hot 100 al 91 posto nella classifica. Bellissima la voce di David Byron in entrambe le canzoni un 45 giri da riscoprire.

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Alice Cooper ‎Teenage Lament ’74 / Working Up A Sweat

Etichetta: Warner Bros. Records ‎K 16344 Formato: Vinile, 7″, 45 RPM, Jukebox Paese: Italia Uscita: 1973 Nota: Edizione Speciale per Juke Box, fuori commercio. Tracce: Lato A Teenage Lament ’74 Lato B Working Up A Sweat. ” Teenage Lament ’74 ” è una canzone di Alice Cooper . È stato pubblicato nell’album Muscle of Love ed è stato scritto da Cooper e Neal Smith . La canzone ha raggiunto il numero 12 della UK Singles Chart nel 1974. La canzone ha anche raggiunto il numero 16 della classifica irlandese, la #43 della Media Control Chart tedesca, la #48 della Billboard Hot 100, e #89 della classifica ARIA australiana. La canzone è stata prodotta da Jack Douglas e Jack Richardson. Teenage Lament ‘74, e una canzone dai toni più spensierati e nella quale figura come special guest anche la cantante statunitense Liza Minnelli a fare da sfondo alla voce di Cooper. I Big Country hanno pubblicato una versione della canzone nel loro album di cover del 2001, Under Cover. Tyla ha pubblicato una versione della canzone nell’album tributo del 1993, Welcome to Our Nightmare: A Tribute to Alice Cooper. ‎Working Up A Sweat anche lei è contenuta nell’ album Muscle of Love il brano e un classico rock’n’roll brano il cui ritornello entra facilmente in testa. Due belle tracce il particolare di questo vinile e il fatto che e una edizione speciale Juke Box e fuori commercio.

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Lato B

Gigi D’Agostino ‎L’Amour Toujours

Etichetta: NoiseMaker ‎Noisemaker 027, Media Records ‎Noisemaker 027, NoiseMaker ‎NM 027 Formato: 2 × Vinili, 12″, EP Paese: Italia Uscita: 2001 Nota: Traccia B “Un Giorno Credi Gigidagostino.com” è una cover di “Edoardo Bennato Un Giorno Credi”. Le voci cantate non sono tratte dall’originale ma da una versione successiva di Bennato. Il rilascio viene fornito in una custodia apribile. Contiene un libretto di 10 pagine pieno di immagini. Tracce: Lato A L’Amour Toujours L’Amour Vision Lato B Un Giorno Credi Gigidagostino.com Lato C L’Amour Toujours Gigidagostino.com Lato D Musikakeparla. L’amour toujours (I’ll Fly with You) è una canzone del 2000 di genere Italo dance di Gigi D’Agostino. Brano tra i più popolari e famosi, è diventato hit e tormentone mondiale dance dei primi anni 2000. La canzone L’amour toujours è stata scritta da Gigi D’Agostino, Diego Leoni, Carlo Montagner e Paolo Sandrini e pubblicata come primo singolo estratto dall’album L’amour toujours. Il successivo singolo, con il remix del brano, ottiene un enorme successo in tutta Europa, arrivando alle vette delle classifiche di Paesi Bassi e Danimarca, e riuscendo ad entrare nella top ten di Austria, Belgio ed Italia. In seguito il brano è stato oggetto di numerose opere di remixaggio di altri artisti, come quelle di Scott Brown, dei Wasted Penguinz che ne hanno fatto un bootleg Hardstyle o di DJ Sammy e di una cover acustica ad opera di Sagi Rei, nel 2015 Dzeko & Torres hanno rilasciato su etichetta Spinnin’ Records la loro versione del brano modificata da Tiësto. Il titolo francese L’amour toujours significa L’amore (per) sempre. Nel 2000 il dj realizza due album, Tecno fes e Tecno fes volume 2 che contengono due versioni diverse della canzone: nel primo la canzone prende il nome de L’amour toujours (Tanzen Vision rmx). Nel 2001 escono in un unico album le versioni L’amour Toujours (L’amour Vision) e L’Amour Toujours (gigidagostino.com). Nell’album del 2004 L’amour toujours II il dj ne ha pubblicato una versione sottotitolata I Wish Real Peace. Nell’album del 2008 Suono libero è compresa una versione chiamata Forte Forte. Nel 2015 D’Agostino propone la versione chiamata Infinite Prospettive Mix. Il 25 dicembre 2017, in occasione del Natale, esce la versione denominata Happy Christmas. Una nuova versione chiamata Gigi Dag Radio Mix arriva nell’Agosto 2019 all’interno dell’album Gigi D’Agostino Collection, Vol.1. Nel 2019 viene scelta come colonna sonora per i titoli di coda del film Diamanti grezzi diretto da Josh e Benny Safdie. In occasione del video musicale prodotto per promuovere il singolo, visto anche il successo commerciale, è stata scelta la versione remixata (denominata Small Mix) invece dell’album version. Il video di L’amour toujours consiste semplicemente in un collage di immagini tratte da alcune esibizioni dal vivo di Gigi D’Agostino. Nel 2006, l’artista israeliano Sagi Rei ha inciso una propria versione acustica e melodica di L’amour toujours per il suo album di esordio Emotional Songs, da cui il brano è stato poi estratto come primo singolo. Nel 2015, infine, il duo Dzeko & Torres, in collaborazione con la cantante canadese Delaney Jane, ne pubblicarono una copia tramite Musical Freedom, etichetta discografica affiliata alla Spinnin’ Records. Nel 2017 Alex Christensen ha scritto e registrato una cover arrangiata per orchestra. Nel 2020 il violinista Maxim Distefano registra una cover per l’occasione remixata da due Dj molto noti in ambito nazionale ed internazionale quali Silvio Carrano e Marcel, edizioni New Music International, con l’apporto vocale di M-Violet, inserita nella compilation Pro latino 135 edita da DMC, DMCPL135. La versione di L’amour toujours di Sagi Rei si discosta notevolmente dall’originale, e si contraddistingue per essere diventata una ballad romantica, interpretata soltanto da voce e chitarra acustica. Il brano, passato pressoché inosservato alla sua prima pubblicazione, ottiene un enorme successo nel 2009, quando viene scelto come accompagnamento musicale della campagna pubblicitaria televisiva di Intimissimi, che dona al brano un’enorme popolarità. Conseguentemente L’amour toujours è entrato nella classifica dei singoli più scaricati in Italia alla posizione numero 18 il 30 aprile 2009, per poi salire sino alla sesta la settimana successiva. Quando usci allora io ero un ragazzino ne rimasi rapito brano unico che ancora oggi a distanza di 20 anni ti fa ballare e saltare come allora. Pultroppo mi manca il libricino che era contenuto al interno con le foto e il foglietto con i titoli delle tracce.

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Madonna ‎Like A Prayer

Etichetta: Sire ‎ WX 239, Sire ‎925 844-1 Formato: Vinile, LP, Album, Paese: UK & Europe Uscita: 21 Marzo 1989 Tracce: Lato A Like A Prayer Express Yourself Love Song Till Death Do Us Part Promise To Try Lato B Cherish Dear Jessie Oh Father Keep It Together Spanish Eyes Act Of Contrition. Like a Prayer è il quarto album in studio della cantante statunitense Madonna, pubblicato nel 1989 dalla Sire Records. Madonna lavorò sull’album con Stephen Bray, Patrick Leonard e Prince, mentre coscrisse e coprodusse tutte le canzoni. La cantante descrisse l’album come una raccolta di canzoni “su mia madre, mio padre e legami con la mia famiglia”. L’album è dedicato a sua madre, che morì quando era giovane. Il 1988 fu un anno tranquillo nel campo delle registrazioni per Madonna. Nella sua vita, invece, molte cose cambiarono. Il matrimonio tra la cantante e l’attore statunitense Sean Penn naufragò, lei compì trent’anni, la stessa età che aveva la madre quando morì, inoltre i suoi lavori da attrice ricevettero solo commenti negativi. Questo portò ad un tumulto emotivo e ad un periodo di profonde riflessioni, soprattutto riguardo alla morte della madre e alla sua fede cattolica. Con questo disco l’artista cambiò la sua immagine, mostrandosi con un look più maturo e sobrio, sfoggiando capelli bruni, in netta contrapposizione con il look usato nel precedente album, True Blue, uscito tre anni prima. L’album utilizza strumenti dal vivo e incorpora elementi dance, funk, gospel e soul in uno stile pop più generale. Madonna attinse alla sua educazione cattolica a partire dalla traccia che dà il titolo all’album, che fu anche pubblicata come primo singolo. I testi riguardano i temi dell’infanzia e dell’adolescenza di Madonna, come la morte di sua madre in Promise to Try, l’importanza della famiglia in Keep It Together e il suo rapporto con suo padre in Oh Father. La popstar predica anche l'”empowerment” femminile in Express Yourself. Like a Prayer ricevette il plauso della critica, con Rolling Stone che lo descrisse come “più vicina all’arte di quanto la musica pop abbia mai fatto”. Commercialmente ebbe un successo internazionale, raggiungendo la vetta delle classifiche in più paesi e fu certificato quadruplo disco di platino negli Stati Uniti dalla Recording Industry Association of America. Dall’album furono estratti sei singoli: Like a Prayer, Express Yourself, Cherish, Oh Father, Dear Jessie e Keep It Together. La title track divenne il settimo successo numero uno di Madonna nella classifica generale di Billboard, mentre Express Yourself e Cherish raggiunsero il picco al numero due e Keep It Together divenne uno dei primi dieci successi. In tutto il mondo, l’album vendette oltre 15 milioni di copie. Con i video musicali di accompagnamento dei singoli Madonna promosse la sua creatività e divenne nota come figura di spicco nel formato. Il video musicale di Like a Prayer scatenò molte polemiche per l’uso dell’iconografia cattolica, come stimmate e croci in fiamme, mescolata alle immagini di un sogno di fare l’amore con un santo, portando il Vaticano a emettere una condanna. Il disco fu seguito dal rivoluzionario Blond Ambition Tour. Alla fine degli anni Ottanta fu nominata “Artist of the Decade” da diverse pubblicazioni. Madonna descrisse questo album come una collezione di canzoni che riguardano “mia madre, mio padre e i miei legami familiari. Ho avuto molto coraggio nel produrlo […] emotivamente è stato per me un vero disco di formazione, ho dovuto cercare molto dentro di me, e l’album riflette proprio questo. Non ho provato affatto ad addolcire nulla, ho semplicemente scritto quello che sentivo in quel momento.” Il 1988 è stato un anno tranquillo sul fronte della registrazione per Madonna. In seguito alla mancanza di successo critico e commerciale del suo film del 1987 Who’s That Girl, ha recitato nella produzione di Broadway “Speed-the-Plough”. Tuttavia, le recensioni sfavorevoli ancora una volta le hanno causato disagio. Il suo matrimonio con l’attore Sean Penn è terminato e la coppia ha chiesto il divorzio nel gennaio 1989. Madonna aveva anche compiuto 30 anni, un anno rimosso dall’età in cui sua madre era morta, e quindi la cantante ha vissuto più tumulti emotivi. Ha commentato per il numero di maggio 1989 di Interview che la sua educazione cattolica ha sempre suscitato in lei un senso di colpa: Perché nel cattolicesimo sei un peccatore nato e sei un peccatore per tutta la vita. Non importa come cerchi di allontanartene, il peccato è sempre dentro di te. Era questa paura che mi perseguitava; mi scherniva e mi faceva male in ogni momento. La mia musica è stata probabilmente l’unica distrazione che ho avuto. È arrivata alla conclusione che, mentre lei e i suoi fan stavano crescendo, era giunto il momento per lei di allontanarsi dall’appello dei teenager per un pubblico più vasto, e incassare la longevità del mercato degli album. Sentendo il bisogno di provare qualcosa di diverso, Madonna voleva che il suono del suo nuovo album indicasse ciò che poteva essere popolare nel mondo della musica.< Per le idee liriche della traccia che dà il titolo all’album, ha scelto argomenti che fino a quel momento erano stati meditazioni personali mai condivise con il pubblico in generale; ha detto alla rivista SongTalk “In passato ho scritto molte canzoni che [hanno rivelato il mio io interiore], ma ho sentito che erano troppo oneste o troppo spaventose e ho deciso di non registrarle”. Decise di adottare un approccio più adulto e sofisticato; pensierosa, passò al setaccio i suoi diari e diari personali e iniziò a considerare le sue opzioni. Ha ricordato: “Che cosa volevo dire? Volevo che l’album e la canzone parlassero con le cose nella mia mente. È stato un periodo complesso della mia vita.” Aveva in mente alcune cose, inclusa lei relazione travagliata con suo marito, l’attore Sean Penn, la sua famiglia, sua madre perduta e persino la sua fede in Dio. Like a Prayer prende il nome dall’influenza del cattolicesimo sulla prima infanzia di Madonna e sulle sue lotte con la religione; “Il tema del cattolicesimo imperversa”, ha affermato. “Sono io alle prese con il mistero e la magia che lo circonda. Il mio cattolicesimo è costantemente sconvolto.” Le sessioni di registrazione si sono svolte dal settembre 1988 al gennaio 1989. Il 27 gennaio 1989, un comunicato stampa di The Albany Herald affermava che l’album includeva “una serie di brani dance”, ma osservava che “gran parte del materiale […] ha un tono personale”. La cantante lo descrisse come una raccolta di canzoni “su mia madre, mio padre e legami con la mia famiglia. […] C’è voluto un sacco di coraggio per farlo”. Ha anche detto che fino ad oggi sarebbe stato il suo lavoro “più diverso”; “È stato un vero record di maturità per me emotivamente, ho dovuto fare molta ricerca nell’anima e penso che sia un riflesso di quel […] che non ho provato a rivestire di caramelle o renderlo più appetibile per il consumo di massa, ho scritto quello che ho sentito “. Ha detto alla rivista Rolling Stone “In passato, i miei dischi tendevano ad essere un riflesso delle influenze attuali. Questo album parla più delle influenze musicali passate”.. Ha scelto di collaborare con Stephen Bray e Patrick Leonard, con i quali aveva collaborato al suo precedente album in studio True Blue (1986) e alla colonna sonora Who’s That Girl (1987). Sia Bray che Leonard volevano portare il loro stile unico nel progetto e hanno sviluppato musica completamente diversa per la title track. Alla fine, Madonna sentì che la musica che le era stata presentata da Leonard era più interessante e iniziò a lavorare con lui. Secondo la cantante, Leonard stava anche affrontando un tumulto emotivo; “Lavoravo con Pat, che era anche in uno stato mentale molto oscuro, e lavoravamo in un posto molto isolato nella Valle”. Il 6 gennaio 1989, a seguito di una dichiarazione di divorzio annullata alla fine del 1987 e di numerosi combattimenti pubblicizzati, uno dei quali portò a una pena detentiva di 60 giorni, Madonna e Sean Penn presentarono domanda di divorzio. Il resto delle canzoni sono state scritte entro due settimane; con “Like a Prayer”, “Cherish” e “Spanish Eyes” scritti nella prima settimana. Secondo Leonard, “abbiamo scritto una canzone al giorno e non le abbiamo cambiate. E spesso la voce che ha fatto è stata la voce principale, non abbiamo nemmeno cambiato la voce principale. Ecco. Ha cantato. È stato fatto “. Leonard dice, sul lavorare con Madonna in Like a Prayer: Cominciava a scrivere testi e spesso c’era una melodia implicita. Avrebbe iniziato con quello e si sarebbe discostato da esso. O se non ci fosse altro che un cambio di accordo, avrebbe inventato una melodia. Ma, molte volte nella mia scrittura c’è una melodia implicita o ho anche qualcosa in mente. Ma di certo non ne ha bisogno. […] Avrebbe scritto i testi entro un’ora, lo stesso tempo che mi ci è voluto per scrivere la musica, e poi l’avrebbe cantata. Facevamo alcune armonie, cantava alcune parti di armonia, e di solito alle tre o alle quattro del pomeriggio, se ne va. L’artista Prince ha suonato la chitarra in tre brani dell’album Like a Prayer, Keep It Together e Act of Contrition, anche se è rimasto non accreditato. Prince e Madonna hanno anche lavorato insieme sulla traccia “Love Song”. La canzone è stata registrata al Prince’s Studio di Paisley Park; “Siamo stati amici e abbiamo parlato di lavorare insieme, quindi sono andata a Minneapolis per scrivere alcune cose con lui, ma l’unica cosa che ho davvero scavato era ‘Love Song’ […] Abbiamo finito per scriverlo a distanza, perché io doveva essere a Los Angeles e non poteva lasciare Minneapolis, e francamente non sopportavo Minneapolis. Quando ci andai, era come 20 gradi sotto lo zero, ed era davvero desolato. Era miserabile e non potevo scrivere o lavorare in quelle circostanze “, ricorda Madonna. Per la grafica, la cantante ha scelto di lavorare con il fotografo Herb Ritts. Inizialmente, le foto della sessione con Ritts dovevano anche essere usate per l’imballaggio del singolo principale. Per il servizio fotografico, decise di tingere i capelli biondi di castano; ha commentato “Adoro i capelli biondi, ma fa davvero qualcosa di diverso per te. Mi sento più radicata quando ho i capelli scuri. È inspiegabile. Mi sento anche più italiana quando i miei capelli sono scuri”. La copertina presenta un primo piano del ventre nudo della cantante, che indossa un paio di jeans. La copertina è stata vista come un riferimento a Sticky Fingers dei The Rolling Stones. Le confezioni delle prime stampe di CD, cassette e LP sono state profumate con oli di patchouli per simulare l’incenso della chiesa. Un pubblicista della Warner Bros. Records ha rivelato che questa era stata l’idea della cantante; “Voleva creare un sapore degli anni ’60 e della chiesa. Voleva creare una sensazione sensuale che si potesse sentire e annusare”. Le prime pressioni includevano anche un inserto con linee guida sul sesso sicuro e un avvertimento sui pericoli dell’AIDS, per cui Madonna aveva perso degli amici. La sua inclusione fu decisa dopo che Warner Bros. aveva acconsentito a pubblicare un album del comico Sam Kinison l’anno prima, sebbene avesse affermato che l’AIDS proveniva da uomini gay coinvolti nella bestialità. Madonna ha dedicato l’album a “Mia madre, che mi ha insegnato a pregare”. La canzone che apre il disco è Like a Prayer, che è la prima canzone scritta da Madonna per l’album. La cantante la descrive come la canzone di una ragazza appassionata “così innamorata di Dio, tanto da rappresentare quasi l’unica figura maschile della sua vita”. Si tratta di una canzone pop rock con influenze della musica gospel. Il ritornello contiene voci di sottofondo che accrescono la natura spirituale della canzone, mentre la chitarra rock mantiene il suono oscuro e misterioso. Express Yourself parla del rifiuto dei piaceri materiali attraverso l’accettazione di quel che è più giusto per se stessi. Attraverso tutto il testo è possibile rintracciare un ricco sottotesto, che rimanda anche all’acquisizione del potere da parte delle donne. Madonna affermò che la canzone è un tributo alla Sly & the Family Stone. La terza canzone Love Song, è un duetto con il cantante Prince; una strofa della canzone verrà poi utilizzata di nuovo da Madonna nel brano Hung Up, pubblicato nel 2005. La canzone è stata co-prodotta da entrambi i cantanti. La presenza di Prince nel disco comunque è costante, il cantante suona, infatti, la chitarra elettrica in Like a Prayer, Keep It Together e Act of Contrition. Till Death Do Us Part, che inizialmente era intitolata “State of Matrimony” è una ballata inquieta che parla della dissoluzione del matrimonio tra Madonna e Sean Penn Il testo descrive un matrimonio distrutto dall’alcolismo, da violenti scontri e da un marito possessivo. La canzone che segue, Promise to try Madonna la dedica alla madre. Il disco stesso è, comunque, dedicato alla madre, morta di cancro quando la cantante aveva solo cinque anni. In una parte della canzone la cantante si chiede se la madre “riesce a sentire la mia voce di notte quando la chiamo?”. Più avanti un adulto sembra ammonire una bambina dicendo: “bambina, non dimenticare il suo volto/ non lasciare che il ricordo giochi con la tua mente/ lei è un sorriso sbiadito, congelato dal tempo”. La sesta traccia del disco è Cherish che ruota attorno ai temi dell’amore e delle relazioni amorose, attraverso il richiamo della tragedia di William Shakespeare Romeo e Giulietta. Nel testo della canzone Madonna parla della devozione nei confronti del proprio uomo e del desiderio di averlo sempre al proprio fianco. “ Like a Prayer riguarda l’influenza del cattolicesimo nella mia vita e la passione che provoca in me. In queste canzoni ho a che fare con questioni specifiche che significano molto per me. un’assimilazione di esperienze che ho avuto nella mia vita e nelle mie relazioni. Ho preso più rischi con questo album di quanto non abbia mai fatto prima, e penso che la crescita mostri.” A Cherish segue Dear Jessie, che secondo Rikky Rooksby suona più come una ninnananna che come una canzone pop. Nella canzone si incoraggia una bambina, Jessie appunto, ad usare l’immaginazione. Nella canzone si rintraccia un paesaggio psichedelico con elefanti rosa che vagano con lune che danzano e sirene. La canzone Oh Father parla della presenza di figure maschili autoritarie nella vita di Madonna, in particolare la cantante fa riferimento al suo rapporto con il padre, Tony Ciccone Secondo Randy Taraborrelli, attraverso Till Death Do Us Part, Promise To Try e Oh Father Madonna ha cercato di “liberarsi di alcuni demoni personali”. Keep It Together riguarda l’importanza di tenere unita la famiglia. Commentando la canzone, Madonna ha affermato che la sua famiglia le ha sempre permesso di avere stabilità nella propria vita. La canzone Spanish Eyes probabilmente “affronta il problema (ancora taboo a quel tempo) dell’AIDS. La canzone che chiude il disco è Act of Contriction che vede Madonna recitare la preghiera cattolica Atto di dolore, alla fine la canzone sfocia in un monologo in cui Madonna si arrabbia perché a lei è negata la prenotazione ad un ristorante. Tutti i singoli estratti (tranne Dear Jessie) sono stati inseriti nel Blond Ambition Tour. Soltanto due di essi però saranno inseriti in altri tour della cantante: Express Yourself è uno dei brani della cantante più ripetutamente eseguito durante i suoi tour, viene infatti inserita nelle scalette del Girlie Show, del Re-Invention Tour, del MDNA Tour e del Madame X Tour, in una versione a cappella; anche Like a Prayer viene interpretata durante il Re-Invention Tour, inoltre compare nella scaletta dello Sticky & Sweet Tour (in una versione dance, contenente un campionamento di Feels like home di Meck e per l’occasione chiamata Like a Prayer 2008), dell’MDNA Tour e del Madame X Tour. Like a Prayer arrivò al primo posto in classifica pressoché ovunque. Negli Stati Uniti divenne il terzo album di Madonna ad arrivare alla prima posizione della Billboard 200, venendo certificato con 4 dischi di platino corrispondenti a 4 milioni di copie vendute (ad oggi le vendite sono arrivate a 5.2 milioni). Anche nel Regno Unito il successo fu grande, arrivando al primo posto in classifica e venendo certificato con 4 dischi di platino. Attualmente l’album ha venduto 1 270 000 copie nel paese. Ad oggi l’album ha venduto 15 milioni di copie nel mondo. Sul libero Rolling Stone i 500 migliori album di ogni tempo inserisce il disco alla 234° posizione e ne parla cosi : “Mi piace la sfida di mescolare arte e commercio”, disse Madonna a Rolling Stone. Il riconoscimento artistico arrivò con la sua serie di canzoni più personali, da “Till Death Do Us Part” a “Oh Father”; il commercio fu garantito con “Express Yourself” e la stessa “Like Prayer”, il cui video fece parlare il Vaticano di blasfemia. Che dire e l’ album più conosciuto di Madonna e quello che all’ epoca e arrivato hai primi posti in classifica in tutto il mondo, album dove la cantante tratta argomenti molto personali e maturi rispetto ai album precedenti da avere nella propria collezione di dischi.

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The Beatles ‎Magical Mystery Tour

Etichetta: Parlophone ‎MMT-1 Formato: 2 × Vinili, 7″, EP, Mono Paese: UK Uscita: 1967 Tracce: Lato A Magical Mystery Tour Your Mother Should Know Lato B I Am The Walrus Lato C The Fool On The Hill Flying Lato D Blue Jay Way. Magical Mystery Tour è un doppio extended play a 45 giri del gruppo musicale britannico The Beatles pubblicato nel 1967; negli Stati Uniti venne pubblicato come long playing a 33 giri aggiungendovi brani provenienti da alcuni singoli. Le canzoni presenti fanno parte della colonna sonora dell’omonimo film, trasmesso nel Regno Unito nello stesso anno. Il film fu un insuccesso, al punto che negli Stati Uniti la trasmissione del lungometraggio prevista per il weekend pasquale del 1968 fu annullata. La colonna sonora fu pubblicata prima negli Stati Uniti come long playing il 27 novembre 1967 e poi in Gran Bretagna come doppio EP a 45 giri l’8 dicembre 1967. Al contrario del film, l’album ebbe un grande successo. Fu nominato al Grammy Award come miglior album nel 1968, e salì nelle prime posizioni delle classifiche di vendita di gran parte del mondo (negli USA restò in prima posizione per 8 settimane consecutive). La versione pubblicata in Europa comprende solo brani inediti utilizzati come colonna sonora del film: oltre alla title track e al brano immediatamente successivo, The Fool on the Hill di McCartney, compaiono Flying, uno dei rarissimi pezzi strumentali della discografia del gruppo e l’unico firmato da tutti e quattro i membri, Blue Jay Way, un brano melanconico, quasi ossessivo, di Harrison, che fa da contrasto con la melodia spensierata del successivo Your Mother Should Know (McCartney). Probabilmente il pezzo più famoso e apprezzato di questo gruppo di brani è I Am the Walrus di John Lennon, uno dei pezzi più d’avanguardia dei Beatles: vicino alle atmosfere del futuro acid rock, fu registrato con una piccola orchestra e con la voce distorta e doppiata di Lennon. Il testo è un susseguirsi di immagini psichedeliche e passaggi nonsense alla Lewis Carroll. La versione pubblicata negli Stati Uniti comprende nella prima faccia del disco la colonna sonora del film, mentre la seconda è una raccolta di singoli ancora inediti negli U.S.A.: le canzoni sul lato B provengono da singoli del periodo che non erano ancora stati pubblicati su album; per rispettare i tempi della pubblicazione dell’opera, la Capitol Records utilizzò una tecnica di produzione (duofonica) che simulava la stereofonia su nastri monofonici nelle ultime tre canzoni, invece di aspettare i nastri stereo. Questa scelta insolita rappresentò un elemento di innovazione e sperimentazione nell’industria discografica. Fra i brani più celebri del disco ce ne sono due notoriamente autobiografici, Strawberry Fields Forever di Lennon e Penny Lane di McCartney. I due brani erano già stati pubblicati nella prima metà dell’anno in un unico singolo, composto da “due lati A“. Le altre canzoni del lato due comprendono Hello Goodbye, utilizzata anche per i titoli di coda del film, Baby You’re a Rich Man e in seguito riutilizzata nel film d’animazione Yellow Submarine, e All You Need Is Love, probabilmente uno dei brani più famosi della discografia dei Beatles. Quest’ultimo brano, trasmesso in diretta mondiale il 25 giugno 1967, può essere letto come l’inizio dell’impegno pacifista di John Lennon, e divenne poi uno degli inni della Summer of Love del 1967 e della filosofia hippy. Dall’album è rimasta esclusa la composizione strumentale Shirley’s Wild Accordion, destinata in origine a far parte della scaletta dei brani ma relegata poi nel sottofondo di alcune scene del film. L’11 aprile 1967, durante un volo intercontinentale che lo riportava in patria da Denver, Colorado – dove aveva festeggiato il compleanno di Jane Asher –, Paul elaborò l’idea di una nuova produzione cinematografica innovativa rispetto ai precedenti A Hard Day’s Night e Help!. Terminata l’avventura musicale di Sgt Pepper, Paul temeva che il gruppo si potesse sfilacciare e perciò concepì un nuovo progetto per serrare le file. Progetto che subì un’accelerazione – sempre sotto l’impulso di McCartney – dopo la morte del manager Brian Epstein. Dalla trasferta oltreoceano il Beatle aveva appreso di Ken Kesey, scrittore ed esponente della controcultura americana, che a bordo di un autobus dipinto con colori psichedelici era andato in giro per il continente assieme ai Merry Pranksters, come si chiamava il gruppo dei suoi seguaci; e si era ispirato a The Freewheeling Adventures of Ken Kesey’s Merry Pranksters contenute nel libro di Tom Wolfe The Electric Kool-Aid Acid Test. A questo spunto Paul collegò il suo ricordo di ragazzino quando sul litorale assisteva alla partenza dei mystery tours, gite in pullman della durata di un giorno delle quali i partecipanti non conoscevano il percorso né la destinazione, e da ciò discendeva il nome. Il successivo 25 aprile, Paul McCartney si presentò agli studi di Abbey Road con un motivo appena abbozzato. Furono fatte diverse prove, venne registrata una base ancora incerta, e una incursione nella nastroteca degli effetti speciali fornì il rumore di traffico che venne successivamente convertito in un loop e montato di in sede di mixaggio. Paul e John perfezionarono il pezzo riandando ai loro ricordi di quando frequentavano le fiere e inserendo versi allusivi che si ricollegano ad altri richiami (il Magical Mystery Tour inteso come un trip in acido che “is dying to take you away”, secondo Paul un riferimento al Libro tibetano dei morti), il giorno dopo ci fu la sovraincisione del basso di Paul e delle percussioni di Neil Aspinall e Mal Evans, e il 27 fu finalmente la volta della linea melodica, registrata variando la velocità. La ballata trae spunto dall’esperienza di Paul McCartney – autore del brano – con Marijke Koger, un’artista olandese che assieme al fidanzato Simon Posthuma e all’amica Josje Leeger aveva uno laboratorio di design chiamato «the Fool», studio che di lì a poco sarebbe stato incaricato di allestire il negozio della Apple al 94 di Baker Street e affrescarne i muri esterni, oltre a occuparsi del design di alcuni manufatti. In quel periodo la Koger era solita predire a McCartney il futuro per mezzo dei tarocchi, e nelle sedute di cartomanzia spesso ricorreva la figura del Matto (Fool in inglese) che la donna interpretava come sinonimo di semplicità. Paul dichiarò anche di essersi genericamente ispirato a una figura ascetica – quale poteva essere il Maharishi – suggestionato da una storia che parlava di un eremita rimasto in una grotta in territorio italiano per tutto il periodo della Seconda guerra mondiale. Il testo fa chiaramente risaltare l’emarginazione del personaggio, postosi al di fuori delle convenzioni sociali e per questo ostracizzato e ripiegato in se stesso. Dopo aver composto la canzone al piano nella casa del padre Jim a Liverpool, il 6 settembre Paul incise in solitudine un suggestivo nastro dimostrativo del pezzo, accompagnando la voce con il pianoforte. Il successivo appuntamento ebbe luogo il 25 settembre, con la registrazione di altri tre nastri e la sovraincisione sull’ultimo delle parti di flauto dolce suonato da Paul, ottenendo un prodotto ancora lontano dalle sonorità levigate del risultato finale. Il giorno dopo vi furono altre registrazioni di piano, chitarra acustica, batteria e un’altra linea vocalica che confluirono nel definitivo nastro numero sei sul quale il 20 ottobre tre flautisti sovraincisero la rifinitura del pezzo. I Beatles, specie nei primissimi tempi, eseguivano durante i loro concerti brani interamente strumentali. Fra questi, cover di Apache degli Shadows, di Harry Lime (tema del film Il terzo uomo) e di Three Thirty Blues di Duane Eddy, pezzi che non ci sono stati trasmessi nella discografia ufficiale dell’epoca. Oltre a un’incisione del 1960 intitolata Cayenne, gli unici altri due che ci rimangono sono Cry for a Shadow, eseguito ad Amburgo nel 1961, e uno scorrevole blues dal titolo 12-Bar Original che risaliva al 1965, inciso al tempo delle registrazioni di Rubber Soul e che era piuttosto inconsueto per la produzione dell’epoca dei Beatles; tutti rimasti inediti durante la carriera del gruppo e pubblicati su CD dopo ben oltre vent’anni. Flying è perciò l’unica composizione strumentale – ma sarebbe più corretto parlare di un pezzo senza liriche, dato che voci salmodianti sono presenti in otto battute centrali – inserita in un album dei Beatles. Si tratta del primo brano accreditato a tutti e quattro i musicisti, che ricalca uno schema blues di dodici battute in cui spicca il mellotron suonato da Lennon e sottoposto a effetti di varispeed. La prima registrazione di quella che era provvisoriamente intitolata Aerial Tour Instrumental (o altrove annotato come Ariel Tour Instrumental) avvenne l’8 settembre, e sul sesto nastro con la base ritmica e tre organi inseriti al contrario furono effettuate sovraincisioni di tastiere e del mellotron sul registro del trombone suonato da Lennon che esegue la linea melodica, più le voci dei quattro. Alcune sovraincisioni minori furono effettuate dopo venti giorni. Blue Jay Way era l’indirizzo di una villa di Hollywood, sopra il Sunset Boulevard, dove aveva trovato alloggio George Harrison appena giunto a Los Angeles assieme a Pattie Boyd e Neil Aspinall. I tre avevano appuntamento con Derek Taylor, ex capo ufficio stampa dei Beatles e al momento immerso nel mondo musicale californiano; e poiché Taylor aveva telefonato di essere in forte ritardo, George si avvicinò all’organo Hammond che si trovava nella stanza e compose una canzone il cui testo parlava appunto della situazione contingente. Harrison gioca con l’invocazione “don’t be long” (“non fare tardi” ) che nell’inglese parlato può anche suonare “don’t belong” (“non appartenere” [al mondo delle convenzioni]). Qualcuno ha voluto interpretare il verso “And my friends have lost their way” (“E i miei amici hanno smarrito la strada”) come il rimpianto per una generazione che aveva perduto le coordinate. Il 6 settembre fu inciso un primo nastro con la base ritmica e una linea di organo Hammond suonato da George. Il giorno dopo, la seduta notturna iniziata alle 7 di sera e proseguita fino a oltre le 3 di mattina vide il gruppo concentrato solo su Blue Jay Way che – con il forte coinvolgimento di George – fu trattata con svariati effetti sonori, caricata di ADT e arricchita di nastri strumentali e corali montati e fatti scorrere alla rovescia. Dopo un mese, il nastro numero tre ottenuto il 7 settembre venne rifinito aggiungendovi le sovraincisioni di tamburello e di violoncello. Fu una riunione di famiglia tenuta nella casa londinese di Cavendish Avenue a ispirare a Paul McCartney la composizione di Your Mother Should Know. E l’atmosfera familiare contribuì a tratteggiare un motivo che, come in When I’m Sixty-four, richiama il sapore da vaudeville della musica che Jim McCartney – il padre di Paul – eseguiva assieme alla propria banda. In seguito, Paul dichiarò esplicitamente la propria contrarietà alle fratture generazionali e in Your Mother Should Know volle rappresentare un legame col padre nelle armonie e nelle sonorità, mentre nel titolo e nel testo un vincolo con la madre. Le prime registrazioni del pezzo avvennero il 22 e il 23 agosto fuori dagli spazi consueti di Abbey Road, ai Chappell Recording Studios di Maddox Street, dove il sistema di incisione di quella sala attraverso un nastro di dimensioni e di velocità diverse da quelli usati ad Abbey Road provocò in seguito problemi di riversaggio ai tecnici EMI. Il 16 di settembre, di nuovo fra le mura amiche, Paul riprovò il pezzo appesantendolo con un rullante di impronta militaresca, ma gli undici nastri continuavano a non convincerlo. Così, il 29 settembre, venne ripresa la nona versione del 23 agosto e si procedette alla sovraincisione dell’organo suonato da John e dal basso di Paul, ultimando la canzone pur incompleta del middle eight. Alla seduta del 23 agosto presenziò Brian Epstein, di malumore e giù di corda; fu l’ultima volta che il manager vide il gruppo in azione prima della sua morte, arrivata poi quattro giorni dopo. I Am the Walrus è ritenuto dalla critica il vertice compositivo che Lennon non avrebbe mai più raggiunto e lo stesso John annovera la composizione fra le sue creazioni preferite. Il motivo iniziale basato su due note che si ripetono alternandosi prese forma un giorno in cui, a Kenwood, Lennon sentì una macchina della polizia che passava lì vicino a sirene spiegate, come in un “lamento primordiale”. Il Walrus del titolo proviene dalla poesia Il Tricheco e il Falegname, tratta da Alice oltre lo specchio di Lewis Carroll, autore letterario particolarmente amato da Lennon, e il testo del brano è il prodotto del genio surreale di John che, secondo Pete Shotton, ebbe la scintilla creativa dopo aver saputo che presso l’Istituto che frequentava da ragazzo, la Quarry Bank High School di Liverpool, era in uso nei corsi di lingua inglese far studiare i testi dei Beatles. John rivide i propri giorni adolescenziali e rivisse le dolorose frustrazioni (“I’m crying…”) di studente sottostimato dai professori. Perciò volle provocatoriamente mettere assieme un guazzabuglio lessicale per irridere i seriosi insegnanti che a suo giudizio avevano ingiustamente decretato il suo insuccesso scolastico. Da questo punto di partenza, ispirandosi anche al testo delle strofe centrali di Desolation Row di Bob Dylan, John si lanciò in un turbinio di parole inventate e con riferimenti fra gli altri ad Allen Ginsberg (“the elementary penguin”), Eric Burdon (“the Eggman”), i suoi insegnanti di scuola (“expert texpert”) celati in immagini allucinate indotte dall’LSD; ed estese la critica corrosiva alle convenzioni, alla società e alle istituzioni che risposero appigliandosi ai versi “boy you been a naughty girl, you let your knickers down” (“Però, sei stata una bimba sporcacciona, ti sei calata le mutande”) per bandire il pezzo dalla BBC. E non stupisce che in quel groviglio di liriche George Harrison avesse trovato il proprio mantra che lo avrebbe accompagnato l’anno successivo nel ritiro indiano di Rishikesh. I primi sedici nastri di I Am the Walrus comprendevano la base ritmica e un mellotron. Ma non fu che l’inizio di ulteriori aggiunte e strati sonori che avrebbero contribuito a creare una delle composizioni più avvincenti e suggestive del gruppo. Il giorno dopo, 6 settembre, il nastro sedici ricevette le sovraincisioni della voce di Lennon, oltre che quelle di basso e batteria. Nella seduta successiva del 27 settembre furono sovraincisi otto violini, quattro violoncelli, tre corni e un clarinetto, che suonarono seguendo quello che viene considerato il migliore arrangiamento di George Martin per un pezzo dei Beatles, e vennero registrate e inserite le voci dei Mike Sammes Singers – autori l’anno successivo delle parti corali di Good Night – che si produssero in una performance entusiasmante di vocalizzi eccentrici e sconclusionati “oh” e “umpah”, una seduta che in seguito Paul McCartney ricordò come un’esperienza trascinante. Ascoltando il risultato finale, Martin stesso si disse compiaciuto di quello che definì «un brano di “caos organizzato”». Il 29 settembre, in fase di mixaggio, a John capitò casualmente di sintonizzarsi sul Terzo Programma della BBC che trasmetteva il Re Lear di Shakespeare, nella parte dell’atto IV, scena vi, in cui dialogano Gloucester, Edgar ed Edmund. Lennon aveva appreso da Paul l’utilizzo che John Cage faceva di brani radiofonici montati a formare composizioni musicali, quindi non si lasciò sfuggire questa casualità e il frammento shakespeariano venne mantenuto su nastro e montato assieme al resto. Il film Magical Mystery Tour fu oggetto di stroncature da parte di quasi tutta la stampa inglese. Il Guardian si distinse dal resto della critica e, commentando in particolare il brano musicale, scrisse che «I Am the Walrus aveva una disperata poesia per la quale sarà ricordato, proprio come una più antica disperazione viene ricordata tramite Charlie Chaplin». Paul, nato il 18 giugno, si ispirò alla dualità del suo segno zodiacale (gemelli) e alla dicotomia che emerse in sede di composizione quando l’autore duettò con l’assistente dei Beatles Alistair Taylor proponendogli una serie di termini e chiedendo a Taylor di cantarne in risposta i contrari (Bianco-nero, sì-no, buono-cattivo). Con questo metodo, Paul compose una canzone orecchiabile e dal testo scarno, ma musicalmente complessa, specialmente nell’intreccio dei cori. Il brano (originariamente intitolato Hello Hello), impiegato sui titoli di coda del film Magical Mystery Tour, richiese cinque sedute di registrazione e assunse il titolo Hello Goodbye soltanto nell’ultima. La prima seduta si svolse il 2 ottobre, con l’incisione di quattordici nastri della base ritmica che già contenevano il “finale Maori” improvvisato in studio e che consisteva nell’ultimo verso “hela, hey aloha”; il 19 vide l’aggiunta del basso di Paul e i cori di John e George; il 20, due viole vennero registrate e sovraincise; il 25 altri quattro nastri e infine il 2 novembre una seconda linea di basso e i mixaggi. È un tuffo nella memoria quello di John che evoca Strawberry Field, l’ostello dell’Esercito della Salvezza a Woolton, Liverpool, sito in un edificio vittoriano e adibito a orfanotrofio dove zia Mimi conduceva John in occasione della festa annuale nel parco. L’edificio era circondato da un vasto giardino meta dei giochi adolescenziali di Lennon assieme agli amici Nigel Whalley, Ivan Vaughan e Pete Shotton. Come ricorda Paul, il parco era protetto da «un muro che si poteva scavalcare ed era un giardino piuttosto selvaggio, non affatto curato, perciò era facile nascondersi. Quello in cui lui andava era un giardino segreto […]. Per lui era un nascondiglio dove magari andava a fumare, a perdersi nei suoi sogni, quindi era una fuga. Era un rifugio per John». Strawberry Fields Forever fu composta da John in Spagna, durante la lavorazione del film How I Won the War, e costituì una fra le poche composizioni che l’autore considerò “personali” e “sincere” e fra i suoi pezzi migliori, definendo il processo creativo e il prodotto ottenuto «una seduta psicoanalitica in musica». La critica ne esalta «la qualità onirica, […] un’allucinazione, un trip in un giardino sospeso nella memoria» e lo consacra come «una delle più grandi canzoni rock d’ogni tempo». Originariamente avrebbe dovuto far parte dell’affresco di ricordi di Sergeant Pepper’s Lonely Hearts Club Band, ma la EMI pressava per un singolo e così Strawberry Fields Forever venne pubblicata con Penny Lane di McCartney, altra escursione nel passato adolescenziale dei Beatles. Un 45 giri con due brani di altissima levatura che tuttavia – a differenza dei dodici singoli precedenti – mancò di raggiungere la vetta delle classifiche inglesi. La registrazione di Strawberry Fields Forever fu particolarmente elaborata e si resero necessarie ben quarantacinque ore in studio (più altre dieci per i mixaggi e i montaggi). Ma prima dell’incisione, John volle eseguire il pezzo accompagnandosi con la chitarra acustica a beneficio di George Martin che rimase estasiato dell’esecuzione. Il primo nastro venne inciso il 24 novembre 1966; sono già presenti il mellotron vellutato sul registro dei flauti suonato da Paul, la batteria di Ringo, la slide guitar di George, la voce raddoppiata di John e un suono rotondo di chitarra. Le due successive sedute furono impiegate per aggiungere altre parti di batteria, il basso di Paul e le maracas e inserire anche la voce di Lennon trattata con l’ADT, fermando la versione migliore sul nastro 7. Trascorsero più di dieci giorni, e Lennon manifestò l’esigenza di un rifacimento del brano utilizzando il supporto di altri strumenti. La base ritmica venne rifatta con pesanti aggiunte di batteria di Ringo, e su di essa venne sovraincisa una partitura di George Martin per quattro trombe e tre violoncelli ottenendo nel nastro 26 una versione sovraccarica che si era man mano allontanata dalla leggerezza del primo take. Fu allora che Lennon, dichiarando la propria piena soddisfazione per entrambe le versioni (la prima, lieve e ariosa, e quella orchestrale, pesante e cupa, che si era andata via via caricando di effetti sonori), chiese a Martin e ai tecnici di montarle assieme, metà dell’una e il resto dell’altra. La richiesta di congiungere due registrazioni con un semitono di differenza e realizzate a differenti velocità era ai limiti del possibile, e George Martin – coadiuvato dal tecnico Geoff Emerick – dovette dare fondo a tutta la propria perizia con la strumentazione tecnica, in particolare col varispeed, per portare alla stessa tonalità e velocità i nastri 7 e 26. Il lavoro di Martin ebbe un insperato successo. A un ascolto attento, però, la cucitura si percepisce. Così avverte Lewisohn: «La giunzione può essere trovata esattamente 60 secondi dopo l’inizio della canzone pubblicata, in coda a uno dei versi “let me take you down”. Ma la cercherete a vostro rischio e pericolo: se la sentirete una volta, è possibile che la canzone per voi non sia mai più la stessa». Strawberry Fields Forever fornì un’altra tessera al mosaico della morte di Paul McCartney. Secondo i sostenitori della teoria, sulla coda della canzone si sentirebbe la voce di John dire “I buried Paul” (”Ho sepolto Paul”). Le versioni alternative della canzone, tra cui quella pubblicata su The Beatles Anthology, provano che John dice in realtà «cranberry sauce» (“succo di ossicocco”). Penny Lane, metafora della semplicità adolescenziale, in tema di ricordi d’infanzia fa da contrappunto a Strawberry Fields Forever, ma tanto quest’ultima è cupa, quanto è squillante e luminosa Penny Lane sia nelle armonie che nel testo. Paul ne parla come di «nostalgia per un posto che è un gran posto, azzurri cieli suburbani come noi li ricordiamo» e vide il musicista fare riferimento a precise situazioni reali come il barbiere Bioletti, la banca ad angolo, la pensilina in mezzo alla rotonda di Smithdown Place, la caserma dei pompieri lì vicino, in Allerton Road. Così come sono invece visionarie altre immagini, fra cui il pompiere con la clessidra, il banchiere e soprattutto l’infermiera che vende papaveri e crede di essere in una rappresentazione teatrale (che fa rima col ”Nothing is real” di Strawberry Fields Forever). Per rendere più intimo il ricordo, Paul volle anche inserire quel “Finger pie” chiaro riferimento sessuale ed espressione familiare agli abitanti di Liverpool. Penny Lane era già stata citata nella prima stesura di In My Life – altra composizione della memoria – e il pezzo avrebbe dovuto trovare spazio nella tessitura di Sgt Pepper, ma subì la identica sorte di Strawberry Fields Forever. La registrazione occupò parecchie sedute e la prima, quella del 29 dicembre, fu dedicata all’accurata incisione delle linee di pianoforte e di armonium. A quella seguirono altre otto sedute a cavallo fra dicembre 1966 e gennaio 1967. Le piste vennero via via riempite di linee vocaliche, chitarre, pianoforti, armonium, battimani, flauti, trombe, piccolo, oboi, corni inglesi, un contrabbasso, un flicorno, la campana del pompiere e altri effetti, fino alla rifinitura conclusiva, l’assolo barocco centrale di tromba eseguito sulla falsariga del Secondo Concerto Brandeburghese di Bach da un professionista della New Philharmonia, David Mason, che nella seduta serale del 17 gennaio suonò seguendo la melodia indicatagli man mano da McCartney e immediatamente trascritta sul pentagramma da George Martin. Destinato a essere il lato B del singolo All You Need Is Love, il brano appare, nel titolo e nelle liriche, un’esaltazione dell’agiatezza finanziaria. Si trattava invece di un primo passo verso una dimensione spirituale poiché, come spiegò George Harrison, il testo intendeva esprimere l’irrilevanza dei beni materiali in rapporto a una sfera trascendente. Musicalmente, Baby You’re a Rich Man ricalca gli schemi compositivi di A Day in the Life. Lennon aveva un motivo incompiuto, One of the Beautiful People, termine con cui si indicava la generazione hippy dai liberi costumi. Paul, d’altro canto, aveva scritto un ritornello a proposito della ricchezza, Baby you’re a rich man…. Come nella traccia finale di Sgt Pepper, i due frammenti si incastrarono a formare un’unica canzone. Ma, a differenza della finitezza di A Day in the Life, in cui le due sezioni di Lennon incorporano compiutamente la parte di McCartney, qui manca una struttura armonica ben costruita e i due segmenti separati si alternano senza «suggerire un senso di sviluppo o di sollievo.» La registrazione del pezzo richiese la sola seduta dell’11 maggio 1967. Di nuovo in trasferta lontani da Abbey Road (come nel caso di Your Mother Should Know), i Beatles si riunirono questa volta agli Olympic Sound Studios di Londra registrando dodici nastri. Pare che il “Rich man” potesse essere Brian Epstein, date le ciniche storpiature del ritornello vocale eseguite da John e pare anche che fosse presente e probabilmente attivo nella registrazione dei cori Mick Jagger. Sul piano strumentale, emerge il “clavioline”, tastiera suonata da John e il cui suono, imitando l’oboe orientale – l’indiano shenhai e l’arabo nay –, fornì al pezzo sonorità dal sapore esotico. Chiusura trionfale con un inno all’amore teletrasmesso in mondovisione. La BBC aveva scelto i Beatles per rappresentare la Gran Bretagna in un programma in diretta, “Our World”, che avrebbe raggiunto i cinque continenti e centinaia di milioni di spettatori, e per una chiara fruizione venne chiesto al gruppo di elaborare un motivo orecchiabile e dal messaggio facilmente accessibile. Era un compito adatto a John Lennon, grande consumatore di TV e soprattutto di comunicati commerciali, meglio ancora se in forma di slogan e jingle pubblicitari. Le telecamere della BBC avrebbero avuto il compito di inquadrare il gruppo mentre incideva il nuovo singolo. Ma tutti alla EMI ben sapevano che erano tramontati i tempi della registrazione in un solo take e che nel 1967 erano necessari strati di incisioni e continui riversaggi e sovraincisioni. Perciò inizialmente venne predisposta la base ritmica, e dopo le prime prove la canzone cominciò a prendere forma. Quando si trattò di decidere la dissolvenza del motivo, George Martin ricevette carta bianca dai quattro musicisti, e il produttore cucì insieme segmenti di melodie folk, jazz e barocche che avrebbero sfumato il pezzo suonato dal vivo dal gruppo. Le registrazioni iniziarono il 14 giugno, e già nel primo dei trentatré nastri di quel giorno si imponeva in apertura l’inno francese. Si incise a ripetizione per altri quattro giorni aggiungendo alla base cori, un’orchestra, violini e mixando e sovraincidendo tutto fino a creare una composizione che esordisce con le note della Marsigliese e che ha in coda schegge di In the Mood di Glenn Miller, frammenti di Greensleeves e dei Concerti brandeburghesi di Bach e l’autocitazione del verso “She loves you yeah, yeah, yeah”. Il culmine fu raggiunto il 25 giugno, giorno della trasmissione che raggiunse 350 milioni di spettatori, quando l’evento che si svolgeva nello Studio Uno di Abbey Road si era trasformato in un happening di sapore psichedelico, con la partecipazione attiva di un’intera orchestra e alla presenza di personaggi illustri del panorama musicale inglese – fra i quali Mick Jagger, Keith Moon, Keith Richards, Marianne Faithfull, Graham Nash, Eric Clapton, oltre a Pattie Harrison e Jane Asher – che si unirono alle voci del coro finale. All You Need Is Love si inserì perfettamente nell’atmosfera del tempo catturando gli impulsi e i sogni della Summer of Love e divenendo a buon diritto l’inno del Flower Power e della generazione hippy. Io possiedo la versione doppio EP a 45 giri uscito 8 dicembre 1967 in UK copia monofonica una vera chicca da collezione per i collezionisti di vinili in generale e per i fan dei Beatles.

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Digital Rockers ‎I Believe

Etichetta: Liquid Sound ‎L57 Formato: Vinile, 12″ Paese: Italia Uscita: 2003 Tracce: Lato A I Believe Club Version I Believe Master Blaster Remix Lato B I Believe DJ Cosmo Remix I Believe Pulsedriver Remix. Digital Rockers è un progetto dance composto da due dj tedeschi (DJ Shorty e Dee-Nay). Insieme al loro buon amico Mark ‘Oh (noto per la canzone “Tears don’t lie”), i DG hanno presentato il loro primo singolo “Because I love you” di Stevie B. Di DJ Dee-Nay non si sa quasi nulla di lui a parte che a partecipato a questo progetto dance. Di DJ Shorty anche lui non si sa quasi nulla a parte che a partecipato a questo progetto dance. Mark ‘Oh alias Marko Albrecht nato a Dorsten, 23 giugno 1970 e un DJ musicista e produttore discografico tedesco, dal 1989, lavora nei club tedeschi Groove Club (Gelsenkirchen) e Cosmic Club (Münster). Fa spettacoli dal vivo dal 1993. Conosciuto soprattutto per la hit Tears Don’t Lie. Simon Frenzel Produttore televisivo e musicale dalla Germania e stato produttore del progetto. Il disco e stato prodotto dalla Liquid Sound sotto etichetta della Do It Yourself Entertainment. Un bel vinile per gli amanti della Mash-up e della trance tedesca.

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Madonna ‎Who’s That Girl Original Motion Picture Soundtrack

Etichetta: Sire ‎92 5611-1 Formato: Vinile, LP, Album Paese: Italia Uscita: 1987 Tracce: Lato A Madonna Who’s That Girl Madonna Causing A Commotion Madonna The Look Of Love Duncan Faure 24 Hours Club Nouveau Step By Step Lato B Michael Davidson Turn It Up Scritti Politti Best Thing Ever Madonna Can’t Stop Coati Mundi El Coco Loco (So So Bad). Who’s That Girl – Original Motion Picture Soundtrack è la colonna sonora, pubblicata il 21 luglio 1987 per l’etichetta discografica Sire Records, del film Who’s That Girl, parzialmente interpretata dalla cantautrice statunitense Madonna. Nell’album sono contenute quattro canzoni di Madonna che è anche la protagonista del film: i tre singoli Who’s That Girl, Causing a Commotion e The Look of Love e la canzone Can’t Stop. Le canzoni di Madonna contenute nell’album furono presentate dal vivo nell’Who’s That Girl Tour del 1987, che toccò l’Italia con date allo stadio comunale di Firenze e allo stadio comunale di Torino. Il concerto di quest’ultima data fu trasmesso in diretta su Rai 1 e fu seguito da oltre 14 milioni di persone solo sul territorio nazionale. Nell’occasione la popstar incontrò alcuni suoi parenti italiani (zii, nonni e cugini) che risiedevano nella città di origine del padre. Possessive Love (Madonna, Patrick Leonard, Jai Winding) – la canzone fu registrata durante le sessioni dell’album Who’s That Girl ma poi esclusa. Il demo cantato da Madonna è rimasto inedito ma nel 1988 la traccia fu ceduta alla cantante Marilyn Martin (corista di Madonna nel brano Cherish), che la incise per il suo album This Is Serious del 1988. First Was a Kiss (Madonna, Stephen Bray) – brano inciso da Madonna ma mai pubblicato. In un’intervista del 1989 per il magazine Bravo, Madonna conferma l’esistenza di questa canzone che ha come tema la perdita dei suoi amici a causa dell’AIDS. Love Attack (Madonna, Stephen Bray) – brano inciso da Madonna ma mai pubblicato. Il disco ha raggiunto in classifica il secondo posto in Italia e Francia, ed il settimo posto negli USA. La cosa fu sbalorditiva sia per Madonna che per i suoi produttori perché il film fu un fiasco al botteghino, a differenza dell’Italia, e la colonna sonora vendette ben 6.000.000 copie. Un vinile da avere per chi all’ epoca a visto il film.

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B-1 Feat. Maverick ‎Indian Summer

Etichetta: Art Records ‎ART 802-02 Formato: Vinile, 12″ Paese: Italia Uscita: 02 Aprile 2002 Tracce: Lato A Indian Summer Solero Mix Indian Summer Radio Mix Lato B Indian Summer Whistle Mix Indian Summer Clock Mix Indian Summer Whipped Mix. B-1 alias Luca Piazzon produttore italiano di Euro House/Italodance a partecipato a vari gruppi/progetti musicali come Gheysha,Logic All Cable,Simple-Es. Maverick alias Marco Sfratato progetto italodance a partecipato a vari gruppi/progetti musicali come Angels Never Cry,Deeper X,Gheysha,Logic All Cable,Simple-Es. Prodotto dalla Art Records Commercializzato e distribuito da Discomagic spa. sui vinili Spesso stampato come: @RT record Sottoetichetta della Dancework S.r.l. Casa discografica ed editore italiana fondata nel 1993 da Fabrizio Gatto e Claudio Ridolfi. Il loro studio è Dancework Studios. Include voci date come: Dancework / Dancework Srl Ed. Dancework / Edizioni Dancework Dancework Ed. Mus. / Dancework Edizioni Musicali. Fabrizio Gatto Produttore italiano e proprietario dell’etichetta. È stato uno dei titolari di Dancework S.r.l. e Musicola s.r.l.. Il suo nome d’ arte è Wondercat a partecipato a vari gruppi/progetti musicali come African Business,Cat Gang,Doctor’s Cat,Hi Power,Implantation,Martinelli, Nikita,Raggio Di Luna,Simple-Es,Sneeckers. Claudio Ridolfi DJ, produttore e proprietario di etichetta italiana. È stato uno dei fondatori di Musicola s.r.l. e Dancework S.r.l.. Nel 2008 ha fondato Attiva. Suo nome d’ arte è Beatmaker. Claudio Ridolfi ha iniziato a occuparsi di musica da molto tempo, prima come dj radiofonico e disco poi come specialista di musica presso l’importatore e distributore di dischi Discotto in Italia. Entra a far parte del distributore Non Stop nel 1982 e contribuisce a formare l’etichetta Many records nel 1983 partecipando alla produzione di Clubhouse “Do It Again / Billy Jean”, “Owner Of A Lonely Heart / Thriller”. Nel frattempo molti dischi pubblicano anche Silver Pozzoli “Around My Dream”, “Rap Folie” di Marcel Fobert, “Cenerentola” di Martinelli, “Mirage” di Scotch e Finzy Kontini “Cha Cha Cha” e molti altri. Claudio si è divertito a remixare brani come “I,C love affair” di Gaznevada che ha lanciato il gruppo indie rock Gaznevada nella scena dance/pop. Infine ha formato e gestito, all’interno di Non Stop e con il suo nuovo socio Fabrizio Gatto, la sua prima casa discografica, la Musicola. Musicola ha avuto alcune etichette di successo come Beat Club che ha pubblicato successi di A.S.H.A. “J.J.Ttribute”, Rozalla, Bit Max, JT Company, African Business, Chimo Bayo, High Power ecc. Musicola ha anche gestito il progetto FPI e li ha lanciati nel 1989 con il loro grande successo “Rich In Paradise / Going Back To My Roots”. Purtroppo a causa dei problemi finanziari occorsi al Distributore e azionista di riferimento Non Stop, Musicola si fermò nel 1992. Dopo quasi un anno sabbatico Claudio e il suo compagno fondarono un’altra casa discografica, la Dancework. Sultana “Te Amo”, “Everybody Gonfi-Gon” di Two Cowboys, Nikita “Eterna, Divina”, M.Pilato & M. Monti “Gam Gam” “Clap Clap”, “All I Need Is Love” di Indiana, “ Sunshine After The Rain” di New Atlantic, “Africa” di Dynamic Base, “Nightmare”, “Benedictus” di Brainbug sono alcuni dei successi pubblicati da Dancework fino al 2001 quando Claudio lascia l’azienda e fonda una nuova casa editrice, Attiva sas. Musicola s.r.l. Casa discografica ed editore italiana fondata nel 1989 e gestita anche da Claudio Ridolfi e Fabrizio Gatto all’interno di Non Stop. A causa di problemi finanziari occorsi a Non Stop S.p.A., loro distributore e azionista di riferimento, Musicola S.r.l. cessata nel 1992. L’anno successivo Dancework S.r.l. è stata formata da Ridolfi e Gatto. La Non Stop S.p.A. Distributore italiano chiuso nel 1992 per bancarotta. Attiva fondata nel 2008. Che dire un vinili che molti si ricordano per il ba ba ba iniziale che ci ha fatto ballare in quei primi anni del 2000.

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Madonna ‎True Blue

Etichetta: Sire ‎92 5442-1, Sire ‎92 5442-1 DE LUXE Formato: Vinile, LP, Album Paese: Italia Uscita: 1986 Tracce: Lato A Papa Don’t Preach Open Your Heart White Heat Live To Tell Lato B Where’s The Party True Blue La Isla Bonita Jimmy Jimmy Love Makes The World Go Round. True Blue è il terzo album discografico della cantante statunitense Madonna, pubblicato il 30 giugno del 1986 dall’etichetta discografica Sire Records. Madonna partecipò alla produzione dell’intero album, collaborando con Stephen Bray e Patrick Leonard. In True Blue la cantante rivela le sue idee sull’amore e sul suo lavoro, e parla dei suoi sogni e delle sue delusioni. Il disco è dedicato a Sean Penn, l’allora suo marito: “This is dedicated to my husband, the coolest guy in the universe”. Da un punto di vista musicale, le canzoni presentano un orientamento diverso rispetto ai lavori precedenti, incorporando anche la musica classica, con l’obiettivo dichiarato di voler coinvolgere un pubblico più maturo, che fino a quel momento era stato finora scettico sulla sua musica. Per la prima volta Madonna scrisse e coprodusse ogni brano. Anche il look di Madonna cambiò, diventando più sobrio e curato. Le immagini di Herb Ritts che appaiono sulla copertina sono un omaggio ai classici glamour hollywoodiani, come Jean Harlow, Grace Kelly e Marilyn Monroe. Nell’album sono utilizzati diversi strumenti, tra cui la chitarra elettrica, la batteria, i sintetizzatori e strumenti cubani. I temi affrontati vanno dall’amore alla libertà passando per questioni sociali come, nel caso di Papa Don’t Preach, il tema della gravidanza adolescenziale. True Blue fu un successo globale, raggiungendo il vertice delle classifiche in 28 paesi in tutto il mondo, tra cui Australia, Canada, Francia, Germania, Regno Unito e Stati Uniti. L’album fu il più venduto del 1986 ed è considerato l’album di un’artista femminile più venduto degli anni Ottanta, con oltre 25 milioni di copie vendute in tutto il mondo. Inoltre, True Blue rimane uno degli album più venduti di tutti i tempi. Tutti e cinque i singoli estratti raggiunsero le prime cinque posizioni della classifica generale di Billboard, con Live to Tell, Papa Don’t Preach e Open Your Heart (Madonna) che si piazzarono alla posizione numero uno della classifica. Dopo la pubblicazione, il disco ottenne pareri positivi da parte della critica, che elogiò Madonna anche per le sue doti di cantautrice e di artista. A scopo promozionale, Madonna decise di intraprendere un secondo tour, il Who’s That Girl Tour, che toccò le principali città del Nord America, dell’Europa e dell’Asia nel 1987. True Blue è l’album che rese Madonna una delle artiste femminili più famose di tutti i tempi, facendola rivaleggiare con artisti maschili come Michael Jackson e Prince. Le canzoni estratte dall’album scatenarono dibattiti tra gli studiosi e i gruppi sociali. Proprio per questo Madonna ricevette il “Video Vanguard Award” agli MTV Video Music Awards del 1986, come riconoscimento al suo impatto sulla cultura popolare. Grazie a questo album, l’artista apparse per la prima volta nel libro dei Guinness dei primati. Il 6 marzo 1986, ai Kensington Roof Gardens di Londra, durante una conferenza stampa per Shanghai Surprise, Madonna confermò che stava lavorando a un nuovo album chiamato Live to Tell, che sarebbe poi cambiato in True Blue. Ha collaborato con Stephen Bray, che aveva lavorato alla precedente Like a Virgin, e con il direttore musicale di The Virgin Tour, Patrick Leonard. “Ero giù nel seminterrato con questi amici idioti, lavorando su una melodia”, ha ricordato Leonard nel 1992. “Le piaceva. E quello ha finito per essere una delle tracce di True Blue.” Madonna ha scritto o co-scritto ogni canzone, sebbene il suo coinvolgimento in quelli come Papa Don’t Preach e Open Your Heart fosse limitato all’aggiunta di testi. È stata anche attribuita la coproduzione di ogni brano. L’album è stato registrato dal dicembre 1985 all’aprile 1986, durante il primo anno del matrimonio di Madonna con l’attore americano Sean Penn. Dedicò l’album proprio a Penn, “Il ragazzo più cool dell’universo”. Sperimentando la sua immagine, adottando un aspetto più “tradizionale” e incorporando la musica classica nelle sue canzoni, Madonna cercò di attrarre un pubblico più anziano che era stato scettico sulla sua musica. Considerato l’album più femminile di Madonna, True Blue si occupa della visione di Madonna dell’amore, del lavoro e dei sogni, nonché delle delusioni. Secondo Madonna, il titolo deriva da un’espressione preferita del suo allora marito Penn e dalla sua visione purissima dell’amore. L’album è stato il suo “San Valentino senza scrupoli” per Penn. La maggior parte delle sue canzoni riflette questa idea sebbene ognuna sia stata sviluppata separatamente. Il primo brano, Papa Don’t Preach, è stato scritto da Brian Elliot, che lo ha descritto come “una canzone d’amore, forse incorniciata in modo leggermente diverso”. La canzone è basata sul gossip adolescenziale che Elliot ha sentito fuori dal suo studio, che aveva una grande finestra che raddoppiava come uno specchio in cui le studentesse della North Hollywood High School di Los Angeles si fermavano regolarmente per sistemarsi i capelli e chiacchierare. Open Your Heart è stato il primo taglio registrato per l’album, già nel dicembre 1985 e alla fine è arrivato alla tracklist finale pubblicata; originariamente era destinato a Cyndi Lauper. La terza traccia White Heat è stata dedicata all’attore James Cagney e prende il nome dall’omonimo film del 1949. Nel brano sono state incluse due citazioni della colonna sonora originale. La quarta traccia Live to Tell è stata scritta da Patrick Leonard per la colonna sonora del film drammatico romantico della Paramount Fire with Fire ma, dopo che la compagnia l’ha rifiutata, Leonard ha mostrato la canzone a Madonna. Ha deciso di usarlo per At Close Range, il nuovo film di suo marito Penn. Madonna ha fatto una demo della canzone; quando il regista, James Foley, lo ascoltò, chiese a Leonard di scrivere la colonna sonora del film, come suggerito da Madonna. True Blue è stato il primo album in cui Madonna includeva temi spagnoli come evidente nella canzone La isla bonita. La canzone era stata scritta per l’album Bad di Michael Jackson, ma l’aveva rifiutato. Mentre lavorava con Leonard, Madonna lo accettò al posto di Jackson e riscrisse il testo, guadagnandosi un credito da co-autore. Madonna lo descrisse come il suo omaggio alla “bellezza e mistero del popolo latinoamericano”. Inizialmente inteso come il primo singolo, Love Makes the World Go Round — eseguito per la prima volta al Live Aid un anno prima, nel luglio 1985 — chiude l’album. La canzone ha ricordato la musica contro la guerra degli anni sessanta. Musicalmente, True Blue era una direzione diversa per Madonna. I suoi precedenti sforzi l’avevano fatta cantare ad alta voce. Con questo album, Madonna lo ha attenuato per una voce più “bubblegum pop”. Le canzoni dell’album riflettono questo e un certo numero di strumenti sono stati usati nelle canzoni per mettere in evidenza i diversi stati d’animo che il testo sottolineava. Papa Don’t Preach presenta chitarre acustiche, elettriche e ritmiche, tastiere e arrangiamenti di corde. La canzone contiene un campionamento della sonata Appassionata di Beethoven. Una struttura piena di percussioni continue è stata utilizzata in Open Your Heart. Il campionamento della citazione del film da parte di White Heat è stato incluso nel discorso e negli spari. È una canzone dance uptempo con synth bass e voce a doppia traccia supportata da voci maschili nel coro. “Non scrivo musica dance e non la vedo come un contributo alla crescita culturale del mondo”, brontolò Pat Leonard nel 1992. “All’epoca stavamo facendo le cose solide sull’album True Blue, era semi -innovativo. Non c’era un precedente che ti facesse vomitare. Dio non voglia che io possa aver contribuito al caos in cui ci troviamo adesso”. Su ballate come Live to Tell c’è una strumentazione di sottofondo da una tastiera, un sintetizzatore, una chitarra funk e un mix di batteria sintetizzata e reale. È la mia ultima affermazione su cosa significhi stare nel mezzo di questa roba della stampa con tutti sulla schiena, il mio mondo sta per scavare. Ogni volta che mi sento così — e a volte mi capita — dico ‘Aspetta un minuto, dovrei divertirmi qui, quindi dov’è la festa? Non deve essere così. Posso ancora godermi la vita. Where’s the Party è una traccia dance standard con arrangiamenti di grancasse, sintetizzatore, ritmi rumorosi e un approccio remixato all’intera composizione. La traccia del titolo presentava la strumentazione di una chitarra ritmica, un sintetizzatore, tastiere e batteria per la linea di basso, con una base musicale che utilizzava una progressione di accordi comunemente usata nel doo-wop tamburi cubani e chitarra spagnola, vengono utilizzate maracas e armoniche in La isla bonita. Jimmy Jimmy ha un’influenza pop dei primi anni sessanta, i suoi testi sono un tributo alla star del cinema James Dean. Liricamente, True Blue riflette le idee di Madonna sull’amore. Where’s the Party racconta di una ragazza che lavora godendosi la pista da ballo dopo il lavoro. Ero solita fantasticare sul fatto che siamo cresciuti nello stesso quartiere e che lui (James Dean) si sia allontanato e sia diventato una grande star. Jimmy Jimmy parla dell’ammirazione di Madonna per il cattivo ragazzo del quartiere. Lo spagnolo La Isla Bonita e Love Makes the World Go Round affrontano l’evasione dalla vita normale, con quest’ultima che parla di guerra e di povertà e usa tamburi e ritmi latini influenzati dalla samba. White Heat affronta la fermezza e cita la frase di “Make my day” di Clint Eastwood. I testi di Papa Don’t Preach parlano di una giovane donna che dice a suo padre che è incinta fuori dal matrimonio, ma che terrà il suo bambino. Live to Tell ritrae la complessità dell’inganno e della sfiducia. La canzone parla anche di cicatrici infantili e ha avuto un tono emotivo estremo, raggiungendolo in senso divino. La traccia del titolo aveva Madonna che parlava di romanticismo e di gruppi pop femminili ispirati agli anni ’50. I testi di True Blue sono costruiti in una forma in versi-coro, con il tema dei sentimenti di Madonna per Sean Penn; usa persino la parola d’amore arcaica del 1929 “cara” nella riga “Basta ripensare e ricordare, cara”. Madonna ha espresso i suoi desideri sessuali nei testi di Open Your Heart e ha descritto la bellezza di un paradiso latino in La Isla Bonita. Secondo Madonna, True Blue prende il titolo da un’espressione che l’allora marito Sean Penn usava frequentemente, e che rispecchiava la sua visione pura dell’amore La copertina dell’album, realizzata dal fotografo Herb Ritts, è una delle immagini più riconosciute di Madonna. Nella copertina si vede Madonna dal collo in su. I colori principali della foto sono le sfumature di grigio, il bianco e le varie tonalità di blu, per rafforzare che richiama il titolo stesso dell’album. Madonna nella foto assume una elegante posa da cigno, ravvivata da un trucco leggero e dalle labbra rosse. Secondo Lucy O’Brien, autore di Madonna: Like an Icon, la copertina dell’album era assimilabile al concetto di pop art dato da Andy Warhol. Lucy O’Brien afferma che l’immagine è un misto di innocenza e idealismo, pur incorporando le caratteristiche del disegno serigrafato di Warhol, diffuso nel 1960. Lucy O’Brien afferma inoltre che la copertina annunciava l’arrivo di una nuova Madonna, una Madonna che ha reso evidente il legame tra Warhol e se stessa, il legame vivido tra pop art e commercio. Randy Taraborrelli in Madonna: An Intimate Biography, ha affermato che la copertina dell’album True Blue ha messo in mostra la crescita di Madonna. L’autore afferma che l’immagine dai colori sbiaditi, di una Madonna con la testa piegata all’indietro e gli occhi chiusi è stata “sottovalutata”, in particolare quando è stata messa a confronto con le pose più sensuali a cui la cantante è spesso associata. Negli Stati Uniti e in Canada, la copertina non aveva alcun logo, ma nelle nazioni europee venivano vendute con il nome di Madonna e il titolo dell’album sulla copertina. Heiden ha spiegato in un’intervista con la rivista Aperture che hanno pensato che sarebbe stato “bello” usare una pellicola termoretraibile sulle copertine degli Stati Uniti, in modo che quando uno lo togliesse, ci sarebbe stata solo la foto di Madonna. Per le nazioni europee, Warner sentiva che il nome era necessario sulla copertina, poiché non volevano rischiare con la popolarità di Madonna lì. La manica posteriore e il libretto all’interno contenevano i titoli delle canzoni nella calligrafia di Heiden. A proposito di ritagliare l’immagine per la cassetta e le versioni in vinile, Heiden ha dichiarato: “Penso che l’immagine sia diventata più interessante ritagliata in un quadrato – e in quel momento abbiamo sempre iniziato con la configurazione della copertina dell’album. Era come se stesse fluttuando – i suoi vestiti non erano visibili. Assunse l’aspetto di una statua di marmo, come una Dea. Nel taglio verticale vedi la sua giacca di pelle e il muro, e diventa più tipico, editoriale, terrestre.” Jeri Heiden, cover designer dell’album, ha commentato: “Era già molto consapevole del valore della sua immagine e ne aveva il controllo. Dopo che ho scattato la foto, sembrava che stesse fluttuando: i suoi vestiti non erano visibili, era simile a una dea.” Erica Wexler di Spin ha descritto Madonna sulla copertina come “un cobra che si crogiola nel sole caldo, Madonna sulla copertina del suo nuovo album allarga il suo profilo lascivamente.” La copertina interna dell’album non conteneva fotografie, ma era invece dedicata ai titoli degli album e ai testi delle canzoni, dal momento che Madonna voleva essere rappresentata dalle sue canzoni e non dalla sua immagine. Billboard ha posizionato la copertina di True Blue al 34º posto nel suo articolo sulle “50 copertine degli album più belli”, descrivendola come “un’immagine sorprendente della cantante.” Live to Tell è stato il primo singolo estratto dall’album, nel marzo del 1986. La canzone è la seconda ballata di Madonna dopo Crazy for You, e fa parte della colonna sonora del film A distanza ravvicinata che vede come protagonista l’allora marito di Madonna Sean Penn. La canzone è stata accolta positivamente dalla critica, che la descrisse come “un’eccezionale ballata che riscrive le regole del contemporaneo degli adulti”. Live to Tell è divenuto il terzo singolo di Madonna a raggiungere la posizione numero uno della Billboard Hot 100. Il singolo è diventato anche un successo a livello internazionale, raggiungendo la top ten in Canada, Francia, Paesi Bassi, Svizzera, Regno Unito e Italia. Papa Don’t Preach è stato pubblicato come secondo singolo nel giugno del 1986. La canzone è stata giudicata positivamente dalla critica, che è stata definita come “il passaggio di transizione di Madonna da star del pop ad artista del calibro di Michael Jackson e Prince”. La canzone divenne il quarto singolo di Madonna a raggiungere la posizione numero uno negli Stati Uniti, in Canada, Irlanda, Italia e Regno Unito. True Blue è stato il terzo singolo estratto dall’album nel settembre del 1986. Si tratta di una canzone dance-pop ispirata ai gruppi femminili degli anni ’60. La risposta della critica rispetto alla canzone non è stata univoca: alcuni critici hanno accolto positivamente la canzone, sottolineando di essa il sapore anni ’50, altri invece hanno giudicato la canzone “semplicemente carina ma non degna di dare il titolo all’album”. La canzone ha raggiunto la posizione numero tre della Billboard Hot 100 chart, e la posizione numero uno in Irlanda e nel Regno Unito. Open Your Heart è stato il quarto singolo estratto dall’album, pubblicato nel novembre del 1986. La canzone è diventata il quinto singolo numero uno di Madonna nella Billboard Hot 100 chart. A livello internazionale la canzone ha raggiunto la top ten in diversi paesi europei, tra cui Belgio, Irlanda, Italia, Paesi Bassi, e Regno Unito. La isla bonita è stato pubblicato come quinto e ultimo singolo dell’album nel febbraio del 1987. La canzone rievoca l’isola del Belize chiamata San Pedro e descrive Madonna come un turista che prega “che i giorni durino di più, ma sono passati così in fretta”. La canzone è stata ricevuta positivamente dalla critica, che la considerano ancora oggi una delle canzoni più importanti e rappresentative della carriera di Madonna, nonché la migliore canzone dell’album. La Isla Bonita è stato un successo commerciale in tutto il mondo, raggiungendo la posizione numero uno in Canada, Francia, Germania, e Regno Unito. Spotlight (Madonna, Stephen Bray, Curtis Hudson) – originariamente registrata per l’album True Blue, fu poi scartata, probabilmente perché inizialmente era troppo simile a Holiday. Fu poi modificata nel testo e nell’arrangiamento e successivamente inserita nella compilation del 1987 You Can Dance Working My Fingers to the Bone (Madonna, Stephen Bray). Prima dell’uscita dell’album, Madonna ha presentato per la prima volta Love Makes the World Go Round al concerto Live Aid del 1985. Il resto dei brani dell’album sono stati inclusi nella scaletta del suo Who’s That Girl Tour del 1987, ad eccezione di Jimmy Jimmy, che rimane ancora l’unica canzone dell’album che Madonna non ha eseguito in nessuna apparizione dal vivo. Era il suo secondo tour di concerti e promuoveva True Blue insieme al progetto cinematografico Who’s That Girl. È stato il primo tour mondiale di Madonna, raggiungendo l’Asia, il Nord America e l’Europa. Musicalmente e tecnicamente superiore al suo precedente Virgin Tour, il tour Who’s That Girl ha incorporato componenti multimediali per rendere lo spettacolo più attraente. Madonna si è allenata fisicamente con l’aerobica, il jogging e il sollevamento pesi, per far fronte alle coreografie e alle routine di danza. Per i costumi, ha collaborato con la designer Marlene Stewart, espandendo l’idea di dare vita ai suoi famosi personaggi dei video sul palco, rielaborando scene di True Blue, Open Your Heart, Papa Don’t Preach e La Isla bonita. Il palcoscenico era enorme, con quattro schermi video, proiettori multimediali e una rampa di scale nel mezzo. Leonard divenne il direttore musicale e incoraggiò Madonna a seguire l’idea di riordinare le sue canzoni più vecchie e presentarle in un nuovo formato. Madonna ha chiamato il tour “Who’s That Girl Tour”, dopo aver guardato un’immagine gigantesca di se stessa proiettata su uno schermo sul palco durante le prove. Lo spettacolo includeva routine e spettacoli teatrali di canzoni e danze, sette cambi di costume e un bis composto da Who’s That Girl e Holiday. Il tour ha anche affrontato cause sociali come l’AIDS, durante Papa Don’t Preach. Who’s That Girl è stato apprezzato dalla critica, con i recensori che hanno commentato la natura stravagante del concerto e si sono complimentati con Madonna per le sue danze, i cambi di costume e il ritmo dinamico. Il Who’s That Girl Tour è stato un successo commerciale, incassando un totale di $ 25 milioni negli Stati Uniti, con Madonna che ha suonato di fronte a 1,5 milioni di persone nel corso del tour. Secondo Pollstar, è stato il secondo tour femminile del 1987, dietro al Break Every Rule Tour di Tina Turner. In seguito furono pubblicati due concerti del video musicale, Who’s That Girl: Live in Japan (1987), in esclusiva per il mercato giapponese e Ciao Italia: Live from Italy (1988), che fu distribuito a livello internazionale. Taraborrelli ha commentato che “Molte artiste si comportano come una diva per un periodo in cui raggiungono lo status di superstar e il Who’s That Girl Tour segnò l’inizio di quello di Madonna.” Il tour è anche noto per aver dato vita al nuovo personaggio di Madonna, un’immagine sessuale più forte e più intelligente di prima, che aveva dato origine al termine “aspirante Madonna”, termine con cui si identificano le persone che cercano di atteggiarsi, vestirsi ed essere come Madonna, dette anche “Madonna Wannabe”. Una statua di Madonna, che indossava un corsetto conico, fu eretta in suo nome, al centro della città di Pacentro in Italia, dove vivevano i suoi antenati. Dopo la sua pubblicazione, l’album è stato accolto molto positivamente dai critici. In particolare i critici musicali lodano la voce di Madonna, che in questo disco sembra più forte. Jon Pareles, in un commento nel The New York Times, afferma che True Blue riprende il tema della fedeltà nei suoi testi, e si è complimentato per un maggiore attaccamento di essi alla realtà, facendo sì che Madonna raggiungesse le “frange dell’ammissibile”. L’album ha venduto mondialmente 25 milioni di copie diventando uno degli album più venduti di tutti i tempi. Nel Regno Unito, l’album è rimasto in classifica per 85 settimane, di cui sei passate in vetta, vendendo oltre 2 milioni di copie. L’album in Francia ha venduto oltre un milione di copie. Anche in Germania l’album è riuscito a vendere oltre un milione di copie. Negli Stati Uniti l’album è stato certificato sette volte disco di platino, diventando il terzo album più venduto in questo Stato della cantante, dopo Like a Virgin e The Immaculate Collection In Italia, l’album ha venduto oltre 1 500 000 di copie, diventando il disco più venduto da un’artista straniero nel paese. True Blue è uno degli album più premiati della carriera di Madonna, avendo vinto 10 premi, a fronte di 18 candidature. Nel 1987 True Blue ottiene una candidatura e una vittoria per Live to Tell, rispettivamente agli American Music Awards e agli American Society of Composers, Authors and Publishers (ASCAP) Film Awards, nella categoria “Singolo pop preferito” e “Miglior canzone di un film”. Riceve poi due vittorie, a fronte di due candidature, ai Japan Gold Disc Award e una ai Canadian Juno Awards, per la categoria “Miglior album pop dell’anno”. Papa Don’t Preach ricevette il plauso della critica, e venne nominato ai Grammy Awards nella categoria “Miglior registrazione pop femminile”, a tre MTV Video Music Awards, vincendo quello per il “Miglior videoclip femminile” e una ai Canadian Juno Awards per la “Canzone internazionale dell’anno”. Con l’uscita di questo album, Madonna ha ricevuto anche, agli MTV Video Music Awards, il premio speciale Video Vanguard, diventando la prima donna a riceverlo. Infine, l’album le è valso le sue prime entrate nel Guinness World Records in almeno tre categorie: l’album musicale più venduto di una donna nella storia, album musicale con il maggior numero uno nel maggior numero di paesi e album musicale di maggior successo del 1986. Le è stato anche assegnato il premio come “Cantante preferita” ai Kids’ Choice Awards e ai People’s Choice Awards. Inoltre, il Who’s That Girl Tour è stato candidato ai Pollstar Concert Industry Awards nella categoria “Scenografia più creativa”. Un vinile da avere per tante ragioni nella propria collezione la prima perchè e stato il disco che a reso Madonna la cantante che conosciamo oggi le canzoni presenti in questo vinile sono le sue più famose e anche per la copertina realizzata maniera eccezionale.

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Busta disco con testi

Busta disco con testi

Lato A

Lato B

The Best Of The Greatest Love Fifty Classic Love Tracks The Definitive Love Collection

Etichetta: Telstar ‎STAR 2443 Formato: 3 × Vinile, LP, Compilation Paese: UK Uscita: 1990 Tracce: Lato A George Michael Careless Whisper Sade Your Love Is King Gloria Estefan & Miami Sound Machine Can’t Stay Away From You Roxy Music Jealous Guy Peter Cetera Glory Of Love Diana Ross I’m Still Waiting The Commodores Three Times A Lady 10cc I’m Not In Love Lato B Chris De Burgh Lady In Red Kate Bush Wuthering Heights The Bee Gees Spirits (Having Flown) Luther Vandross Never Too Much Cliff Richard We Don’t Talk Anymore Percy Sledge When A Man Loves A Woman Billy Paul Me & Mrs. Jones Randy Crawford One Day I’ll Fly Away Lato C The Righteous Brothers You’ve Lost That Lovin’ Feelin’ Elton John Nikita Billy Ocean Suddenly Aretha Franklin I Say A Little Prayer Double The Captain Of Her Heart The Pretenders I Go To Sleep Hot Chocolate Emma Elkie Brooks Hard Habit To Break Nilsson Without You Lato D Spandau Ballet True Hazel O’Connor Will You Otis Redding (Sittin’ On) The Dock Of The Bay Kiki Dee Amoureuse Chris Rea Tell Me There’s A Heaven Sad Cafe Every Day Hurts Judy Tzuke Stay With Me Till Dawn Paul Young Wherever I Lay My Hat (That’s My Home) Lato E Marvin Gaye Sexual Healing Smokey Robinson Being With You Julia Fordham Happy Ever After Robin Beck The First Time John Miles Music The Hollies The Air That I Breathe Don McLean Vincent The Moody Blues Nights In White Satin Lato F Ultravox Vienna Diana Ross & Lionel Richie Endless Love Heatwave Featuring Jocelyn Brown Feel Like Making Love Black Wonderful Life Crystal Gayle Don’t It Make My Brown Eyes Blue Peter Sarstedt Where Do You Go To My Lovely The Walker Brothers Make It Easy On Yourself Minnie Riperton Loving You The Cars Drive. The Best Of The Greatest Love e una compilation composta da 3 vinili che racchiude canzoni d’ amore degli anni 60-70-80-90 prodotta dalla Telstar Records nel 1990. Fondata nei primi anni ’80 come sussidiaria di Telstar Records Ltd.. Originariamente specializzata in compilation e compilation telemarketing di grandi artisti. Più tardi negli anni ’90 si è diversificato nella firma e nello sviluppo di artisti. Alcuni di questi non hanno avuto successo portando alla chiusura dell’etichetta nel 2004. La Telstar Records è stata un’etichetta discografica britannica attiva dal 1982 al 2004. Telstar è stata fondata nel 1982 da Sean O’Brien e Neil Palmer con un prestito governativo di £ 120.000. Kaos Theory e 100% ranges. Oltre a questi marchi, la società ha concesso in licenza una serie di importanti registrazioni di artisti (ad esempio ABBA e Four Tops) per pubblicare compilation telemarketing. A metà degli anni ’90, ha diversificato la sua produzione nel mercato dei singoli e nello sviluppo artistico a lungo termine. Fino ad allora, Telstar di solito pubblicava solo singoli che erano telemarketing o associati ad atti come The Chippendales o PJ & Duncan di Byker Grove. Molti dei primi dischi di PJ & Duncan/Ant & Dec sono usciti XSRhythm, l’etichetta di musica dance di Telstar, anche se alla metà degli anni ’90 questo era stato sostituito dalla Multiply Records. Questa etichetta dance era gestita da Mike Hall e originariamente comprendeva una grande quantità di atti concessi in licenza traccia per traccia da compagnie estere, prima di diventare sede di artisti come The Cheeky Girls. Gli atti firmati alla fine degli anni ’90 includevano Conner Reeves, Phats & Small e una versione senza Tony Mortimer di East 17, mentre Craig David aveva due singoli al numero uno nel Regno Unito sull’etichetta Wildstar, una joint-venture tra Telstar e il Capital Radio Group (ora noto come media company Global), gestito dai manager musicali Ian McAndrew e Colin Lester. Altri artisti includevano Victoria Beckham (in un contratto da £ 1,5 milioni organizzato con 19 Recordings di Simon Fuller), Rosie Ribbons, Skream!, Danny Erskine e Mis-Teeq. specialmente con l’etichetta compilation di Telstar TV. La Telstar Records è fallita nel 2004, in gran parte a causa dell’abitudine della compagnia di concedere grandi anticipi ad artisti come Claire Sweeney e Victoria Beckham che non sono riusciti a guadagnare loro denaro. Nei media gran parte della colpa per il fallimento dell’etichetta è stata attribuita alla loro firma di più alto profilo, Victoria Beckham. parte di una serie di joint venture, BMG (che presto sarà fusa con Sony) ha rifiutato di acquistare le risorse dell’etichetta a titolo definitivo. La maggior parte del catalogo posteriore di Telstar (gli artisti hanno firmato direttamente con l’etichetta senza sub-licenza) è finita con Phoenix Music International insieme ai diritti per le canzoni di Gut Records, Jet Star e Azuli, mentre i successi di Ant & Dec sono finiti per essere sub-licenza alla Crimson Productions/DMG TV di BBC Studios nei primi anni 2010 (che ha portato a un successo numero uno per l’etichetta Edsel di DMG TV nel 2013 quando “Let’s Get Ready to Rhumble” è stato nuovamente registrato). Nel febbraio 2017, i resti di Wildstar sono stati acquistati da Sony Music Entertainment UK, una società che ha firmato Craig David nel 2016 (in un accordo che faceva parte di un’altra joint venture chiamata Insanity Records), mentre Ian McAndrew gestisce la società di gestione Wildlife, sede di Miles Kane, Psychedelic Porn Crumpets e Royal Blood. Una bellissima compilation di canzoni d’ amore.

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Interno album

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Lato D

Lato E

Lato F

Paola & Chiara ‎Vamos A Bailar (Esta Vida Nueva) Remix By Alex Farolfi

Etichetta: Columbia ‎COL 669157 6, Columbia 6691576000 Formato: Vinile, 12″ Paese: Italia Uscita: 2000 Nota: Grazie a John Richmond Sergio Rossi e Madina make-up. Remix By Alex Farolfi Tracce: Lato A Vamos A Bailar (Esta Vida Nueva) Remix Extended Version Vamos A Bailar (Esta Vida Nueva) Remix Radio Version Vamos A Bailar (Esta Vida Nueva) Additional Version Lato B Vamos A Bailar (Esta Vida Nueva) Pool-K Remix Extended Vamos A Bailar (Esta Vida Nueva) Pool-K Remix Radio Edit Vamos A Bailar (Esta Vida Nueva) Album Version. Vamos a bailar (Esta vida nueva) è un brano musicale di Paola & Chiara, pubblicato come primo singolo estratto dal terzo album del duo Television, uscito nel 2000. Il brano, scritto, prodotto ed arrangiato dalle stesse cantanti, diventa il tormentone estivo del 2000, e viene premiato al Festivalbar, nella sezione radio, ad Un disco per l’estate, e rimane per numerose settimane in classifica, mantenendo il primo posto nella classifica dei singoli più venduti in Italia per quattro settimane. Nel 2009 viene eletto miglior tormentone estivo degli ultimi 20 anni dai lettori di Tv Sorrisi & Canzoni. Il singolo è il più venduto del duo e uscì in vari paesi del mondo. È stato registrato anche in inglese e spagnolo. Il singolo ha lanciato Paola & Chiara sul mercato estero, imponendole come “dive dance” nel panorama della musica leggera e aprendo le frontiere di vendita del loro disco fuori dall’Italia. Per soddisfare le richieste di promozione all’estero, le due sorelle sono volate in Germania e Spagna, ma anche negli Stati Uniti, per esibirsi nelle reti televisive locali, e si sono anche prestate a cantarlo sul palco di Top of the Pops, nella sua versione tv italiana e tedesca. Paola & Chiara sono state candidate anche all’Italian Music Award nella categoria miglior singolo italiano. Il video musicale, diretto da Luca Guadagnino, mostra le due sorelle in una stanza piena di lunghi fili dai quali esse cercano di liberarsi. Si alternano inoltre scene in cui le artiste cantano sedute su poltrone o in piedi di fronte a specchi, ad altre in cui ammiccano seminude in pose sensuali. Esiste un video differente per la versione spagnola e inglese del brano, realizzato sullo sfondo di una villa oceanica, in cui le due artiste cantano a bordo di una piscina fra altri bagnanti assopiti languidamente. Abbiamo parlato del brano e di Paola & Chiara ma chi è Alex Farolfi che a fatto questo remix ? Alex Farolfi, all’anagrafe Alessandro Giacomo Farolfi (Milano, 30 luglio 1966), è un disc jockey, remixer e regista radiofonico italiano. Milanese di nascita, si trasferisce a Torino, dove comincia a collaborare come dj nei club e tecnico in radio private tra cui la nota Radio Centro 95. Tornato a Milano, riesce ad ottenere la possibilità, sebbene limitata ai soli weekend, di lavorare presso Radio Deejay. Ben presto passa alla regia di uno dei programmi storici di Radio Deejay, Deejay chiama Italia, condotto da Linus con vari personaggi più o meno fissi. A partire dal 1998 comincia ad affermarsi come produttore musicale e remixer, grazie anche al successo che ottiene il suo progetto con Mario Fargetta, i The Tamperer, i quali, avvalendosi della voce della cantante statunitense Maya, riescono a piazzare ben 3 singoli nelle classifiche inglesi ed europee. Il primo singolo è Feel It, nato sulla base di un campionamento del brano Can You Feel It dei The Jacksons, ed è anche l’unico che riesce a raggiungere la posizione numero 1 nella classifica inglese. Seguono If You Buy This Record (Posizione numero 3) e Hammer To The Heart (Posizione numero 6). Dal 1999 è DJ resident, insieme a Paolino Rossato, dell’Aquafan di Riccione. Come remixer cura le produzioni dei brani Vamos a bailar di Paola & Chiara, Che Felicità degli Elio e le Storie Tese, Sara di Paolo Meneguzzi, Take Me Baby di Justine Mattera, Indispensabile di Mariadele, Il Segno Di Elia di Leandro Barsotti, I Can’t Stop di Pepper Mashay, Ti prendo e ti porto via di Vasco Rossi e Yo Sigo A Qui di Paulina Rubio, Hot Stuff di Craig David. Nel 2002 esce il primo singolo firmato esclusivamente da Alex Farolfi, Burnin’ (sul sample di You Showed Me), che si avvale della voce di Corinna Joseph (cantante dei Basement Jaxx). Seguono Sun’s Rising in the USA (2002), in collaborazione con la cantante Maya, Gimme Some Love (2003), Subtravel, progetto realizzato in collaborazione con Gambafreaks (a.k.a. Stefano Gambarelli) con la voce dell’ex stellina degli anni ottanta Patsy Kensit. L’ultimo singolo, in ordine di tempo, è Farolfi & Gambafreaks vs Moloko (24 Records). Nel 2002 si occupa della realizzazione musicale del brano Accetta il consiglio… per questa volta, contenente il monologo in chiave rap che chiude il film The Big Kahuna, che ottiene grande successo in termini di vendite. Nel 2003, sulla base di un campionamento del brano Waterfall, produce To the Music per la cantante italiana Neja. Nel 2004 impersona sé stesso nel film di Natale realizzato da Radio Deejay Natale a casa Deejay, ispirato al romanzo A Christmas carol di Charles Dickens. Nel 2005 comincia la collaborazione con Paolino Rossato (DJ e regista radiofonico italiano) e nasce il progetto Deelay, tuttora attivo con l’etichetta 24 Records. I Deelay hanno finora pubblicato i seguenti singoli: Fade to Deelay (Deelay vs Stucco), FOR3TWO1 (Deelay), On The Train (Deelay vs Stucco), Everytime I Think of You (Deelay vs Outwave), HH, Ipno, Never Go, Deeper Love, Drop a House (Maya Days), You Are the Best, Paulphonic, Come On Down (feat. Crystal Waters), Love at First Sight, Was a Dog Doughnout (Deelay vs Shorty). Insieme a Paolino Rossato conduce il programma radiofonico Deelay4Deejay, in onda il venerdì notte 01.30-03.00 su Radio Deejay. L’attività live dei Deelay, caratterizzata da una forte impronta digitale, li porta spesso in giro per l’Italia, nelle discoteche più famose come Gay Village, Bolgia e Pineta e per il mondo (v. Ral in Svizzera, Pacha ad Ibiza e le discoteche Ultra, Sol, Guest House e Pacha di New York City), anche nell’ambito di manifestazioni a tema come “Dj Clinic”, “Nokia Trends Lab”, “Made in Italy” (al Pacha di New York), “Flippaut Festival”, “Powerstock Festival”, “Walkman Tour per Sony Ericsson” (in collaborazione con Albertino). In ambito live sono stati protagonisti di numerose collaborazioni come quella con Claudio Coccoluto e Saturnino in Menage à trois. Nel 2006, in occasione della vittoria della Nazionale di Calcio Italiana ai Mondiali di Germania, realizza, sulla base di Seven Nation Army dei White Stripes, un remix collage di commenti ai momenti salienti delle partite con le voci di Beppe Bergomi e Fabio Caressa. Nonostante il successo in ambito radiofonico, il brano non è disponibile su circuiti ufficiali, a causa della mancata concessione da parte del duo americano. Sempre con il progetto Deelay cura il remix di Non succederà più, hit datata 1982 di Claudia Mori ed inclusa nella raccolta del 2009 Claudia Mori Collection: a distanza di più di 20 anni il brano torna prepotentemente, e sorprendentemente, nei dancefloor. Come regista cura sia Deejay chiama Italia che Cordialmente, condotto da Linus insieme ad Elio e le Storie Tese su Radio Deejay. Ha spesso collaborato al programma “Deejay Time” prima e “Sciambola!” poi, entrambi condotti da Albertino, vestendo i panni “radiofonici” di numerosi personaggi, tra i quali “Aldebaran Dj”, storico conduttore della strampalata Ciaomp3. È fratello della cantante Cinzia Farolfi, il cui gruppo Cattivi Pensieri conquistò una discreta notorietà coi brani Emozione e Quello che sento tra il 1996 ed il 1997. Con il progetto Deelay ha curato, per due anni, la rubrica House Deelay andata in onda su m2o poi chiusa per bassi ascolti. Tornando al vinile posso dire che e un bellissimo disco.

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Lato B

Wham! ‎Make It Big

Etichetta: Epic ‎ EPC 86311 Formato: Vinile, LP, Album, Stereo Paese: Europa Uscita: 1984 Tracce: Lato A Wake Me Up Before You Go-Go Everything She Wants Heartbeat Like A Baby Lato B Freedom If You Were There Credit Card Baby Careless Whisper. Make It Big è il secondo album dei Wham!, pubblicato nel 1984. Nell’album sono inclusi i 4 precedenti singoli, fra i quali Wake Me Up Before You Go-Go. Nel 1984, con il secondo album Make It Big, gli Wham! conquistano il successo internazionale, diventando finalmente conosciuti in tutta Europa. Brani come Wake Me Up Before You Go-Go (vincitore del premio come copie vendute in un solo giorno: 100.000) e Freedom, ma soprattutto la ballad Careless Whisper e la matura Everything She Wants, fanno il giro del mondo, e gli Wham! sbarcano addirittura in Cina. A testimonianza della loro visita orientale esce il VHS Wham! in China: Foreign Skies, filmato-documentario in cui, oltre a spezzoni del loro concerto, ci sono anche scene di vita quotidiane, per mostrare all’occidente il tenore di vita dei cinesi dell’epoca. Dal reportage viene tratto il videoclip di Freedom, fino ad allora promossa solo tramite un’esibizione live in una trasmissione televisiva, ma il risultato viene giudicato non adatto al pubblico occidentale e così il video non entrerà mai in rotazione sulle emittenti musicali come MTV. Vinile famosissimo dove si trovano i più famosi successi del gruppo e in particolare George Michael.

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Lato B

M@D ‎Its Name Is…

Etichetta: Spy Rec ‎ SPY 42 Formato: Vinile, 12″ Paese: Italia Uscita: 2002 Tracce: Lato A Its Name Is… Extended Mix Its Name Is… Radio Edit Lato B Welcome (In The City, In The Jungle) Brooklyn Bounce Sledgehammer Remix Its Name Is… Techno!. I M@D sono un progetto musicale formato da Mricky & Danieli, Narghilè alias Daniele Danieli e Riccardo Fassetta. Daniele Danieli DJ e producer Da non confondere con il cantante italiano Daniel Danieli Dedito a ogni tipo di musica DJ Daniele Danieli non suona solo musica house e commerciale, ma è anche un produttore di musica dance di successo. Al Chungastudio di Venezia ha dato vita ad alcune importanti produzioni come “LA DANCE D’HELENE” Real Joy che ha raggiunto numero 1 in Canada e scalato la Top Ten francese. Nel 1999 conosce Misterricky con il quale realizza per la prima volta “TU… dandabadam”, un anno dopo realizza Tony Sweat (Sex Machine… Gheropppaaa) un grande successo in Spagna e Francia. Nel 2004 esce M@D – The Concert, tratto dal brano “Seven Nation Army” (The White Stripes), tutti iniziano a cantare Po-po-po-po-po-po-poo, e quando nel 2006 l’Italia vince Coppa del mondo FIFA, “The Concert” diventa l’inno ufficiale. All’inizio del 2018 ha avviato con DJ Fopp aka Funktrain una nuova etichetta chiamata “Disco Explosion Records”, concentrandosi sulla pubblicazione di House Music, Nu Disco, Jackin House, Disco e Funk. All’inizio del 2019 ha avviato con DJ Fopp aka Funktrain un’altra etichetta chiamata “Full Dance Records”, concentrandosi sull’offrirvi la migliore musica dance in ogni genere possibile, dall’house alla musica pop. Di Riccardo Fassetta DJ anche lui ha iniziato nell 1999 ancora oggi in attività. Spy nasce nel 1999 come nuovo reparto dance della Time Records, dopo la scomparsa di Italian Style Production. Nei primi anni di attività l’A&R era Rossano Prini. L’etichetta italiana è stata chiusa nel 2005. Un bel vinile sopratutto per una versione di Welcome (In The City, In The Jungle) dei Brooklyn Bounce non presente nel Tiger E.P.

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Lato A

Lato B

Grease The Original Soundtrack From The Motion Picture

Etichetta: Polydor ‎2658 125 Formato: 2 × Vinili, LP, Album,Copertina apribile Paese: Italia Uscita: 1978 Tracce: Lato A Frankie Valli Grease John Travolta / Olivia Newton-John Summer Nights Olivia Newton-John Hopelessly Devoted To You John Travolta / Olivia Newton-John You’re The One That I Want John Travolta Sandy Lato B Frankie Avalon Beauty School Drop-Out Stockard Channing Look At Me, I’m Sandra Dee John Travolta Greased Lightnin’ Cindy Bullens It’s Raining On Prom Night Unknown Artist Alone At The Drive-In Movie Instrumental Sha-Na-Na Blue Moon Lato C Sha-Na-Na Rock N’ Roll Is Here To Stay Sha-Na-Na Those Magic Changes Sha-Na-Na Hound Dog Sha-Na-Na Born To Hand-Jive Sha-Na-Na Tears On My Pillow Louis St. Louis & Cindy Bullens Mooning Lato D Cindy Bullens Freddy, My Love Louis St. Louis Rock N’ Roll Party Queen Stockard Channing There Are Worse Things I Could Do Olivia Newton-John Look At Me, I’m Sandra Dee (Reprise) John Travolta / Olivia Newton- John We Go Together Unknown Artist Love Is A Many Splendored Thing Instrumental Frankie Valli Grease (Reprise). Grease: The Original Soundtrack from the Motion Picture è la colonna sonora originale dell’omonimo film del 1978. Le canzoni di maggior successo dell’album furono quelle scritte appositamente per il film, e cioè You’re the One That I Want, Grease ed Hopelessly Devoted to You nominata all’oscar per la migliore canzone. L’album arrivò al primo posto della classifica degli album più venduti negli Stati Uniti nell’estate del 1978 per dodici settimane, detronizzando Some Girls dei Rolling Stones, nel Regno Unito per tredici settimane ed in Australia per nove settimane nel 1978, quattro nel 1990, tre nel 1991 ed una nel 1998. In altri paesi è arrivato primo in Austria, Paesi Bassi, Svezia, Norvegia e Nuova Zelanda e terzo in Francia. Il singolo Summer Nights arriva in prima posizione nel Regno Unito per sette settimane vincendo il disco di platino ed in Irlanda per quattro settimane. In altri paesi raggiunge la prima posizione in Austria ed Olanda, la seconda in Norvegia, la terza in Svezia e Nuova Zelanda, la quinta nella Billboard Hot 100 con il disco d’oro e la settima in Svizzera. Il brano Hopelessly Devoted to You arriva primo in Irlanda, Paesi Bassi e Canada, secondo nel Regno Unito ed Australia, terzo negli Stati Uniti e sesto in Nuova Zelanda. Il singolo Sandy raggiunge la seconda posizione nel Regno Unito e la quinta in Olanda. Il brano Greased Lightnin’ arriva al quarto posto in Olanda. Il gruppo americano Mr. Bungle rivisitò il ritornello del tema principale di Grease per comporre quello della loro Quote Unquote. Tra i musicisti suona pure Max Bennett, che ha lavorato anche con Peggy Lee, Bill LaBounty, Barry Mann, José Feliciano, George Harrison, Barbra Streisand, Art Garfunkel. Disco famosissimo come il film che a reso celebri John travolta e Olivia newton-john nel mondo.

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Interno album

Lato A

Lato B

Lato C

Lato D

Le Clique ‎Abc

Etichetta: No Colors ‎NC 22567 – 0113/0 Formato: Vinile, 12″, 33 ⅓ RPM Paese: Italia Uscita: 2002 Tracce: Lato A ABC Oui & Si Extended Mix ABC Club Mix Lato B ABC Original Mix ABC Oui & Si Radio Edit. Le Clique progetto musicale del 2002 composto da Graziano Pegoraro, Maurizio Braccagni prodotto dalla No Colors unico lavoro insieme con questo nome. Graziano Pegoraro compositore, musicista e produttore di musica dance italiana nato il 29 aprile del 1950 a Cilavegna (Pavia) e morto il 7 gennaio del 2013. un grande della musica dance italiana Nel 1983 nasce il primo fortunato successo Europeo “How old are you” interpretato da Miko Misson. Nello stesso anno, esce, sempre con Miko Mission “The world is you”. Nel 1985 “Around my dream” con la voce di Silver Pozzoli un grosso successo di vendite, oltre 1.500.000 copie vendute in tutta Europa! Nel 1985 “I love my radio” di Taffy , un successo Europeo che arriva al 4° posto di vendite nella classifica inglese. Nel 1986 “Run to me” di Tracy Spencer che vince nello stesso anno il FestivalBar. Nel 1987 scrive un brano Italiano dal titolo “Notte di Praga” interpretato da Andrea Mirò, la quale partecipa a Sanremo sezione giovani lo stesso anno. Nel 1990 dopo una pausa di riflessione ritorna al lavoro, e stavolta anche come Produttore. Nascono i progetti: MATO GROSSO (’90 / ‘ 95) e AVA & STONE (’93 / ’95). Alcuni tra i successi di Mato Grosso sono: Neverland, Thunder, Jungle, Mistery, Moai e Sonehenge.
I successi di Ava & Stone: Bye Baby, All Aboard e Yeh Yoh. Nel 1997 nasce il progetto T-42. Dai primi successi di Every life unfolds alle hits, con la collaborazione di Mario Fargetta e il featuring di Sharp : Melody Blue, Run to you, Find time e Set me free (1998-2002). In contemporanea, insieme a Maurizio Braccagni , da vita al progetto “Little Girl” Lilu, remixato dagli Eiffel 65. Nel 2003 “Angels in the dust” Love Touch. Maurizio Braccagni, noto anche con lo pseudonimo di DJ Lhasa o con il nome abbreviato Ma.Bra. (Milano, 26 novembre 1968), è un disc jockey e produttore discografico italiano. Ha cominciato la sua esperienza di disc jockey nel 1987, mentre la sua prima produzione risale al 1989. Per quasi quattro anni durante serate in discoteca, ha suonato musica techno, particolarmente da nord-Europa, uno stile che ha influenzato profondamente il suo senso artistico. Inizia ufficialmente la sua carriera di produttore nel 1992, quando incide gli EP Groovy As A Beat e Yeah! usando il suo vero nome Maurizio Braccagni; con lo stesso nome farà uscire nel 1993 anche XTC Vol 1, XTC Vol 2, M.B. Side E.P. e The Hammer E.P., realizzati in collaborazione con Fabio Locati e Leroy. Sempre nel 1993, con lo pseudonimo di Two Cowboys, ha raggiunto le classifiche europee di vendite con la canzone Everybody Gonfi Gon. Nel 1997 assume lo pseudonimo di Brabra e si dedica alla produzione di musica trance progressive; nascono i gruppi R.A.I.L. con il brano Walk For Me ed Ekophase con Open Up Your Mind. Nel 2000 inizia a produrre brani italodance, contaminando le sue produzioni con musica etnica come Sonic Tribe con il brano Progressive Indian (ispirato alle sonorità indiane), Teknoetnik con il brano Im Nin’ Alù (ispirato ai canti ebraici), e Pandy J con il brano Bagpiper (ispirato alla musica celtica). Nel 2001 dà vita al gruppo Lilù realizzando il brano Little Girl; il brano viene remixato dagli Eiffel 65 e ottiene successo sulla scena dance italiana e del resto d’Europa. Nello stesso anno realizza il gruppo Labelle, realizzato in collaborazione con Morris Capaldi, autore del gruppo M.A.D.R.A.S., e nascono i singoli Ping Pong , Plastic Dog e Looking In Your Eyes. Nel 2002 ha avviato il gruppo Dj Lhasa. Con questo pseudonimo, realizza all’inizio diverse cover dance di brani del passato, come Heaven Is A Place On Earth di Belinda Carlisle, Pinocchio, colonna sonora dell’omonimo film scritta da Karel Richard Sbodova, e soprattutto Giulia di Gianni Togni, cui seguì una collaborazione con Gabry Ponte di cui lui stesso fece il remix. Il pezzo raggiunse il primo posto in molte classifiche europee. Nel 2006 con lo pseudonimo Ma.Bra. dà alla luce l’etichetta di registrazione MABRA Records. Con essa, produce nuove canzoni come “The Riddle“, “Original Sin” ed “Everybody”. Nello stesso anno, realizza la canzone “Cursed Destiny“. A Novembre, è uscito il suo primo album EP sotto il gruppo Ma.Bra., mentre a fine anno produce “Action”. Nel 2007 vengono pubblicate “Al ritmo” e “Friends“, insieme al remix di Iklip, “Turning for you”. Nello stesso anno, con la Real Eagle Records produce “Dj play this song”, in collaborazione con Bassrockerz e Marc Korn. In autunno viene realizzato il primo Ma.Bra. EP, che contiene 4 produzioni: ancora “Friends“, “Al ritmo“, “Tekno” e “We want to rock“. A dicembre compare il Ma.Bra. Ep vol.2, contenente altre 4 produzioni: “Where we are“, “Happy style“, “The riddle” e “Action“. Nella primavera del 2008 la sua attività non si ferma, producendo “La musica del futuro“, “Calabria“, “Pullover“, contenute nel Ma.Bra. Ep vol. 3 e seguite in estate dal Ma.Bra. Ep vol. 4, in cui c’è il remix di “Whenever wherever” e altre 3 canzoni: “One love“, “Sad emotion” e “Dr. Frankenstein“. Nell’ottobre dello stesso anno risale l’ultimo Ma.Bra. Ep, con “I wanna know“, “Una nuova energia“, “I won’t forget you” e “Call on me“. Una volta al mese, mixa alla radio m2o sotto il nome di DJ Lhasa, nella trasmissione Tribe On-Line, in onda ogni giovedì. Nomi di gruppi sotto i quali si cela Maurizio Braccagni Ma.Bra. (2006 – in atto) · DJ Lhasa (2002 – 2006) · Buzzer (2010 – in atto) · Klubnoize (2006 – in atto) · Spanic Boy (2007 – in atto) · Rave Sonance (2007 – in atto) · Speed Inc. (2007) · Public Move · Brabra · Labelle (2000 – 2002) · Lowback · Le Clique · Lilu · Star Noize · Jumpy · L@ra · Teknoetnik · Sonic Tribe · D.D. · Modhit · Labwork · Fuerza Reactiva · Cut 20 · Percussion Jam · Mama · Planet Beat · Secret Pusher · Tandem · Positive Power · Sligo · Norman J Quantize · Sonic Wag · N.1 · Two Adhesive · N.O.T.O. · The Square · Deet Log · Veronique · Cremlins · 200 M · Pop World · Syx · Jahdea · Zippy Boy · R.A.I.L. · MBRG · Hybrid Arts · Ekophase · K-Box · Authomatic System · The Solution · Carrie Jackson · Kuantize · T.O.T.E.M. · F16 · Dabol · Bella Vita · Don’t Y Girl · Miquel ‘O’ · DJ Chico · Nasen · Split 909 · Tempo · Tigra · Dreamland · Red Wine EP · Backfire · Cyber · Krema · Anthera · Karina · Dynamic Base · D-Juno · Nashwa · Charlotte · Jog · X-Fade · Mulhose · Flags 1 & 2 · Emotion · Dhama · Matrix 94 · Free And Happy · Autoload · Black House · Two Cowboys · Genius Force · The Beat Runners · Mister B. · Xtc 1 & 2 · M.B. Side · Techno Machine · Fox-X · Immaginazione 2 · M.B. Project · DJ System · Grandlazy. Il vinile e stato prodotto dalla No Colors Etichetta italiana di musica dance che è una divisione di F.M.A. Edizioni Musicali e Discografiche S.r.l. Questa etichetta è per le uscite con il logo No Colors e Nocolors. Sottoetichetta della F.M.A. Edizioni Musicali E Discografiche S.r.l. Fondata nel 1970 come casa editrice e come casa discografica nel 1990. F.M.A. è stata fondata nel 1990 dai fratelli Mario Allione e Davide Allione, figli di Italo. F.M.A. lavorare contemporaneamente sull’editoria e sui diritti di master. La nuova direzione era più coinvolta nella musica da ballo. A sua volta sottoetichetta della Abramo Allione Edizioni Musicali S.r.l. Editore italiano, fondato nel 1912 da Abramo Allione. L’azienda è attualmente diretta dal figlio Italo Allione. Un bellissimo vinile forse un po infantile ma e quello che lo rende unico.

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Lato A

Lato B

Talking Heads ‎Talking Heads: 77

Etichetta: Sire ‎SRYL 6036 Serie: Best Buy Series Formato: Vinile, LP, Album,Ristampa Paese: Italia Uscita: 1981 Nota: Logo “BEST BUY SERIES” sulla copertina e sulle etichette. Sulle etichette del centro: Ediz. RCA ℗ ’77, ’81 Prodotto e distribuito dalla RCA S.p.A. Roma Italia. Le durate della traccia sono quelle indicate sulle etichette centrali. Note sulla quarta di copertina: © 1977 Sire Records Inc. Dist. di RCA Italy Stampato in Italia – di Arti Grafiche Arese – Roma. Tracce: Lato A Uh-Oh, Love Comes To Town New Feeling Tentative Decisions Happy Day Who Is It ? No Compassion Lato B The Book I Read Don’t Worry About The Government First Week / Last Week…Carefree Psycho Killer Pulled Up. Talking Heads: 77 è il primo disco dei Talking Heads, pubblicato nel 1977. Ha raggiunto la posizione 97 nella classifica Billboard Pop Albums e il singolo Psycho Killer la novantaduesima. Nel 2003 l’album è stato inserito alla posizione 290 nella classifica dei migliori 500 album di tutti i tempi stilata dalla rivista Rolling Stone. Nel 1995 Alan Cross, nel suo libro The Alternative Music Almanac, ha collocato il disco alla quinta posizione della classifica dei dieci migliori dischi alternativi. Nel 2005 è stata distribuita, dalla Warner Music Group, una riedizione rimasterizzata in formato DualDisc contenente cinque bonus track nel lato CD-Audio. Il lato DVD-Audio contiene, invece, un video dell’esecuzione di Pulled Up e I Feel It in My Heart. Tale ristampa è stata prodotta da Andy Zax e dai Talking Heads. Sulla versione a rivista del libro i 500 migliori album di sempre numero speciale da collezione della rivista Rolling Stone e inserito alla 291° posizione ne parlano cosi : I Talking Heads indossavano camice button down e abbracciavano una rigida normalità come forma di ribellione. E nel 1976 David Byrne confessò : << Per un lungo periodo pensai : “Beh, fanculo tutto”. Ora invece voglio essere accettato>>. Il risultato fu il suono teso, ingegnosamente compresso del loro debutto: una bizzarra meraviglia ricca di fascinosi ritornelli. Su libro 500 migliori album di ogni tempo scritto dalla rivista Rolling Stone lo a inserito alla 287° posizione ne parlano cosi : I Talking Heads indossavano camice button-down e abbracciavano una rigida normalità come forma di ribellione. “Per un lungo periodo pensai : ‘Be’, ‘fanculo tutto”’, disse nel’ 76 David Byrne alla rivista Punk. “Ora voglio essere accettato”. Il risultato fu il suono teso, ingegnosamente compresso del debutto dei Talking Heads. Un disco bellissimo.

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Lato B

Voice 2 Voice ‎Strange Sensation

Etichetta: Back And For Records ‎BAF 34696 Formato: Vinile, 12″ Paese: Italia Uscita: 2001 Tracce: Lato A Strange Sensation M.T.J. Road-Roller Extended Lato B Don’t Let Go M.T.J. 2K2 Remix Extended Strange Sensation M.T.J. Road-Roller Radio. Voice 2 Voice era un progetto fromato da Alberto Bambini, Alessandro del Fabbro, Elisabetta Desideri, Michele Galeazzi, Santa Condello, Stefania Stefani. Alberto Bambini compositore e produttore italiano euro house/italodance a lavorato nei progetti Alfa Gamma, Mabel, Reeb, famoso per avere lavorato al disco Mabel Bum Bum Bum Bum (Children Version) e anche Mabel Disco Disco solo per citarne alcuni. Alessandro del Fabbro produttore di musica dance italiana sua e Bidibodibù (Jive Version) / Basta (Cuscino Version) prodotta nel 1992. Elisabetta Desideri conosciuta anche come Betty B. che nel 1980 fece una canzone su 45 giri che si chiamava Per Quattro Stelle In Fila Indiana prodotto dalla Number 3 Record. Nasce nel 1974 inizia a suonare il pianoforte all’ eta di 8 anni. Consegue la licenza media e studia canto, poi si esibisce con una cover band rock. Poi studia come attrice e inizia a lavorare con LIF (Lega Improvvisazione Firenze) e fa ancora spettacoli in tutta Italia. Scrive favole per bambini e romanzi ironici. Vive in Toscana con la figlia e il marito. Michele Galeazzi produttore di musica dance italiana suoi i seguenti lavori Mabel Disco Disco, Mabel Don’t Let Me Down, Don’t Let Go (M.T.J. 2K2 Remix Extended) presente in questo vinile. Santa Condello a scitto e arrangiato questo vinile e altri tra cui Mabel Don’t Let Me Down, Mabel Land Of Sex, Don’t Let Go (M.T.J. 2K2 Remix Extended) presente in questo vinile. Stefania Stefani voce sia qui che nei The Key Of Sound, in tempi più recenti a collaborato con Ricky M Bergmann in due tracce uscite in MP3 nel 2007 e nel 2008. Questo disco e stato prodotto dalla Back And For Records etichetta dance italiana di proprietà della Gitana Publishing & Record Co. La Gitana Publishing & Record Company casa discografica fondata da Marco Talini DJ e produttore italiano fondata nel 2000 e stata classifica nella top 10 delle etichette dance italiana in quel periodo le sue Sottoetichette Back And For Records, Daytona Records, Dee And Gee Records. Un bel disco in vinile dei primi anni del 2000.

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Lato A

Lato B

The Velvet Underground ‎White Light/White Heat

Etichetta: Verve Records ‎V6/5046, Verve Records ‎V6-5046, Verve Records ‎V/V6-5046 Formato: Vinile, LP, Album,Ristampa Paese: US Uscita: 1998 Nota: Questa è una replica della versione originale rilasciata a partire da gennaio 1968 come Verve V / V6-5046, ma il font del titolo sulla copertina (Eras) ​​è leggermente diverso da quello originale (Kabel). Frontale e colonna vertebrale lista legacy cat #: V6-5046. Questo disco è stato progettato e prodotto in conformità con gli standard sviluppati dalla Record Industry Association of America, Inc., un’organizzazione senza scopo di lucro dedicata al miglioramento della musica e della letteratura registrata. Copertina lucida Manicotto interno fustellato generico con angoli arrotondati. Metro © Metro-Goldwyn-Mayer Inc. Tracce: Lato A White Light/White Heat The Gift Lady Godiva’s Operation Here She Comes Now Lato B I Heard Her Call My Name Sister Ray. White Light/White Heat è il secondo album del gruppo rock The Velvet Underground, pubblicato nel 1968 (ma registrato l’anno prima): segna il termine della collaborazione della band con Andy Warhol e con Nico (Christa Paffgen) ed è anche l’ultimo disco del gruppo prima dell’abbandono di John Cale. La collaborazione tra Cale e la cantante tedesca riprenderà dopo lo scioglimento del gruppo. L’album sceglie come filo conduttore lo stesso della pop art di Andy Warhol: l’alienazione dell’uomo all’interno della società postmoderna, con una violenza sonora e di rumori più accentuata rispetto all’esordio. I testi (scritti da Lou Reed) raccontano episodi quotidiani di paranoia metropolitana, caratterizzati da descrizioni fredde, asettiche e ripetitive. L’atmosfera underground dei brani e l’introduzione di strumenti atipici per il rock come la viola e l’organo, opera di Cale, accentuano la sensazione di straniamento imposta all’uomo dalla modernità. La registrazione è qualitativamente poco valida, il che rende difficile distinguere gli strumenti tra loro e dà un’impressione monotona, piatta e meno immediata del primo album; questo fatto però, secondo alcuni, aiuta a rendere le atmosfere ancora più stranianti e alienanti. La rivista Rolling Stone ha inserito il disco al 292º posto nella sua classifica dei migliori 500 album della storia. La tecnica di registrazione utilizzata per il disco fu grezza e ultra satura di suoni potenti. Cale ha affermato che mentre il loro album di debutto contiene momenti di fragilità e bellezza, White Light/White Heat era “consapevolmente un disco duro, anti-bellezza”. La title track inizia con Lou Reed che si cimenta al pianoforte pestando furiosamente sui tasti alla maniera di Jerry Lee Lewis e parla delle sensazioni di luce e calore date dall’anfetamina. Lady Godiva’s Operation è la canzone dell’album preferita da Reed e contiene alcuni suoni bizzarri per una canzone pop o rock che dir si voglia, con un’atmosfera particolare. Nonostante la predominanza di sonorità dure e rumorose come nella lunga Sister Ray e in I Heard Her Call My Name, l’album contiene anche l’ironicamente macabra The Gift, un racconto scritto da Reed e recitato da Cale nel suo inconfondibile accento gallese con un sottofondo di musica dissonante. La meditativa Here She Comes Now verrà in seguito ripresa da numerose band, tra le quali i Galaxie 500, i R.E.M., i Cabaret Voltaire, i Voodoo Loons, e i Nirvana. L’album venne pubblicato il 30 gennaio 1968, ed entrò al numero 199 della classifica di Billboard restandoci per sole due settimane. L’insuccesso commerciale fece crescere le tensioni all’interno del gruppo: la band era stanca di ricevere poca considerazione per il proprio lavoro, inoltre Reed e Cale volevano portare i Velvet Underground in due direzioni opposte. Le differenze vennero a galla durante l’ultima seduta di registrazione del gruppo a cui presenziò anche Cale nel febbraio del 1968: due canzoni maggiormente pop scritte da Lou Reed (Temptation Inside Your Heart e Stephanie Says) si scontrarono con una composizione dominata dalla stridente viola di Cale (Hey Mr. Rain). (Nessuna di queste canzoni verrà pubblicata, vedranno la luce solo postume negli album di rarità VU e Another View). Reed spingeva per dare ai Velvet una sferzata più commerciale, mentre Cale rimaneva risoluto e fermo nelle sue teorie artistiche sulla sperimentazione sonora dura e pura. White Light/White Heat La title-track racconta un’esperienza convulsiva e anfetaminica: luci e calore improvvisi fanno impazzire il protagonista, catturato da allucinazioni. Il ritmo è ossessivo, basato su un giro di blues, con il ritornello cantato da un coro. The Gift La seconda traccia è uno degli esperimenti sonori audaci tipici dell’album. Il testo vede il protagonista (tale Waldo Jeffers), ancora innamorato della sua ex ragazza, decidere di raggiungerla viaggiando in un pacco postale gigante. La ragazza, però, per aprire lo scatolone usa delle cesoie, con le quali inavvertitamente uccide Waldo. Il testo non si sofferma sui sentimenti provati da Waldo, ma enumera semplicemente gli eventi in maniera fredda e distaccata. La voce distaccata e monotona fa risaltare l’impersonalità delle relazioni umane e la completa spersonalizzazione dell’amore, sottolineate da chitarre distorte in sottofondo e da un giro di basso e batteria paranoico. Musicalmente la composizione è formata dall’unione di un testo recitato da John Cale con forte accento gallese e da uno strumentale suonato simultaneamente in sottofondo, le due piste sonore sono nettamente separate nei due canali stereo. Il racconto è sul canale sinistro, mentre la musica si trova tutta su quello destro. In questo modo, è possibile ascoltare la traccia complessivamente, oppure limitarsi al racconto letto da Cale o allo strumentale suonato dal gruppo. Lady Godiva’s Operation Con il terzo brano ci troviamo di fronte a una bizzarra ballata che racconta di un mal riuscito intervento chirurgico eseguito su una donna (probabilmente un transessuale) non ancora del tutto sotto anestesia, che sente il panico dell’esperienza. “Lady Godiva” finisce per subire una lobotomia invece di un’operazione per il cambiamento di sesso. In alcuni momenti, la voce di Reed si affianca a quella di Cale per sottolineare alcuni versi, in maniera completamente estemporanea e improvvisa; il ritmo, a differenza delle prime due canzoni, è molto più disteso, ma non privo di ripetitività. Completa il tutto un ampio campionario di sinistri effetti sonori. Here She Comes Now Here She Comes Now è la canzone più tranquilla ed orecchiabile sull’album, e contrasta con la durezza dei brani precedenti. Reed canta con voce cristallina accompagnato da un giro armonico di chitarra che rendono dolce il brano. La canzone ricorda i brani più “soft” e melodici scritti per il primo album del gruppo, come Sunday Morning o I’ll Be Your Mirror. Il tema della canzone è la speranza del protagonista di riuscire a “far venire” la sua compagna, che però, a suo dire, sembra “fatta di legno”. La canzone era stata originariamente scritta per Nico, che infatti la interpretava durante i concerti, quando però uscì l’LP White Light, White Heat, la cantante aveva già lasciato il gruppo. I Heard Her Call My Name La quinta traccia è un’opera piena di rumori, feedback, e cacofonie, sottolineata da violenti assoli di chitarra e stacchi di batteria. Descrive un colpo di fulmine avvenuto in una via di New York: Reed impersona un innamorato impazzito che lancia urla improvvise, affiancate a violenti acuti delle chitarre. L’oggetto del desiderio del protagonista sembra essere però, una ragazza ormai defunta. Sister Ray L’ultimo brano, considerato da molti il capolavoro dell’album, è una vera e propria sinfonia del minimalismo, costruita su pochi semplici accordi che raccontano un’orgia di tossici gay con tanto di morto ed intervento della polizia. Da notare nel brano le improvvisazioni dell’organo di Cale, le invenzioni vocali di Reed e le percussioni della Tucker. La copertina del disco, ancora ideata da Andy Warhol ma realizzata dal fotografo Billy Name (vero nome Billy Linich), è completamente nera ad eccezione del nome del gruppo e del titolo del disco. Nell’angolo in basso a sinistra era visibile in controluce un teschio trapassato da un coltello (si trattava di un tatuaggio dell’attore Joe Spencer, che aveva recitato la parte del protagonista nel film Bike Boy del 1967 di Warhol) stampato con inchiostro nero su sfondo nero. Proprio questa sua particolarità rese la copertina di difficile riproduzione nelle ristampe economiche successive, che si limitarono alla riproduzione della copertina tutta nera senza teschio in trasparenza. Inoltre, alcune copie dell’edizione americana avevano la grafia sbagliata dell’ultimo titolo del primo lato: There She Comes Now invece di Here She Comes Now. La ristampa inglese del 1971 aveva una copertina differente, la cover nera era stata sostituita da una foto in bianco e nero di un gruppo di soldatini giocattolo, opera di un certo Hamish Grimes. Il 9 dicembre 2013, la Universal ha pubblicato una deluxe edition dell’album in diverse versioni da 2 o 3 CD, e in box set in vinile, da intendersi come “edizione definitiva”. In essa sono contenuti i missaggi mono e stereo del disco sui CD 1 & 2 più varie tracce bonus, e la registrazione di un concerto inedito della band datato 1967 proveniente dagli archivi privati di John Cale. Sul libro 1000 dischi fondamentali rock ne parlano cosi : Licenziato Andy Warhol dopo avere licenziato Nico, i Velvet Underground escono dalla nicchia confotevole ma poco remunerativa delle gallerie d’ arte, in cui si sono mossi fino a quel momento, ed entrano a tutti gli effetti nel competitivo agone del rock. Un fitto calendario concertistico garantisce loro una stentata sopravvivenza. Gravitano soprattutto su Boston e li conoscono Steve Sesnick, che sarà il loro menager da qui all’ ignominiosa fine e al quale a posteriori addosseranno ogni nefandezza. Per intanto, non sarà Brian Epstein ma li mantiene “on the road” e più o meno nelle grazie di una casa discografica che ha già dovuto confrontarsi con vendite fallimentari e non può più contare sulla pubblicità gratuita che Warhol aveva portato in dote. Più che altro, alla Verve dei Velvet non sanno proprio che fare e meno male. Se ne curassero un minimo White Light/White Heat non lo stamperebbero neppure. Si fidano invece di Tom Wilson, che figura come produttore ma che si dice che passò molto più tempo appartato con belle figliole che dietro il mixer. I mesi trascorsi in tour hanno compattato, indurito, energizzato un suono che, pur dando sempre parecchio spazio all’ improvvisazione, si è fatto più rock’n’roll. Il brano che inaugura e intitola il disco ha andatura svelta e innodica. è subito dopo che le cose cominciano a diventare strane, con The Gift, raccontino surrealmente horror di Lou Reed che Cale legge su un canale con tono impassibile mentre sull’ altro l’ accompagnamento è una versione schizoide del soul strumentale alla Booker T. é ancora il Gallese a interpretare, levitando su chitarre lisergicamente ondivaghe, la gotica Lady Godiva’s Operation. Se Here She Comes Now segna un momentaneo ritorno al folk-rock dell’ album precedente, I Heard Her Call My Name è stupenda distorsione in corsa, caos che rifiuta ostinatamente ogni ipotesi di palingenesi. Degno prologo ai fragorosi 17’272″ cheda soli basterebbero a riservare ai Velvet Underground un posto di primo piano nella storia del rock. Zenit, Sister Ray, di un lavoro tanto distante dal predecessore quanto ugualmente decisivo per l’ evoluzione del rock. Sul libro i 500 migliori album di ogni tempo della rivista Rolling Stone e al 289° posto ne parlano cosi : Annegando le canzoni in tonnellate di fuzz e ronzio chitarristici, i Velvet Underground riuscirono a catturare gli incredibili sballi dei loro concerti nel loro secondo album, il più estremo all’ interno del catalogo estremo dei VU. Il momento che fa accaponare la pelle? “Sister Ray”, 17 minuti di amplificatori urlanti. Sulla rivista Classic Rock numero 077 al articolo sui 100 grandi album degli anni 60 e inserito al 25° posto ne parlano cosi : Di solito è l’ esordio dei Velvet che si prende tutto il merito. Tante cucchiaiate di zuccherosa Sunday Morning per far andare giu Heroin, e le sue canzoni di mortee molto sadomaso con safewords adatte alla radio. Ma WL/WH non concede scampo, andando dritto al cuore dell’ oscurità di Lou Reed. Il brano omonimo è al di là del glam, e al di là del punk. é la musica del peccato originale, la musica dello straniero, un lampo di lussuria adrenalinica e deviata. Lady Godiva’s Operation ci accopagna in un cambio di sesso, prima che la sinfonia anfetaminica Sister Ray infranga ogni regola che il rock abbia mai potuto, o dovuto, avere. Sulla versione a rivista del libro i 500 migliori album di sempre di Rolling Stone numero 106 numero speciale da collezione e stato inserito al 293° posto ne parlano cosi : Annegando le proprie composizioni in tonnellate di fuzz e ronzio chitarristico, i Velvet Underground realizzarono con White Light/White Heat l’ album più estremo all’ interno del loro già estremo catalogo. Sister Ray è l’ esempio più significativo di questo percorso, giacchè consiste di un’ inprovvisazione a base di amplificatori urlanti lunga 17 minuti. Un disco bellissimo.

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Lady Violet ‎No Way No Time

Etichetta: New Music International ‎NMX 2250 Formato: Vinile, 12″ Paese: Italia Uscita: 2001 Tracce: Lato A No Way No Time Radio Edit No Way No Time Extended Mix Lato B No Way No Time Open Base Edit No Way No Time Open Base Club. Lady Violet, pseudonimo di Francesca Messina (Firenze, 10 settembre 1972), è una cantante italiana dance. Il personaggio di Lady Violet è stato per molto tempo avvolto nel mistero, per volere della stessa cantante e della sua casa discografica. Il nome di Francesca Messina, nascosto dietro lo pseudonimo, è rimasto segreto fino ad anni recenti: in precedenza, di Lady Violet veniva detto che fosse una nobildonna che aveva rinunciato ai suoi possedimenti per la musica. Durante i suoi live indossava spesso una parrucca viola. Francesca Messina ha ricoperto il ruolo di Lady Violet dalla nascita del gruppo fino al 2001, le pubblicazioni successive a questo anno sono relative a registrazioni avvenute precedentemente quando Francesca aveva abbandonato il gruppo in forma ormai definitiva per dedicarsi a tempo pieno alla carriera teatrale. Durante la sua carriera, tra il 1999 e il 2004, Lady Violet ha pubblicato solamente otto singoli. Francesca Messina, l’artista che si celava dietro l’identità di Lady Violet, ha collaborato al progetto fino al 2001. Tutti i singoli e i lavori pubblicati dopo quella data sono frutto di una strategia produttiva che ha sfruttato il nome Lady Violet senza la diretta collaborazione della stessa Messina. Il primo singolo dal, titolo Inside to Outside nell’ottobre 1999 (cover dell’omonimo brano di Limahl) è però cantato da Melody Castellari, con il quale il progetto riscuote un notevole successo sia in Italia, dove diventa un vero e proprio “riempi-pista” nelle discoteche, sia in Europa, in particolare in Svezia ed in Danimarca, premiata in entrambe con un “disco d’oro”, ma anche in Belgio, Norvegia, Francia e Gran Bretagna. Anche il rispettivo video, ambientato a Los Angeles nella casa di Marilyn Monroe, ottiene il medesimo successo e viene passato dalle principali televisioni musicali del vecchio continente. Il secondo singolo Lovin’ You Baby, pubblicato verso la fine del medesimo anno, passa quasi inosservato, mentre nella primavera del 2000 il terzo singolo Beautiful World, riesce a ripetere il successo precedente su scala europea, destinato a divenire un tormentone estivo, ne registra anche il video, secondo ed ultimo della sua carriera. Dopo l’estenuante tour europeo, relativo al successo di Beautiful World, Francesca Messina abbandona definitivamente il ruolo di Lady Violet per dedicarsi al teatro contemporaneo a tempo pieno. Da questo momento in poi, la produzione continua a mantenere il soprannome Lady Violet nonostante Francesca Messina non collabori più direttamente al gruppo; con questo soprannome vengono pubblicati nel 2001 altri due singoli Calling Your Name e No Way No Time, frutto di registrazioni realizzate precedentemente e che sfiorano i risultati delle prime due hit, limitandosi alle discoteche, mentre passa inosservato invece Feelin’ Alright in collaborazione con il duo di dj Soul’B’Luc. Dopo una pausa di circa un anno la produzione pubblica infine un ultimo singolo intitolato In Your Mind. Infine dopo un periodo di assenza dalla musica, il gruppo (sempre senza la Messina) torna come semplice soprannome nel 2004 in una produzione realizzata in collaborazione con i Soriani Bros., pubblicando un brano house dal titolo Dancing for Love, dopodiché il soprannome di Lady Violet scompare per sempre. In tempi recenti si è chiarito come Francesca Messina per tutto il 2002, il 2003, il 2004 e il 2005 avesse definitivamente abbandonato il gruppo Lady Violet, era infatti impegnata esclusivamente come performer nel teatro contemporaneo. Tutte le pubblicazioni a nome Lady Violet successive al 2001, dopo il successo di Beautiful World, sono in realtà il frutto di una volontà produttiva indipendente da quella della cantante e relative a registrazioni precedenti. Francesca Messina infatti prosegue la sua carriera in ambito teatrale dal 2001 in poi, mentre si laurea nel 2005 e studia doppiaggio con Giorgio Lopez. È del 2010 un suo gruppo musicale sperimentale dal titolo La Materia Strana del quale esiste un video, dove Francesca Messina è facilmente riconoscibile, mentre nel 2013 uscirà il suo nuovo gruppo musicale da solista sotto lo pseudonimo di Femina Ridens. Un bel vinile meno famoso di Lady Violet ma comunque sempre un bellissimo pezzo da discoteca.

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The Velvet Underground & Nico

Etichetta: Vinyl Lovers ‎900051 Formato: Vinile, LP, Album, ristampa 180 grammi copertina apribile Paese: Europa Uscita: 2008 Nota: Adesivo con codice a barre su protezione in plastica con il testo: “Vinile 180 grammi Traccia bonus: Chelsea Girls Copertina con Original Peeling Banana di Andy Warhol !!!” Manichetta apribile con originale design originale a banana peelabile. La banana è realizzata con materiale adesivo per finestre ed è rimovibile. La traccia B5 è una traccia bonus. Tracce: Lato A Sunday Morning I’m Waiting For My Man Femme Fatale Venus In Furs Run Run Run All Tomorrow’s Parties I’ll Be Your Mirror Lato B Heroin There She Goes Again The Black Angel’s Death Song European Son Chelsea Girls. The Velvet Underground & Nico è il primo album dei Velvet Underground, gruppo musicale rock statunitense, registrato con la collaborazione vocale della cantante tedesca Nico nel 1966 e pubblicato nel 1967 dalla etichetta Verve Records. Il disco è considerato uno degli album più importanti, influenti ed acclamati della storia della musica rock, avendo gettato le basi per una moltitudine di generi venuti dopo (come punk, new wave, rock alternativo o post-rock) e avendo introdotto tematiche innovative nei testi che lo compongono, mai affrontate prima in maniera così esplicita in un brano rock, come la vita metropolitana, la perversione e la deviazione sessuale, l’alienazione urbana o lo spaccio e assunzione di droga. L’album venne prodotto da Tom Wilson e da Andy Warhol, il quale ne disegnò la celebre copertina con la banana, inserita dalla rivista di critica musicale Rolling Stone al decimo posto nella lista delle “100 migliori copertine della storia”. Nel 2006 The Observer ha inserito The Velvet Underground & Nico al primo posto nella lista dei “50 album che hanno cambiato la musica”. La rivista Uncut lo ha giudicato “il più grande album di debutto di tutti i tempi”. Nel 2003 l’album fu inserito dalla rivista Rolling Stone al 13º posto nella lista dei “500 migliori album della storia della musica”, mentre il quotidiano britannico The Times lo inserisce all’11º posto nella lista dei “100 migliori album di tutti i tempi”. Il mensile la Repubblica XL lo ha definito “il disco che ci ha cambiato la vita dando forma alla cultura pop grazie alla scandalosa copertina di Warhol e a un suono rivoluzionario”. L’album è inserito nel National Recording Registry dalla Biblioteca del Congresso degli Stati Uniti come opera da preservare per i posteri. Considerato a posteriori uno degli album fondamentali nella storia del rock, una pietra miliare cui numerosi artisti si sarebbero ispirati in futuro, l’album in realtà non riscosse un particolare successo commerciale al momento della sua pubblicazione. Insieme alla band (che all’epoca consisteva in Lou Reed, John Cale, Sterling Morrison e Maureen “Moe” Tucker) figurava la cantante Nico in tre canzoni (Femme Fatale, All Tomorrow’s Parties e I’ll Be Your Mirror). La ragazza venne invitata dal produttore e amico Andy Warhol, il quale pensò che l’aggiunta della carismatica figura dell’algida modella tedesca potesse far guadagnare popolarità al gruppo. Tutte le canzoni che formano il disco sono state registrate in due soli giorni, in un decrepito studio di New York, lo Scepter Studios, nell’aprile del 1966. Le incisioni vennero finanziate da Warhol e dalla Columbia Records, che si interessò con la speranza di poter vendere il prodotto ad un’altra compagnia. Columbia, Atlantic Records e Elektra Records rifiutarono, ma la piccola etichetta jazz Verve Records, che era molto interessata al rock più sperimentale, accettò. Determinante fu la segnalazione da parte del produttore Tom Wilson, che aveva recentemente preso a lavorare per la Verve dopo un periodo passato alla Columbia. Tre delle canzoni, I’m Waiting for the Man, Venus in Furs e Heroin, vennero ri-registrate a Hollywood alla fine del 1966, nel corso di due giorni ai T.T.G. Studios. La pubblicazione dell’album venne ripetutamente rimandata a causa di problemi inerenti alla produzione della complicata copertina con la banana sbucciabile ideata da Warhol. Nel novembre ’66, Wilson portò la band in studio a New York per ultimare il tutto ed aggiungere l’ultima canzone: il singolo Sunday Morning. Esiste una certa confusione circa la reale identità del produttore discografico di The Velvet Underground & Nico. Anche se Andy Warhol venne formalmente accreditato nelle note del disco come produttore dell’album, egli ebbe un’influenza relativamente minima per quanto riguarda le scelte prettamente musicali. Infatti, diversi altri individui che lavorarono all’album vengono spesso menzionati tecnicamente come produttori dell’LP. Ai tecnici Norman Dolph e John Licata è spesso attribuita la produzione delle tracce incise agli Scepter Studios, essendo essi considerati come responsabili della produzione e mixaggio delle registrazioni in questione (nonostante non vengano nominati nelle note originali dell’LP). Dolph stesso, tuttavia, ammise che fu John Cale a svolgere la funzione di primario produttore creativo, occupandosi dell’arrangiamento della maggior parte dei brani sul disco. D’altra parte, Cale in seguito rimarcò il fatto che fosse stato Tom Wilson l’artefice principale della produzione tecnica di The Velvet Underground & Nico, sminuendo invece il ruolo svolto da Andy Warhol. Sterling Morrison descrisse Warhol come produttore nel senso di “produttore cinematografico”. Disse che la band lo aveva coinvolto solo dal lato finanziario e che l’artista si limitò a stare seduto in silenzio in cabina di regia per quasi tutta la durata delle sessioni ad ascoltare le canzoni, dando, di tanto in tanto, qualche consiglio. The Velvet Underground and Nico è a volte chiamato “banana album” per via della copertina raffigurante una banana disegnata da Andy Warhol. Sulla copertina non compariva né il nome del gruppo né quello della casa discografica, ma solo la firma dell’artista. Le prime copie del disco invitavano chi la guardava a “sbucciare lentamente e vedere” (peel slowly and see); togliendo un adesivo si poteva vedere una banana rosa shocking (maliziosa metafora di un membro maschile). L’album ebbe una notevole sfortuna per la diffusione: la produzione venne fermata e tutti i dischi nei negozi vennero ritirati per l’alto costo della stampa (era stato progettato un macchinario apposito) e una successiva stampa ebbe dei problemi legali con il ballerino della Factory Eric Emerson in quanto una sua fotografia, tratta da un film di Warhol, era stampata sul retro dell’album senza che gli venissero pagati i diritti d’immagine. L’album venne nuovamente ritirato, e ciò contribuì a limitare il suo successo commerciale. The Velvet Underground & Nico ottenne un successo tardivo tanto che viene oggi considerato una pietra miliare del rock, un rock che Lou Reed ha sempre definito “per adulti”, dove all’opposto di musica come divertimento si predilige la musica come cultura. Mai prima d’ora un simbolo erotico così esplicito era stato usato per la copertina di un album, Andy Warhol seppe unire la sensibilità musicale dei Velvet e la sua sensibilità visiva, la trasgressione dei testi alla trasgressione dell’immagine. All’epoca della sua uscita, The Velvet Underground & Nico fu ampiamente un insuccesso dal punto di vista commerciale per gli standard della musica pop degli anni sessanta. I suoi controversi contenuti e le tematiche scabrose dei brani fecero sì che l’album venisse quasi immediatamente bandito in molti negozi di dischi. Molte stazioni radio si rifiutarono di mandare in onda le canzoni dell’album e anche certi giornali si rifiutarono di pubblicizzarlo o di recensirlo. L’insuccesso poté anche imputarsi alla Verve, che fallì nel promuovere e distribuire l’album in maniera competitiva. L’album debuttò nella classifica di Billboard il 13 maggio 1967 posizionandosi al 199º posto per poi raggiungere la posizione massima numero 195 il 10 giugno 1967. Rientrò in classifica il 18 novembre 1967 al numero 182, raggiungendo il 171º posto il 16 dicembre 1967, uscendo definitivamente di classifica il 6 gennaio 1968 alla posizione numero 193. Nonostante la quasi pressoché totale mancanza di successo commerciale all’epoca della pubblicazione, l’album con il passare degli anni ha goduto di una enorme rivalutazione sia da parte della critica sia da parte del pubblico. La rivista Rolling Stone ha inserito il disco al 13º posto nella sua classifica dei migliori 500 album della storia, mentre nel 2006 The Observer lo ha dichiarato primo tra i 50 “album che hanno cambiato la musica”. Per fare altri esempi della grande stima nei riguardi dell’album, la rivista Uncut lo ha definito “il più grande album di debutto di tutti i tempi”, inoltre nel 2006 è stato inserito nel National Recording Registry dalla Biblioteca del Congresso degli Stati Uniti come opera da preservare per i posteri. Sunday Morning Dietro la serena descrizione di una calma domenica mattina, tranquillo risveglio dopo una notte di abusi di droghe, si cela un sentimento di paranoia e d’ansia strisciante che attanaglia il narratore della canzone. Il produttore Tom Wilson avrebbe voluto che a cantare il brano fosse Nico, ma Lou Reed volle cantarlo a tutti i costi lui stesso. I’m Waiting for the Man Uno studentello bianco si reca in un quartiere nero di Harlem a comprare dell’eroina dal suo spacciatore di fiducia che lo fa sempre aspettare. Farà dei brutti incontri prima di riuscire ad avere la sua dose. Un martellante piano boogie, contrappuntato da chitarre elettriche quasi punk, impreziosisce il brano. La parte finale del brano da inoltre spazio dal suono di un pianoforte che suona sempre la stessa nota. Femme Fatale Facciamo la conoscenza di una figura femminile algida, cinica e risoluta, che non si fa scrupoli a trattare i suoi spasimanti come giocattoli. Nico la interpreta sul disco alla perfezione. Lou Reed ha raccontato che la canzone fu scritta, dietro richiesta di Andy Warhol, ispirandosi alla figura di Edie Sedgwick. Venus in Furs Ispirata dalla lettura del romanzo Venere in pelliccia di Leopold von Sacher-Masoch, descrive un triangolo sadomaso non privo di amarezza esistenziale, tra due amanti e il narratore che li osserva nel loro perverso gioco servo-padrona. Il brano risalta per la violenta presenza della viola di John Cale. Run Run Run Ambientata a Union Square, un parco dove si incontrano gli spacciatori di droga a Manhattan. I protagonisti della canzone sono quattro delinquenti dai nomi bizzarri, forse transessuali, (Teenage Mary, Margarita Passion, Seasick Sarah, e Beardless Harry), appartenenti al mondo della droga di New York. Brano essenzialmente Rock n’ Roll con lunghi assoli di chitarra elettrica nell’intermezzo. All Tomorrow’s Parties Funerea riscrittura della favola di Cenerentola cantata da Nico; era la canzone del disco preferita da Andy Warhol. Lou Reed descrisse il brano anche come «una descrizione molto appropriata di certa gente che frequentava la Factory in quel periodo». Il brano è accompagnato da un pianoforte preparato su idea di John Cale che suona sempre la stessa nota. Del brano esistono due versioni, una pubblicata come singolo (lato B: I’ll Be Your Mirror), con la voce di Nico ben in evidenza raddoppiata su due piste, e una seconda con un missaggio più pacato e meno radiofonico. Heroin Cruda descrizione della dipendenza dall’eroina di un tossicodipendente. La descrizione dell’esperienza è raccontata nei dettagli più feroci, come l’ago che buca la vena, il sangue che entra nella siringa e la volontà di annullarsi completamente nella droga che diventa l’unica compagna di vita del protagonista. There She Goes Again Un ragazzo è tormentato dalla gelosia che prova per la sua ragazza che sembra non curarsi minimamente di lui e provare piacere a ferire i suoi sentimenti. Il consiglio di Lou Reed? Picchiarla. Il riff iniziale della canzone è ripreso dal successo del 1963 di Marvin Gaye Hitch Hike. I’ll Be Your Mirror Delicata canzone d’amore scritta da Reed per essere cantata da Nico. Dedicata al primo amore di Lou, Shelley Albin, e forse anche alla stessa Nico, con la quale Reed all’epoca ebbe una breve relazione. The Black Angel’s Death Song Sperimentazione sonora attraverso un massiccio uso del feedback e della viola distorta e lancinante di Cale. Il testo è un fluire di immagini onomatopeiche, nonsensi e associazioni verbali senza un particolare significato. Sulla canzone circola una celebre leggenda metropolitana confermata anche da Sterling Morrison, si dice che la sera stessa che i Velvet Underground suonarono la canzone per la prima volta in pubblico, furono licenziati in tronco dal proprietario del locale in cui si esibivano. European Son Dedicata alla memoria del primo nume tutelare di Lou Reed, il poeta Delmore Schwartz. Dopo un breve testo cantato sopra un convenzionale riff di chitarra e basso, un rumore assordante (simile al ruggito di una tigre in un catino, ma in realtà fatto da John Cale trascinando una sedia di metallo sul pavimento e poi facendola sbattere violentemente contro una pila di piatti di alluminio) ci porta a un brusco cambio di clima: una lunga coda strumentale a base di distorsioni e feedback di chitarra che sconvolse non poco il pubblico di allora. Le principali influenze musicali dell’album sono da ricercarsi in modo differente nei membri della band. John Cale, che aveva studiato con John Cage e composto musica sperimentale insieme al collettivo di musicisti di LaMonte Young (Theatre of Eternal Music) fa ampio uso, tramite la viola, dei bordoni e dei feedback di stampo minimalista, solitamente in quasi tutte le canzoni dell’album: Heroin, Venus in Furs, Black Angel’s Death Song per citarne alcune. Il pianoforte preparato, tramite uso di graffette fermacarta tra le corde, di All Tomorrow’s Parties è un’idea musicalmente vicina a John Cage il quale sperimentò ampiamente su strumenti musicali preparati. Lou Reed utilizza per lo più chitarre ad accordatura aperta oltre quella che lui stesso denominò “Ostrich Guitar” (dal titolo di una sua canzone pre-Velvet Underground). La “Ostrich” è una chitarra le cui corde sono tutte accordate sulla stessa nota. Viene utilizzata ad esempio nella parte finale di Venus in Furs e in un lungo assolo di Run Run Run. Il tipico suono tintillenante delle chitarre di Heroin è di stampo Folk-rock e denominato Jingle-Jangle, utilizzato dai Byrds che da loro prenderebbe nome. Sterling Morrison, di stampo più rock n’ roll, accompagna Lou Reed alla chitarra ritmica in gran parte delle canzoni dell’album mentre in alcuni brani (come Sunday Morning) suona il basso. Morrison apprezzava anche i tipici cori e la musica Doo-Wop, elemento che risalta nei pezzi in cui lui e Reed seguono in coro la voce di Nico nel ritornello di Femme Fatale ed anche in There She Goes Again. La batterista Maureen Tucker era principalmente influenzata da Bo Diddley e Charlie Watts. Le sue percussioni ricordano lo stile primitivista, potente e ipnotico di Babatunde Olatunji che prende come ispirazione per suonare in modo più “africano”. A causa della travagliata fase di produzione e di impaginazione grafica, l’album venne pubblicato in un gran numero di versioni differenti. Si calcola che, nei soli Stati Uniti, ne esistano circa 30 edizioni diverse: la versione originale, la versione con l’adesivo a coprire sul retro il viso di Eric Emerson, quella con la faccia cancellata e quella con una diversa foto sul retro di copertina. Inoltre copie mono e stereo di ognuna di queste versioni, LP con la banana realmente sbucciabile ed altre con solo il disegno della stessa. La prima versione in formato CD dell’album venne immessa sul mercato nel 1986 e conteneva qualche lieve differenza rispetto al vinile. Il titolo dell’album era inserito sulla copertina, a differenza della cover originale dell’LP che recava la sola firma di Andy Warhol in basso sulla destra. In aggiunta, l’album conteneva un mixaggio alternativo di All Tomorrow’s Parties con una traccia vocale singola al posto di quella raddoppiata della versione dell’LP originale. Apparentemente, Bill Levenson, il tecnico che curò la produzione delle prime edizioni in CD del catalogo dei Velvet Underground, decise di includere la versione del brano a singola voce, come una sorta di piccola sorpresa per i fan. La successiva edizione in CD rimasterizzata del 1996 ripristinò la grafica originale di copertina e i mixaggi originari dell’album. The Velvet Underground & Nico fu inserito all’interno del cofanetto antologico Peel Slowly and See del 1995. L’album si trova sul secondo CD del box set insieme alla versione su singolo di All Tomorrow’s Parties, a due canzoni di Nico tratte da Chelsea Girl e a un estratto di dieci minuti di durata della traccia inedita Melody Laughter. Sul primo disco del cofanetto sono invece inclusi i nastri demo di Ludlow Street del 1965 dove compaiono versioni preliminari di Venus in Furs, Heroin, I’m Waiting for the Man e All Tomorrow’s Parties. L’originale acetato preliminare prodotto da Norman Dolph agli Scepter Studios contiene svariate registrazioni dei brani che sarebbero finite sulla versione finale dell’album, anche se molte di queste con un mixaggio differente e tre di esse in versione totalmente diversa. L’acetato venne preparato il 25 aprile 1966, al termine delle sessioni di registrazione e poi se ne persero le tracce. Il disco sarebbe riapparso solo dopo circa quarant’anni quando fu acquistato dal collezionista Warren Hill di Montréal, Canada, nel settembre 2002 in un mercatino dell’usato situato nel quartiere di Chelsea a New York per la cifra di $0.75. Hill, rendendosi conto della rarità dell’acetato acquistato, mise l’album in vendita su eBay nel novembre seguente. L’8 dicembre 2006, un anonimo acquirente si aggiudicò l’asta per la cifra favolosa di 155.401 dollari, ma si rivelò un truffatore. L’album venne nuovamente messo all’asta su eBay e venduto con successo il 16 dicembre 2006 per 25.200 dollari. È importante far notare che delle dieci canzoni registrate agli Scepter Studios, solo nove sono presenti sul nastro. Dolph indica There She Goes Again come la traccia mancante. Nel 2002, la Universal ha pubblicato una “Deluxe Edition” del disco in due CD che comprende sia la versione stereo che mono dell’intero album, insieme a cinque canzoni prese dall’LP di Nico Chelsea Girl (Little Sister, Winter Song, It Was a Pleasure Then, Chelsea Girls, e Wrap Your Troubles in Dreams, tutte canzoni scritte da membri dei Velvet Underground) e le versioni su singolo di All Tomorrow’s Parties, I’ll Be Your Mirror, Sunday Morning, e Femme Fatale. Il 1º ottobre 2012, la Universal ha pubblicato una versione dell’album in cofanetto box set di 6 CD, da intendersi come “edizione definitiva”. In esso sono contenuti i missaggi mono e stereo del disco (incluse le rispettive bonus tracks) sui CD 1 & 2, l’album Chelsea Girl di Nico nella sua interezza sul terzo CD e l’acetato degli Scepter Studios sul CD 4. I dischi 5 e 6 contengono un’esibizione live del 1966 precedentemente inedita da parte del gruppo. Sulla versione a rivista del libro dei 500 migliori album di sempre scritto dalla rivista Rolling Stone lo inserisce alla 13° posizione scrivendo cosi : stavamo cercando di realizzare una cosa alla Phil Spector, disse una volta di questo disco John Cale, pianista e violoncellista di formazione classica, membro fondatore dei Velvet Underground. Ma la nostra idea di “Wall of Sound” era all’ esatto opposto di quella di Spector : lui voleva riempire ogni minuscolo spazio di suono, noi volevamo riuscirci utilizzando il minor numero di strumenti possibile. Non era banale presunzione, quella che suggeri a Cale le suddette parole. La verità è che molto di ciò che da 30 anni a questa parte diamo per scontato nel rock come nel pop non sarebbe mai esistito senza questo gruppo newyorkese. La sessualità androgina del glitter; il crudo pessimismo del punk; l’ ululato oscuro del grunge e del rock rumoristico; la cupezza imperiale del goth: ecco solo alcuni degli scenari aperti dai Velvet. Registrato in uno studio che stava letteralmante cadendo a pezzi, The Velvet Underground and Nico è un disco dal respiro intrepido e dal lirismo profondo. Lou Reed (principale autore dei testi) riusci a documentare più che semplicemente “raccontare” desiderio carnale e tossicodipendenza, decadenza e redenzione con una perizia pop appresa nei suoi anni come autore a cottimo per la Pickwick Records. Cale applicò ai ritmi i principi della ripetitività appresi dal compositore minimalista La Monte Young, mentre il chitarrista Sterling Morrison e la batterista Maureen Tucker garantivano il lato “tribale”. Su tutto poi, la gelida femminilità di Nico, una cantante tedesca imposta al gruppo dal manager Andy Warhol. Respinto in quanto troppo nichilista dai figli dei fiori del 1967, l’ album con la banana (opera di Warhol), è in realtà il disco rock più profetico mai realizzato. Sulla rivista classic rock magazine lifestyle al articolo sui 250 dischi da avere in vinile ne parla cosi : Un esempio di visione di una band e del nervosismo della casa discografica. Un gruppo sconosciuto pubblica un Lp con una copertina che è una sfacciata opera d’ arte, realizzata e frimata dall’ artista avant-garde Andy Warhol, che omette tanto il loro nome quanto il titolo dell’ album. L’ immagine nello stile dai contorni marcati per il quale era allora famoso, fu stampata su una pellicola rimovibile, con un invito a ‘sbucciare e vedere’ l’ immagine color carne che c’ era sotto ! Dietro, una composizione semplice e chiara d’ immagine e caratteri : magari meno ispirata, ma almeno può aiutare il novizio. Sul libro scritto dalla rivista Rolling Stone i 500 migliori album di ogni tempo lo collocano al 13° posto e ne parlano cosi : “Cercammo di fare una cosa alla Phil Spector con il minor numero di strumenti possibile”, disse una volta di questo disco John Cale, pianista e suonatore di viola di formazione classica dei Velvet Underground. Non era vanagloria. Molto di ciò che diamo per scontato nel rock non esisterebbe senza questo gruppo newyorkese e il suo fondamentale The Velvet Underground and Nico: la sessualità androgina del glitter, il crudo pessimismo del punk, l’ ululato oscuro del grunge e del rock rumoristico. è un disco di intrepido respiro e profondo lirismo. Il cantautore Lou Reed documentava desideri carnali e tossicodipendenza con perizia pop appresa come compositore su commissione per la Pickwick Records. Il”protominimalista” Cale introdusse la potenza del ritmo e della ripetitività; il chitarrista Sterling Morrison e la batterista Maureen Tucker suonavano con forza tribale; Nico, una cantante tedesca aggiunta brevemente al gruppo dal manager Andy Warhol, insinuò una gelida femminilità nell’ acceso ennui delle canzoni di Reed. Respinto come nichilistico dai Figli dei Fiori nel’ 67, l’ Album con la Banana (dalla copertina disegnata da Warhol), è il disco rock più profetico mai realizzato. Sul libro 1000 dischi fondamentali rock ne parlano cosi : Fate caso alla data d’ incisione, non di pubblicazione: rende The Velvet Underground & Nico ancora più straordinario di quanto non sia. In una vicenda giovane come era quella del rock allora, anche pochi mesi contavano e l’ anno che ci mise l’ album a raggiungere i negozi colpa dell’ inesperienza di Andy Warhol, di una casa discografica incerta sul come gestire materiali cosi dirompenti del complottare dietro le quinte di Herb Cohen, manager di Zappa, disposto a tutto pur di fare uscire prima i Mothers Of Invention non solo lo danneggio enormemente sotto il profilo mercantile ( l’ hype che aveva salutato gli spettacoli multimediali dell’ “Exploding Plastic Inevitable” nettamente in calando) ma ha anche falsato la prospettiva storica. Lo si colloca nel 1967 e si sottolinea il suo essere antipodico al sentire generale che dette origine ai figli dei fiori e alla pisichedelia, ma se lo si pensa come un disco del ’66 da un lato anticipa la psichedelia stessa (con Venus In Furs), dall’ altro è apparizione aliena in un mondo che impiegherà quasi tre lustri a capire cosa l’ avesse colpito. Il disco vive di un perfetto equilibrio fra tensione e rilascio, gioco di scatole in cui il folk metropolitano di Sunday Morning e Femme Fatale contiene il martellamento alla Bo Diddley di I’ m Waiting For The Man, il rock’n’ roll a rotta di collo di Run Run Run si situa fra il raga di Venus In Furs e la parata di chitarre scintillanti e circolari di All Tomorrow’s Parties, l’ incubotica Heroin precede il beat quasi byrdsiano (in realtà un plagio di Marvin Gaye !) di There She Goes Again e quello e la soffusa tenerezza di I’ll Be Your Mirror conducono allo scontro fra viola stridente e voce recitante di The Black Angel’s Death Song e al tribale caracollare di European Son. Dedica quest’ ultima a Delmore Schwartz, maestro di poesia e di vita di Lou Reed che proprio in quel 1966 lasciava questo mondo per andare a cercare bar in altri universi. Dobbiamo alla sua influenza testi da esegesi parola per parola : sipari di scapigliatura e sessualità deviata, donne fatali e vite drogate che per primi introducevano nel rock (Dylan veniva dal folk, gioverà ricordare) tematiche adulte, letterarie. Un disco unico.

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Interno album

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ATC ‎I’m In Heaven (When You Kiss Me)

Etichetta: Time Melodica ‎TIME-M 293 Formato: Vinile, 12″, 33 ⅓ RPM Paese: Italia Uscita: 2001 Tracce: Lato A I’m In Heaven (When You Kiss Me) Radio Edit 5 Inch – Version I’m In Heaven (When You Kiss Me) Radio Edit 12 Inch – Version Lato B I’m In Heaven (When You Kiss Me) Disco Mix I’m In Heaven (When You Kiss Me) BKA @ Blue PM Mix. “I’m In Heaven (When You Kiss Me)” è una canzone del gruppo Eurodance tedesco ATC. È stato pubblicato nel luglio 2001 come singolo principale del loro secondo album Touch the Sky. Il video musicale inizia con un gruppo di persone che guardano il cielo notturno e individuano un raggio di luce luminoso. Successivamente zooma su un pianeta straniero arido dove l’ATC è seduto e guarda in alto nel cielo. Il gruppo quindi si alza e cammina attraverso una prateria, finendo di fronte a un albero pieno di bolle invece che di foglie, in cui in seguito rimangono intrappolati all’interno. Cominciano tutti a fluttuare in alto nel cielo all’interno delle rispettive bolle, da cui il nome dell’album, Touch the Sky. Riescono quindi tutti a sfuggire alle bolle e atterrano di nuovo sulle praterie. Il gruppo arriva quindi in un ambiente invernale dove cavalcano unicorni e poi sputano ali d’angelo, quindi procedono a volare nello spazio. Mentre volano nello spazio, atterrano su una pastinaca volante e ci danzano sopra. Successivamente vengono rimandati alle praterie da prima, e ora continuano a ballare con il gruppo di persone visto all’inizio. Più tardi, solo il gruppo di persone viene riportato sul pianeta Terra, soprannominato “paese delle meraviglie”, lasciando l’ATC nello spazio, con una ragazza con una collana che si illumina come dono dell’ATC. Un vinile bellissimo.

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Lato B

Paul Simon ‎Graceland

Etichetta: Warner Bros. Records ‎92 5447-1 Formato: Vinile, LP, Album Paese: Italia Uscita: 1986 Nota: testi sulla busta del disco Tracce: Lato A The Boy In The Bubble Graceland I Know What I Know Gumboots Diamonds On The Soles Of Her Shoes Lato B You Can Call Me Al Under African Skies Homeless Crazy Love Vol. II That Was Your Mother All Around The World Or The Myth Of Fingerprints. Graceland è il sesto album in studio da solista del cantautore statunitense Paul Simon, pubblicato il 12 agosto 1986 dalla Warner Bros. L’album è stato inserito al 71º posto nella lista dei 500 migliori album di tutti i tempi stilata da Rolling Stone, mentre la traccia omonima al 485º posto in quella dei 500 migliori brani musicali. Nel 2007 il disco è stato inserito nella National Recording Registry dalla Biblioteca del Congresso degli Stati Uniti d’America in quanto «culturalmente, storicamente, ed esteticamente significativo». Nei primi anni ottanta la carriera di Simon si trovava in un punto fermo. A seguito di una reunion di grande successo, ma conflittuale con l’ex partner Art Garfunkel, si concluse il matrimonio del cantante con l’attrice Carrie Fisher e il suo ultimo album, Hearts and Bones (1983) ottenne scarsi riscontri commerciali. Nel 1984, dopo un periodo di depressione, Simon rimase affascinato da una musicassetta contenente musica sudafricana. Pochi mesi dopo il cantante decise di recarsi a Johannesburg, dove trascorse due settimane a registrare con musicisti sudafricani. Registrato tra il 1985 e il 1986, Graceland presenta un mix eclettico di stili musicali, tra cui pop, rock, zydeco, musica africana e parti a cappella. Simon creò le nuove composizioni ispirato dal viaggio fatto a Johannesburg, collaborando con artisti sia africani che americani. L’autore ricevette diverse accuse dall’associazione Artists United Against Apartheid per aver apparentemente rotto il boicottaggio culturale imposto dal resto del mondo contro il Sudafrica e la sua politica di apartheid. Nonostante la controversia, Graceland ha ottenuto enorme successo commerciale, segnalandosi come il lavoro più venduto nella carriera di Simon. Il disco fu recensito in maniera positiva dalla critica specializzata, e premiato con il Grammy Award all’album dell’anno nel 1987. In totale ha venduto oltre 16 milioni di copie nel mondo. Sul libro 1000 dischi fondamentali rock ne parlano cosi : 1984. Dopo avere disseminato di successi la prima metà degli anni 70, Paul Simon è entrato nel tunnel di una crisi prima esistenziale (quantomeno un doloroso divorzio gli ha ispirato nel ’75 lo straordinario Still Crazy After All These Years) e quindi artistica (un mezzo disastro nell’ 83, pur regalando alcune canzoni superbe, Hearts And Bones) che gli sembra senza uscita. Pensieri di ritiro gli traversano la mente quando un bel giorno, guidando, infila nell’ autoradio una cassetta di un gruppo sudafricano, tali Boyoyo Boys, prestatagli da un amico. è un’ epifania degna di quella primigenia di San Paolo. Un brano in particolare – Gumboots- lo entusiasma a tal punto da fargli ritagliare un testo in inglese sullo spartito originale ed è l’ inizio del progetto Graceland. Registrato in gran parte in Sudafrica, in violazione della lettera ma non certo dello spirito dell’ embargo che vigeva contro il regime razzista di Pretoria, fra l’ ottobre ‘ 85 e il giugno ’86, l’ album veniva pubblicato il 12 agosto seguente da una Warner ancora scottata dalle vendite deludenti dei due precedenti LP e a dir poco scettica che un disco cosi eclettico, e dalle sonorità esotiche per l’ orecchio americano, potesse funzionare. Dopo quattordici milioni di copie vendute (cinque negli Stati Uniti), dovrebbero essersi ricreduti. A parte quello ovvio, vale a dire l’ altissima qualità della scrittura, il principale punto di forza di Graceland è quello di non essere cio che facilmente sarebbe potuto diventare, ossia la gitarella turistica di una popstar in un paese del Terzo Mondo in cerca di fonti di ispirazione fresche da espropriare, bensi un lavoro di genuina fusione – in una cornice non colonialista ma di incontro paritatio – fra culture. Vi covivono zydeco e mbaqanga, pop, rock e tex-mex, diresti di stare ascoltando doo wop e invece è isicathamiya. Ci sono Ladysmith Black Mambazo, Miriam Makeba e Youssou N’ Dour ma anche gli Everly Brothers, i Los Lobos, Adrian Belew e Linda Ronstadt. Under African Skies, come recita il titolo di una canzone che – paradossalmente, coerentemente – finisce per suonare come la più “occidentale” del lotto. Sul libro Rolling Stone i 500 album migliori di ogni tempo ne parlano cosi : Frustrato dall’ esperienza di scrivere canzoni belle che però in studio non prendevano vita, Pul Simon decise “di incidere ottime basi”, come spiegò in seguito. ” Pensai : ‘Ho abbastanza tecnica compositiva da rovesciare la procedura e scrivere una canzone dopo l’ incisione della base”. Simon rischiò critiche severe andando in Sudafrica (allora in regime di apartheid) e lavorando con i migliori musicisti della township nera. Con la fluida energia e la perizia del chitarrista Black Mambazo, Simon creò un album sull’ isolamento e la redenzione che trascendeva la “word music” per diventare la colonna sonora del mondo intero. Sulla edizione a rivista dello stesso libro aggiungono che : Quei ritmi luminosi costituivano, inoltre, le fondamenta per alcuni dei testi più acuti e divertenti di tutta la sua carriera. Un bellissimo vinile.

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Busta disco con testi

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Alcazar ‎Crying At The Discoteque

Etichetta: Melodica ‎MEL 9912 Formato: Vinile, 12″, 33 ⅓ RPM Paese: Italia Uscita: 2000 Tracce: Lato A Crying At The Discoteque Radio Edit Crying At The Discoteque Extended Version Lato B Crying At The Discoteque DeTox Dub Crying At The Discoteque Pinocchio Tesco Mix. Crying at the Discoteque è un singolo del gruppo musicale svedese Alcazar, pubblicato l’8 gennaio 2001 come secondo estratto dal primo album in studio Casino. Il brano utilizza un sample di Spacer, brano scritto e composto nel 1979 dagli Chic per la cantante francese Sheila. Il singolo rappresenta il punto di maggior successo del gruppo, che con questo brano è entrato nelle classifiche di tutta Europa. La canzone è stata scritta da Alexander Bard, Anders Wollbeck, Anders Hansson e Michael Goulos e prodotta da Bard e Hansson insieme a Johan S. È divenuto uno dei tormentoni estivi del 2001. I membri del gruppo stanno cantando la canzone con dei vestiti metallizzati su uno scenario con delle rocce finte con, dietro, dei figuranti con delle teste di animali che danzano. Uno dei tormentoni estivi per eccellenza ballato nelle piste da ballo di tutta Europa.

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Procol Harum ‎A Salty Dog

Etichetta: Cube Records ‎2326 017 Formato: Vinile, LP, Album,Ristampa Paese: Francese Note: Primi anni ’70 ristampa con il codice prezzo Ⓣ Tracce: Lato A A Salty Dog The Milk Of Human Kindness Too Much Between Us The Devil Came From Kansas Boredom Lato B Juicy John Pink Wreck Of The Hesperus All This And More Crucifiction Lane Pilgrim’s Progress. A Salty Dog è il terzo album dei Procol Harum, pubblicato nel 1969 dalla A&M. Sul libro atlanti musicali giunti Progressive ne parlano cosi : Il disco più riuscito del gruppo, un’ azzeccata sintesi tra le vecchie radici R&B e le nuove composizioni sinfoniche. La vena di Brooker è ispirata, l’ orchestra un po’ più discreta, le canzoni interessanti, e c’ è soprattutto un classico struggente e maestoso A Salty Dog. Sul libro The Prog Side Of The Moon suoni e leggende del Rock Europeo anni 70 ne parlano cosi : Il disco che maggiomente rappresenta il valore dei Procol, che dispiega le loro ambizioni e definisce meglio il loro stile. Dopo i due primi 45 giri, il loro pezzo più bello è A Salty Dog una lenta, struggente, melodicamente azzeccata storia marinara, con tanto di gabbiani e onde sullo sfondo (il titolo ha un riferimento sessuale nello slang dei marinai). Il resto del primo lato è rock The Milk Of Human Kindness, The Devil Came From Kansas, e blues, come Juicy John Pink. Meglio i brani del secondo, Wreck Of The Hesperus con orchestra, e All This And More, più in stile Procol. Crucifiction Lane di Trower e Pilgrim’s Progress di Fisher rispecchiano le inclinazioni dei rispettivi autori, più rock la prima, più prog la seconda, con vari richiami alle sonorità del recente passato in un chiaro tentativo di scrivere il seguito di A Whiter Shade Of Pale. Un bellissimo vinile da avere nella vostra collezione.

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